INVITE TO THINK ABOUT

What is it today fashion design? “Fashion design”, two words, “fashion” and “design” that time after time became, considered both individually and together, two empty containers, static dimensions, resulting from an absence of thinking where the matter justifies every kind of content or rather its lack. After a long time of virtual absence, as I had nothing to tell, preferring the silence behind the happenings that peopled a sensitive realm, which is the picture of the times’ spirit. And after it arrived the covid-19. The pandemic brought losses and uncovered the criticalities of many systems concerning and surrounding the way of being, making and thinking of human being, it’s like a level, which puts everything and everyone on par, nullifying geographical, cultural, spiritual and mental limits and boundaries. A new drama, but it is also a chance to speed up those changes, evolutions where it enhances, protects, holds and develops all that is good there was and is concerning life, thought, culture of making and being, instead of the revolution where everything is destroyed. It is an invite to think and rethink about oneself, collaborate, giving everyone its modest contribution to reconstruct the world, Earth which hosts us and spread energy, electric circuits that turn on like lights in the dark. It seems like a metaphor which hopes for the return of a new Illuminism, to turn on again the light of reason, guide towards a new way of being human. It talked often as political slogan about digital Renaissance, a new rebirth supported by technology, the digitization, something which is commonly used in a passive, superficial way without any creativity. I prefer talking about New-Baroque, word more useful to draw the current time, a moment where everything wavers, is uncertain, like in the seventeenth century, age of big conflicts, tragedies, religious war, as well as scientific findings and cultural progress, where the artifice it is used to emphasize reality and reveal the different point of views featuring in it. Dynamism as life which is movement towards something. Like yesterday our position is not the same, lost its centrality, priority, instead it is the same or inferior to the one of bats, minks, bees have all the same dignity as inhabitants of the planet, as well as mosses and lichens, living being, having also the plants a life, today undermined by man who altered the ecosystem and its equilibrium. The pandemic is a matter of fact which pushes the man to run and correct everything was until now undone and avoided to see under the sign of other, the blind search for a profit, a capitalistic economy, which is often predatory and produces iniquities into the planet and between the humans. We are a society of consumers instead of being human, commodified and commodifying, portrait eloquently taken yesterday by Pier Paolo Pasolini and Guy Debord, includes today more shades. Why do I talk about that? Fashion is politics and like this last one it is redefining itself, resulting from the necessary ways connected to the social distancing, further possibilities as well as considering its core. In this New-Baroque dimension, the discernment, reason is a useful means to understand, feel and make.

Coming back to the core of my words, its founding core or rather the “fashion design”, though it would be more correct to talk about “fashion styling”, a custom featuring during the last decade in fashion which reached extreme edges, legitimating a brand identity, narrative in the best case scenario. Fashion is the touchstone which embodies the sedimented and implemented emptiness during the last years. A decrease of the value and values, a slow and constant decay which produced stasis, boredom and false epiphanies, featuring naturally also the exceptions that confirm the rule. The innovation developed did not regard the design of fashion product, but only the textile design. The communication was the standard, supported also by its amplification on the social media which justified the proliferation and rise of many products ( accompanied by the unfamous small suitcase – evoking the invite to buy made in the Naples slang by Sophia Loren concerning the Parma ham – where everything becomes a bazaar, a street market, is on sale: https://www.youtube.com/watch?v=-e4A9Y3_UP8), of whose some have no reason to exist in terms of sense and sign, just only like for marketing issues of the moment ( a recent example is the passing of brand Fenty, the label of luxury ready to wear established by the known pop-star Rihanna which will be for sure not missed by anybody). Behind the power of communication, artifice which gives a sense to the emptiness, the main feature of contemporary times, what there isn’t (art, creativity and values), what does it stay of this age? The craftsmanship became during those times, lacking anything else, something to recover, destroyed by the way of producing, turned today into the standard of made in Italy in particular and fashion in general, the beautiful and well son. Concerning the new, word which often yesterday was connected to creativity, today it stays just a few, because the operation of fashion styling – though it is creative – implies and ensemble, combination, revisitation and inspiration regarding something which already existed ( and if you have an archive, this work becomes lighter and more refined). The ones who are more negative would tell fashion always went in this sense, nourished itself by using contaminations and inspiration. The limit becomes lighter, vanishing, impalpable when it concerns the realm of cultural appropriation, copy and plagiarism. The first one got a recognition and protection in the legal field( it reminds the legal troubles involving Isabel Marant, brand, which copied textile prints belonging to the cultural heritage of a community of Mexicans and recently also the shapewear brand “Kimono” by Kim Kardashian, she had to rename and turn into “Skims solutions” in order to avoid the accusations for cultural appropriation( for further remarks see: https://www.independent.co.uk/life-s, https://fashionunited.com/news/fashion/isabel-marant-apologises-for-mexican-appropriation/2020111736516,https://www.dailymail.co.uk/news/article-8957187/Mexican-government-forces-French-designer-Isabel-Marant-apologise-cultural-appropriation.html, https://www.mic.com/articles/121008/this-designer-s-mexican-dress-is-a-lesson-in-cultural-appropriation, https://www.independent.co.uk/life-style/fashion/kim-kardashian-skims-shapewear-line-kimono-cultural-appropriation-a9079851.html). More sensitive is the issue of becoming plagiarism after a sentence, which requests the start of a legal action from the victim against who copied. That does not concern only fashion, but also the realm of visual arts, as it evidenced the appeal judgement which condemned the famous artist Jeff Koons for having copied, by turning into sculpture a picture featuring in the advertising campaign of French brand Naf-Naf.(https://www.theartnewspaper.com/news/jeff-koons-and-centre-pompidou-lose-appeal-in-naf-naf-copyright-case-now-other-french-museums-could-be-in-the-firing-line, https://www.nytimes.com/2018/11/08/arts/design/jeff-koons-fait-dhiver-naf-naf-copyright.html). The protection as intellectual works of fashion products does not give and full protection, except to the copy and sale of the same products, fake products, being the same and having same name and label. It would be useful if someone, a kind of authority would monitor that not only due to socio-economic issues, but also educational and cultural. When the present deletes past, its culture, featuring people who have memory problems and in many countries, like in Italy, facing with problems of functional illiteracy, to discern, recognize the talent, creativity and to give it the right value it is not only important for giving to anyone what deserves, but above all to arise culture, sensitiveness, consciousness, increasing the real ability to make, create which is something completely different from the copying, rough gesture, legitimized by ignorance of many ones, considered as lack of knowledge, hidden and mystified by few ones, due to many interests. Here the media plays a relevant role, which has or rather should have the ethical duty to inform and tell, arguing without speaking up, paying tribute, but reporting just true news, which is conform to the reality.

The copy is copy, to consider a creative as a visionary, who made this behaviour a habit, is unthinkable, but it happens. Resulting from that it seems like everyone can play the role of a fashion designer, without knowing anything on design, construction and making of a garment. “It’s all a karaoke and that regards fashion, art and music”. Rightly thus recently told me a creative I deeply appreciate. What else when someone relies on somebody else without justifying or recognizing anything once it using a sign which is the main feature of a certain creative, it’s an evidence of vacuity, weakness and roughness of being and making. It also exists the intellectual honesty, as it evidences Pierre Hardy, creative director of brand Hermès who, talking about the packaging he created for the first lipstick of brand, launched one year ago, used the color block, technique which depicts the sign of Jean-Charles de Castelbajc, iconic fashion designer and current creative director of United Colors of Benetton, considered as the man of color block( as well as accumulation of matter and many other I tell you more, talking in the forthcoming times about his sign, made concrete yesterday and today in the realm of fashion, visual arts and music), expressly recognizing the use and paternity. This last one is a name which frequently come back when it is considered as a reference, instead of fashion designers as Jeremy Scott, Virgil Abloh, who are openly accused to be copycats by young fashion designers and artists( as it happened to the first one resulting from that: https://www.boredpanda.com/designer-copy-plagiarism-fashion-line-edda-sofie-gimnes-jeremy-scott-moschino/?utm_source=bing&utm_medium=organic&utm_campaign=organic, https://www.bellanaija.com/2015/01/imitation-or-inspiration-moschino-releases-a-pre-fall-2015-collection-like-nigerian-designer-ituen-basis-ss15-collection/ )and other fashion designer like the Belgian Walter Van Bereindonck (https://www.inputmag.com/style/virgil-abloh-copycat-not-a-designer-walter-van-beirendonck) , who asserted during an interview he given the current creative director of Louis Vuitton who established the celebrated brand Off-White is a copycat. To see is to know, being the image more eloquent than many words. To look at a garment created yesterday by Geoffrey Beene and another one by Céline from the times of creative direction of brilliant Phoebe Philo, as the trench from the 1987 by the genius Spanish fashion designer Sybilla along with the one created by Jonathan Anderson featuring in the Fall/Winter 2021 womenswear collection bringing his name, invites to ask yourself questions and give yourself answers. It’ s an exercise of consciousness, as the mind must be opened fully as a parachute.

INVITO A PENSARE

Che cosa è oggi il fashion design? “fashion design”, due parole, “moda” e “progettazione” che da tempo gradualmente sono divenuti, da soli e in compagnia, due contenitori vuoti, dimensioni statiche, risultanti da una assenza di pensiero in cui la materia giustifica ogni tipo di contenuto o meglio la sua deficienza. Dopo un lungo periodo di assenza virtuale, avendo preferito il silenzio dinanzi agli avvicendamenti che hanno popolato un ambito sensibile, fotografia dello spirito del tempo. E poi è arrivato il covid-19. La pandemia, ha portato perdite e scoperchiato le criticità di vari sistemi che toccano e abbracciano il modo di essere, fare e pensare dell’essere umano, una livella, che parifica tutto e tutti, vanificando limiti e confini, geografici, culturali, spirituali e mentali. Un nuovo dramma, ma anche una opportunità per accelerare quei cambiamenti, evoluzioni, dove si valorizza, preserva, mantiene e consolida ciò che di buono c’era e c’è ancora in termini di vita, pensiero, cultura del fare e dell’essere, diversamente dalle rivoluzioni in cui si distrugge tutto. Un invito a pensare e ripensarsi, collaborare, dando ciascuno il proprio contributo per ricostruire un mondo, la terra che ci ospita e veicolare energia, circuiti elettrici che si accendono come lumi al buio. Sembrerebbe una metafora che auspica il ritorno di un nuovo illuminismo, riaccendere i lumi della ragione, la guida verso un nuovo modo di essere umani. Spesso si è parlato come slogan politico e speranza di rinascimento digitale, una nuova rinascita sorretta dalla tecnologia, la digitalizzazione, di qualcosa che spesso si usa passivamente, approssimativamente, senza creatività. Preferisco invece parlare di neo-barocco, qualificazione più pregnante, per disegnare l’ oggi, un momento in cui tutto vacilla, è incerto, come nel seicento, epoca di grandi conflitti, tragedie, guerre di religione, ma anche grandi scoperte scientifiche e progressi culturali, in cui l’ artificio è stato usato per enfatizzare la realtà e portare alla luce i diversi punti di vista di cui è fatta. Dinamismo, come la vita che è movimento verso qualcosa. Come allora la nostra posizione all’ interno del mondo non è più la stessa, vacilla, non è centrale, come si pensava, anzi è pari e/o anche inferiore a quella di pipistrelli, visoni, api e parimenti hanno la loro dignità di abitanti del pianeta terra come i muschi e licheni, esseri viventi, avendo anche le piante una vita, minata oggi dall’ uomo che ha alterato l’ecosistema e il suo equilibrio. La pandemia è un fatto che spinge a correre e correggere tutto ciò che finora non è stato fatto e si è fatto finta di non vedere in nome di altro, del cieco inseguimento di un profitto, di una economia capitalistica, sovente predatoria che ha prodotto iniquità nel pianeta e tra gli esseri umani. Siamo una società di consumatori e non esseri umani, mercificata e mercificatoria, ritratto già eloquentemente disegnato ieri da Pier Paolo Pasolini e Guy Debord che oggi si è arricchito di più sfumature. Perché sto parlando di questo? La moda è politica e anch’ essa si trova in fase di ridefinizione, non soltanto per le nuove modalità necessitate dal distanziamento sociale, ulteriori possibilità, ma per la sua essenza. In questa dimensione neo-barocca, il discernimento, la ragione, ma anche il sentimento è un utile strumento per comprendere, sentire e fare.

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Tornando all’ argomento fondante del mio dire ovvero il “fashion design”, anche se sarebbe più corretto parlare di “fashion styling”, una prassi della ultima decade della moda che ha raggiunto punte eccelse, legittimando una identità di marchio, una narrazione nella migliore delle ipotesi. La moda è una cartina di tornasole che ingloba il vuoto sedimentato e implementato negli ultimi anni. Un abbassamento di valori, un lento e graduale disfacimento che ha prodotto, stasi, noia e false epifanie, con le eccezioni ovviamente che confermano la regola. L’ innovazione non ha toccato la progettazione del prodotto moda, bensì eminentemente il textile design. La comunicazione è stata il vessillo, sorretta anche dalla amplificazione sui social media che ha giustificato la proliferazione e nascita di una varietà di prodotti ( accompagnati dalla famigerata valigetta, che evoca “accattatevillo”, il simpatico invito in napoletano di Sofia Loren a comprare il prosciutto di Parma , in cui tutto diventa un bazaar, mercatello, è in vendita: https://www.youtube.com/watch?v=-e4A9Y3_UP8), alcuni dei quali non avevano ragion d’ essere, in termini di senso e di segno, ma solo come marketing del momento ( un esempio recente, la dipartita del marchio Fenty, la linea di pret à porter di lusso della nota pop-star Rihanna di cui nessuno sentirà la mancanza). A fronte del potere della comunicazione, artificio che dà senso a un vuoto, che è essenza del presente, quello che non c’è: arte, creatività, valore e valori. Che cosa resta del momento? L’ artigianalità, da anni divenuta, in assenza di altro, qualcosa da recuperare, distrutto dal modo stesso di produrre è oggi baluardo del made in Italy in particolare e della moda in generale, il bello e ben fatto. Quanto al nuovo, qualificazione che spesso ieri si accompagnava alla creatività, oggi resta ben poco, perché l’operazione di fashion styling – seppure creativa – implica un assemblaggio, combinazione, rivisitazione e ispirazione che inerisce ciò che già esisteva ( e se poi si ha un archivio, questo lavoro diventa ancor più leggiadro e sofisticato). I più critici direbbero che la moda ha sempre operato in questo senso, si è nutrita di contaminazioni e ispirazioni. Il confine però diventa sottile, evanescente, impalpabile quando si tocca un ambito come quello della appropriazione culturale, copia e plagio. La prima negli ultimi anni ha avuto un riconoscimento e tutela dal punto di vista giuridico (si ricordano le questioni legali che hanno coinvolto il brand Isabel Marant, che ha copiato le stampe tessili appartenenti all’ heritage culturale di una comunità di messicani e recentemente anche il marchio di shapewear “Kimono” di Kim Kardashian, da lei dovuto rinominare e trasformare in “Skims solutions” per fugare le accuse di appropriazione culturale. Per ulteriori delucidazioni v. : https://www.independent.co.uk/life-s, https://fashionunited.com/news/fashion/isabel-marant-apologises-for-mexican-appropriation/2020111736516,https://www.dailymail.co.uk/news/article-8957187/Mexican-government-forces-French-designer-Isabel-Marant-apologise-cultural-appropriation.html, https://www.mic.com/articles/121008/this-designer-s-mexican-dress-is-a-lesson-in-cultural-appropriation, https://www.independent.co.uk/life-style/fashion/kim-kardashian-skims-shapewear-line-kimono-cultural-appropriation-a9079851.html). Più delicata è invece la fattispecie della copia che diventa plagio dopo una sentenza, quindi l’ avvio di una azione legale da parte del soggetto leso contro chi ha copiato. E ciò non tocca solo la moda, ma anche l’ arte, come si evince la recente sentenza di appello che ha condannato il famoso artista Jeff Koons per aver copiato, trasformando in scultura, una foto della campagna pubblicitaria del marchio francese Naf-Naf(https://www.theartnewspaper.com/news/jeff-koons-and-centre-pompidou-lose-appeal-in-naf-naf-copyright-case-now-other-french-museums-could-be-in-the-firing-line, https://www.nytimes.com/2018/11/08/arts/design/jeff-koons-fait-dhiver-naf-naf-copyright.html). La protezione quali opere dell’ingegno dei prodotti moda non offre loro una tutela piena, ad eccezione della copia e vendita dei cosiddetti falsi, prodotti dello stesso tipo, nome ed etichetta. Sarebbe utile che un’ autorità vigilasse su questo anche per motivi divulgativi e culturali. In un presente che cancella il passato e la sua cultura, con una popolazione che ha problemi di memoria e in varie parti del mondo, come in Italia, versa pure nell’ analfabetismo funzionale, discernere, riconoscere il talento, la creatività e darne il giusto valore, non è importante solo e unicamente per dare a ciascuno il suo, ma anche e soprattutto per generare cultura, sensibilità, consapevolezza, incentivando la reale capacità di fare, creare che è poi ben diverso dal copiare, gesto volgare, legittimato dall’ ignoranza di molti, ovvero mancanza di conoscenza, sottaciuto e mistificato da pochi per ragione di cassa e di interesse. E qui si chiama in causa l’informazione che ha il dovere etico di informare e dire, argomentando, senza urlare, né ossequiare, ma riportare una notizia vera, aderente alla realtà.

This image has an empty alt attribute; its file name is castelbajac-spring-2009.jpg — Jean-Charles de Castelbajac Spring/Summer 2009

La copia è copia, ma considerare un creativo visionario, chi ha fatto di questo una prassi è ben altro, è impensabile, eppure si fà. “E’ tutto un karaoke e ciò riguarda la moda, l’ arte e la musica”. Così mi ha recentemente detto uno dei creativi che di più stimo e apprezzo e a ragione. Che dire invece quando qualcuno si rifà ad un altro senza neppure giustificare alcunché o riconoscere avvalendosi di un segno, che è peculiarità di un determinato creativo, segno di vacuità, debolezza e aggiungo volgarità dell’ essere e fare. Esempi di onestà intellettuale ed etica esistono, uno di questi è Pierre Hardy, il direttore creativo del marchio Hermès che, parlando del packaging da lui creato per il primo rossetto del brand, lanciato lo scorso anno, si è avvalso del color block che nella moda descrive il segno di Jean-Charles de Castelbajc, iconico fashion designer e attuale direttore creativo del marchio United Colors of Benetton, considerato l’ uomo del color block( ma anche dell’ accumulazione e di molto altro, su cui mi riservo di tornare, per parlare più ampiamente suo fare che si è generosamente concretizzato nell’ ambito della moda, dell’ arte ed anche della musica, ieri ed oggi), riconoscendone esplicitamente l’ uso e la paternità. Un nome che ritorna spesso quando si accarezza questo argomento, ovviamente come riferimento, diversamente da fashion designers quali Jeremy Scott, Virgil Abloh, che sovente sono stati pubblicamente chiamati in causa quali autori di copie da giovani fashion designers e artisti, il primo, e colleghi quali il fashion designers belga Walter Van Bereindonck ( come si evince da ciò: https://www.boredpanda.com/designer-copy-plagiarism-fashion-line-edda-sofie-gimnes-jeremy-scott-moschino/?utm_source=bing&utm_medium=organic&utm_campaign=organic, https://www.bellanaija.com/2015/01/imitation-or-inspiration-moschino-releases-a-pre-fall-2015-collection-like-nigerian-designer-ituen-basis-ss15-collection/ , https://www.inputmag.com/style/virgil-abloh-copycat-not-a-designer-walter-van-beirendonck), il quale ha pubblicamente affermato durante un’ intervista che l’ attuale direttore creativo di Louis Vuitton uomo e fondatore del celebre marchio Off-White è un copione. Vedere è conoscere e in quest’ ambito l’ immagine è più eloquente di tante parole. Osservare un capo disegnato ieri da Geoffrey Beene e un altro di Céline, ai tempi della direzione creativa della brillante Phoebe Philo, come anche il trench risalente al 1987 della geniale fashion designer spagnola Sybilla unitamente a quello creato da Jonathan Anderson per la collezione autunno-inverno 2021 del marchio che porta il suo nome spinge a farsi alcune domande sulla moda, quella contemporanea e a darsi delle risposte. Questo è un mero esercizio di consapevolezza, poiché la mente và aperta tutta come un paracadute.

This image has an empty alt attribute; its file name is louis-vuitton_fw20.jpg — Louis Vuitton Fall/Winter 2020

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THE DARK CELEBRATION BY SYLVIO GIARDINA

Sylvio Giardina Spring/Summer 2020, photo by N

It has recently presented during the Altaroma Winter edition “Dark celebration”, the Spring/Summer 2020 haute couture collection by Sylvio Giardina, featuring catchy constructions and fine decorations that refining the garments as the headpieces and shoes designed by the celebrated shoe-designer Ernesto Esposito. A dark atmosphere under the sign of black – alternated by vibrant shades of orange and blue, as well as silver and gold of lame cloths -, which ends with the light of music, the music track “The Maze” by David Motion and Sally Potter (which is part of the “Orlando” movie soundtrack).

LA DARK CELEBRATION DI SYLVIO GIARDINA

È stata di recente presentata in occasione dell’ edizione invernale di Altaroma “Dark celebration”, la collezione alta moda primavera/estate 2020 di Sylvio Giardina, di cui sono protagoniste accattivanti costruzioni e raffinati decori che rifiniscono i capi come gli accessori per capelli e le calzature disegnate dal celebre designer Ernesto Esposito. Un’ atmosfera tenebrosa – all’ insegna del nero, alternata da vibranti nuances di arancio e blu, come anche argento e oro dei tessuti laminati – che si conclude con la luce di una musica, il brano “The Maze”di David Motion e Sally Potter (che fà parte della colonna sonora del film “Orlando”).

Details from the Sylvio Giardina Spring/Summer 2020 fashion show, the shoes by Ernesto Esposito for Sylvio Giardina, photo by N

www.altaroma.it

www.sylviogiardina.com

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MALCOM MCLAREN: THE AUTOBIOGRAPHY

Malcom McLaren, genius, eclectic individual, who, along her wife Vivienne Westwood – created the iconic SEX Boutique in London – , codified the punk subculture during the Seventies, changing the face of music, fashion and style. He was well known as the creator of the British punk band Sex Pistols and later of band Bow Wow Wow. A catalyst of ideas, signs and culture as it has also evidenced by his work as singer. I like to remember the music track he made “Deep in Vogue” from the early Eighties, where he developed a trend arisen in the gay clubbing scene since the Sixties, the “Voguing” dance ( which, later, in the early Nineties Madonna brought into the pop culture with the music video “Vogue “). In 1980, he asked to the writer Barry Cain for helping to make his story, “Malcom McLaren: the autobiography”( Red Planet, 368 pages, $26.95), which will be released on 3^rd March 2020. A not to be missed book to know more about an age, its culture, an awesome mind and his brilliant work.

MALCOM MCLAREN: L’ AUTOBIOGRAFIA

Malcom McLaren, genio, eclettica individualità, colui che, insieme alla moglie Vivienne Westwood – ha creato l’ iconica boutique SEX a Londra -, ha codificato la subcultura punk negli anni Settanta, cambiando il volto della musica, moda e dello stile. Noto come il creatore e manager della band punk inglese Sex Pistols e successivamente di Bow Wow Wow. Un catalizzatore di idee, segni e cultura come è dimostrato anche dal suo lavoro di cantante. Mi piace ricordare la sua traccia musicale “Deep in Vogue”, risalente ai primi anni Ottanta, in cui ha consolidato un trend nato nella scena dei club gay a partire dagli anni Sessanta, il ballo “Voguing” ( che più tardi, agli inizi degli anni Novanta Madonna ha sdoganato nella cultura pop con il video musicale “Vogue”). Nel 1980, ha chiesto allo scrittore Barry Cain di aiutarlo a realizzare la sua storia, “Malcom McLaren: the autobiography”( Red Planet, 368 pages, $26.95), che sarà pubblicato il 3 marzo 2020. Un libro imperdibile per conoscere di più su un’ epoca, la sua cultura, una superba mente e il suo brillante lavoro.

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“DEAD NATIONS: GOLDEN AGE VERSION”, THE ETERNAL RETURN OF EUGENY ANTUFIEV

It has recently opened in Naples at the San Giuseppe delle Scalze Church, “Dead Nations: golden age version, the solo exhibition of Eugeny Antufiev, running through 25^th October 2019, curated by Marina Dacci, organized in collaboration with the Rome Sara Zanin Z2O Gallery, sponsored by Donnaregina Foundation for the contemporary arts/Naples MADRE. It was an awesome showcase under the sign of lightness, deepness and refinement, an touching story on the human being.

References, assonances and overlaps, semi-darkness and tracks of matter from the past, consumption, spirituality, light memory of the building, gives rise to a syncretic tale, ontologically incomplete which concerns the human being and its vital dynamism, impressed in different mediums – natural elements as wood, gems and metals -, sculptures and installations that evidence the eclecticism of the bright and young Russian artist.

Feeling, sacredness, bravery, mysticism and theatricality, different shades paint humanity and its vital flux, the always, eternal return, infinity. Symbols and iconographies as the snake – reminding me of ouroboros which eats its tail and the cyclic time – far from being a mere juxtaposition of memories and signifiers, track the lines of a rhizomatic thinking which opens to the universal, goes beyond time.

Gold, a color, sacred element, material transposition of power, is another leitmotiv of exhibition path which emphasizes the story of

Antufiev with lightness and pop suggestions talking about contemporary times.

“DEAD NATIONS: GOLDEN AGE VERSION”, L’ ETERNO RITORNO DI EUGENY ANTUFIEV

É stata recentemente inaugurata a Napoli presso la Chiesa di San Giuseppe delle Scalze, “Dead Nations: golden age version, la personale di Eugeny Antufiev, che prosegue fino al 25 ottobre 2019, curata da Marina Dacci, organizzata in collaborazione con Sara Zanin Z2O Gallery di Roma, matrocinata dalla Fondazione Donnaregina per le arti contemporanee/MADRE Napoli. Una fantastica rassegna all’ insegna della leggerezza, profondità e raffinatezza, emozionante storia sull’ essere umano.

Richiami, assonanze e sovrapposizioni, penombra e tracce materiche del passato, consunzione, spiritualità, viva evocazione dell’ edificio, danno vita a un racconto sincretico, ontologicamente incompleto che riguarda l’ essere nel suo vitale dinamismo. Sentimento e sacralità, impresso in diversi medium – elementi naturali quali il legno, pietre semi-preziose e metalli -, sculture e installazioni che evidenziano l’ eclettismo del brillante e giovane artista russo.

Sentimento, eroismo, misticismo e teatralità, diverse sfumature dipingono l’ umanità nelle sue molteplici sfumature e il suo flusso vitale, il sempre, l’ eterno ritorno, l’ infinito. Simboli e iconografie, quali il serpente – che mi fa tornare alla mente l’ alchemico uroboro che si morde la coda e il tempo ciclico -, lungi dall’ essere una mera giustapposizione di memorie e significanti, tratteggiano le linee di un pensiero rizomatico, che si apre all’ universale, va oltre il tempo.

L’ oro, un colore, elemento sacrale, trasposizione materica del potere è un altro leitmotiv del percorso espositivo che enfatizza il discorso di Antufiev con levità e suggestioni pop che parlano di contemporaneità.

performance by Eugeny Antufiev, photo by N

Sara Zanin,, Marina Dacci and me, myself and I, photo by N

http://www.z2ogalleria.it

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HORROR VACUI: SARTORIALISM, CRAFTSMANSHIP & POETRY

Horror Vacui, Pre-Fall 2019 collection, photo courtesy of Horror Vacui

Horror vacui – the fear of emptiness, which in the realm of visual arts turns into the urge of fulfilling empty spaces with all kinds of details – becomes the cornerstone of brand, bringing this name, created in 2012 by the brilliant Munich fashion designer Anna Heinrichs. To cultivate diversity and celebrate individuality is her main purpose, resulting from an awesome alchemy made of vibrant colors, modern patterns, unexpected materials and a refined manufacture which draws a new idea of luxury – available in the most exclusive stores as Antonia in Italy, Joyce in China – where sartorialism joins to craftsmanship and poetry.

HORROR VACUI: SARTORIALITÀ, ARTIGIANALITÀ E POESIA

Horror vacui – la repulsione per il vuoto che nell’ ambito delle arti visive si trasforma nell’ esigenza di riempire spazi vuoti con ogni tipo di dettagli – diviene l’ elemento fondante del marchio che ne porta il medesimo nome, creato nel 2012 dalla brillante fashion designer di Monaco di Baviera Anna Heinrichs. Coltivare la diversità e celebrare l’ individualità, il cui risultato è una fantastica alchimia di vibranti colori, pattern moderni, materiali inaspettati e una raffinata manifattura che disegna una nuova idea di lusso – disponibile nei negozi più esclusivi come Antonia in Italia, Joyce in Cina – in cui la sartorialità si unisce all’ artigianalità e alla poesia.

https://horror-vacui.com

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THE V&A HAS ACQUIRED SIGNS, FONTS AND SYMBOLS DEVELOPED BY THE CLIMATE-CHANGE ACTIVIST GROUP EXTINCTION REBELLION

Curators at the London museum connect the group’s distinctive visual identity to strategies employed by the Suffragettes.

Naomi Rea

A bold hourglass symbol signaling that time is running out for the planet efficiently communicates the mission of the climate change activist group Extinction Rebellion, which has staged mass protests across the globe over the past eight months. Now, the group’s unique iconography has earned it a place in a museum collection: the Victoria & Albert Museum in London recently acquired a series of objects communicating its unique design aesthetic.

“Design has been key to Extinction Rebellion’s demands for urgent action on climate change,” the museum’s senior curator of design and digital, Corinna Gardner, said in a statement.

The artifacts were collected as part of the museum’s “rapid response collecting” initiative, which documents and displays designs addressing landmark contemporary events. The collection, which started in 2014, now comprises more than 30 objects, including a protest umbrella from Hong Kong’s 2014 Umbrella Movement.

Extinction Rebellion’s logo was originally designed by the street artist ESP in 2011. The symbol was adopted (with permission) by the movement, which also goes by the shorthand XR, in 2018. The objects to join the V&A’s collection include flags emblazoned with the symbol carried at mass demonstrations; a rare original example of the official declaration that was released alongside the group’s first action in London; and open-source materials the group has made available to download online.

By making the brightly colored prints and punchy slogans widely available for download, Gardner says the movement has been able to empower people to get involved on their own while ensuring a consistent visual identity and message for the global movement. Gardner likens the design approach to that of the Suffragettes, who encouraged supporters to wear purple, green, and white to communicate their cause.

Extinction Rebellion has been staging nonviolent public actions in cities around the world since October 31 last year, when more than 1,500 people assembled in London’s Parliament Square to announce a Declaration of Rebellion against the UK government, calling for urgent action on climate change. Their demands prompted the government to declare a “climate and ecological emergency” on May 1 and commit to reducing emissions to net zero by 2025. XR now has more than 363 active groups in 59 countries, including Spain and South Africa.

The activist organization also has its own arts group that oversees its strategic designs. Unifying visual elements include the Extinction Symbol, the XR logotype, a 12-tone color palette influenced by pop artist Eduardo Paolozzi, and two custom two fonts, “FUCXED” and “Crimson.”

The Extinction Rebellion Arts Group is pleased that the V&A is showing their work for free. “The Climate and Ecological emergency is THE issue of our time and art and design is crucial to our non-violent actions and communication,” said Clive Russell, a representative for the group, in a statement. “We call on all artists and designers to think beyond the bullying constraints of commercial drudgery and join us in rebellion.”

IL V&A HA ACQUISITO SEGNI, CARATTERI E SIMBOLI MESSI A PUNTO DAL GRUPPO DI ATTIVISTI DEL CAMBIAMENTO CLIMATICO EXTINCTION REBELLION

I curatori del museo di Londra Victoria & Albert collegano la distintiva identità visiva del gruppo alle strategie usate dalle Suffragette.

Naomi Rea

Un simbolo di una clessidra in neretto per segnalare che il tempo per il pianeta sta per finire comunica in modo efficace la missione del gruppo di attivista per il cambiamento climatico Extinction Rebellion, il quale ha allestito proteste di massa per il globo da più di otto mesi fa. Adesso l’ iconografia unica del gruppo ha guadagnato un posto nella collezione di un museo: il Victoria & Albert Museum a Londra ha recentemente acquisito una serie di oggetti che comunicano la sua unica estetica di design.

“Il design è stato la chiave per le richieste di Extinction Rebellion finalizzate a una azione tempestiva in merito al cambiamento climatico”, il senior curator di design e digital del museo Corinna Gardner ha così affermato in una dichiarazione.

Gli artefatti sono stati raccolti come parte della “rapida risposta a collezionare” dell’ iniziativa museale che documenta e mostra i disegni facenti riferimento agli eventi contemporanei. La collezione, che ha avuto inizio nel 2014, comprende ora più di una trentina di oggetti, comprensivi di un ombrello di protesta proveniente dall’ Umbrella Movement del 2014 di Hong Kong.

Il logo di Extinction Rebellion è stato originariamente disegnato dallo street artist ESP nel 2011. Il simbolo è stato adottato ( previa autorizzazione) dal movimento, a cui segue anche l’ abbreviazione XR nel 2018. Gli oggetti che entrano a far parte della collezione del V&A includono bandiere che hanno inciso il simbolo portato alle dimostrazioni di massa, un raro esemplare originale della dichiarazione ufficiale pubblicata contemporaneamente alla prima azione dimostrativa del gruppo a Londra; e materiali open-source che il gruppo ha reso disponibili per il download online.

Rendendo le stampe brillantemente colorate ed i vibranti slogan ampiamente disponibili per il download, Gardner sostiene che il movimento è stato capace di incoraggiare la gente ad esser coinvolti individualmente e al tempo stesso assicurare una significativa identità visiva e un messaggio per il movimento globale. Gardner paragona l’ approccio al design a quello delle Suffragette, che ha incoraggiato i sostenitori a indossare porpora, verde e bianco per comunicare la loro causa.

Extinction Rebellion è stata impegnata ad organizzare azioni pubbliche non violente in città di tutto il mondo a partire dal 31 ottobre dello scorso anno, quando più di 1,500 persone si sono radunate presso la Parliament Square di Londra per annunciare una Dichiarazione di Ribellione contro il governo del Regno Unito, richiedendo un intervento urgente per il cambiamento climatico. Le loro richieste hanno indotto il governo a dichiarare una “emergenza climatica ed ecologica” l’ 1 maggio e impegnarsi a ridurre le emissioni di rete a zero dal 2025. XR ha ora più di 363 gruppi attivi in 59 stati che comprendono Spagna e Sud Africa.

L’ organizzazione attivista ha anche il suo gruppo di artisti che supervisiona i suoi disegni strategici. L’ unificazione di elementi visivi include il Simbolo di Estinzione, il logo XR, una paletti di colori di 12 tonalità influenzata dall’ artista pop Eduardo Paolozzi, e due font realizzati appositamente, “FUCXED” e “Crimson.”

L’ Art Group Extinction Rebellion è lieto che il V&A mostri la loro opera gratuitamente.“L’ emergenza climatica ed ecologica è la problematica del nostro tempo e l’ arte ed il design è fondamentale per le nostre azioni non violente e la comunicazione,” come Clive Russell ha detto, un rappresentante del gruppo, in una dichiarazione. Invitiamo tutti gli artisti e designers a pensare al di là dei limiti delle prepotenze del lavoro noioso commerciale e unirvi a noi nella ribellione.”

The V&A Has Acquired Signs, Fonts, and Symbols Developed by the Climate-Change Activist Group Extinction Rebellion

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“THE DEAD DON’T DIE”, THE NEW FILM BY JIM JARMUSCH

It will be released on 15^th May 2019 in France, 13^th June 2019 in Italy and 14^th June 2019 in the United States “The Dead don’t die”, by Jim Jarmusch, opening the 2019 edition of Cannes Film Festival, featuring an iconic cast, including Iggy Pop, Bill Murray, Chloë Sevigny, Tilda Swinton, Tom Waits, Steve Buscemi, Danny Glover, RZA and Selena Gomez. After the vampires of “Only lovers left alive”, the celebrated indie filmaker comes back with a bright horror comedy featuring the zombie, the living dead people. A not to be missed movie by an eclectic artist.

“THE DEAD DON’T DIE”, LA NUOVA PELLICOLA DI JIM JARMUSCH

Sarà in uscita il 15 maggio 2019 in Francia, il 13 giugno 2019 in Italia ed il 14 giugno 2019 negli Stati Uniti d’ America “The Dead don’t die”(“I morti non muoiono”), di Jim Jarmusch, che aprirà l’ edizione 2019 del Festival del Cinema di Cannes di cui sarà protagonista un cast iconico, che comprende Iggy Pop, Bill Murray, Chloë Sevigny, Tilda Swinton, Tom Waits, Steve Buscemi, Danny Glover, RZA e Selena Gomez. Dopo i vampiri di “Solo gli amanti sopravvivono”, il celebre regista indie torna con una brillante commedia horror che ha quali protagonisti gli zombie, i morti viventi. Un film imperdibile di un artista eclettico.

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“CAMP: NOTES ON FASHION” AT THE MET GALA

It will be held tomorrow the MET Gala in New York , raising-fund event for the Metropolitan Museum created yesterday, in 1948 by the fashion journalist Eleonor Lambert, conceived as a gala dinner before the opening of exhibition, since 1972 it has managed by the Vogue editor in chief Diana Vreeland and the evening became a renowned happening for divas and celebrities – organized by the Vogue America editor in chief Anna Wintour having as theme of dress-code requested the name of exhibition, curated by Andrew Bolton, sponsored by Gucci, “Camp: notes on fashion” which will be held at the Met Museum from 9^th May to 8^th September 2019. This title has drawn inspiration by the essay by Susan Sontag which pays homage to camp, a relevant sign impressed in the culture: “camp is all that is extravagant, theatrical, exaggerated, which gives the chance to read again the codes from the past and stand out from the mass. It’s a bit posh, artificial. It’s mostly incongruous”. It’s an artifice, where excess combines to eccentricity, assertiveness and irony, a relative of trash – its son, if it is consider trash as a matrix, which is instead a spontaneous phenomenon -, turned into a standard of elegance, institutionalized yesterday and today by brands as Moschino, Jeremy Scott and Gucci by Alessandro Michele.

“CAMP: NOTES ON FASHION” AL MET GALA

Schiaparelli Couture, Fall/Winter 2018-2019

Si terrà domani il MET Gala a New York , evento di raccolta fondi a beneficio del Metropolitan Museum – creato ieri, nel 1948 dalla giornalista di moda Eleonor Lambert, concepito come cena di gala che precede la opening della mostra, a partire dal 1972 la sua organizzazione è stata gestita dalla direttrice editoriale di Vogue America Diana e la serata è divenuta un happening rinomato per dive e celebrità – organizzato dalla editor in chief di Vogue America Anna Wintour che ha come tema del dress-code il nome della mostra, curated by Andrew Bolton, sponsorizzata da Gucci, “Camp: notes on fashion” che si terrà presso il Met Museum dal 9 maggio all’ 8 settembre 2019. Questo titolo trae ispirazione dal saggio di Susan Sontag che rende omaggio al camp, rilevante segno impresso nella cultura: è tutto quello che è stravagante, teatrale, esagerato, che permette di rileggere i codici del passato e spiccare tra la massa. Un po’ snob, un po’ artificioso. Spiccatamente incongruo. Un artificio, in cui l’ eccesso si combina con l’ eccentricità, assertività e ironia, un parente del trash – il figlio, se si consideri il trash una matrice, che diversamente da esso è un fenomeno spontaneo -, trasformato in uno standard di eleganza, istituzionalizzato ieri ed oggi da Moschino, Jeremy Scott e Gucci by Alessandro Michele.

Gucci by Alessandro Michele, Fall/Winter 2016-2017

Moschino by Jeremy Scott, Spring/Summer 2018

https://www.metmuseum.org/

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THE EXTINCTION REBELLION FASHION CARNIVAL OF CHAOS

A not to be missed happening is having place now, The Carnival of Chaos, a street party running through the 11:59 pm in London at Cockspur Street 14, outside the Brazil Embassy, organized by Extinction Rebellion Fashion to celebrate the Amazon Rainforest’s biodiversity, it’s custodians, all the heroes around the world fighting to protect as “Vivienne Westwood (https://www.facebook.com/xrfashionaction/videos/840678906267425/) , legendary fashion designer, social activist and environmentalist who will attend at the event – and invite the Brazilian and global Governments to tell the truth about the consequences of exploiting the Rainforest and to call for them to act now.
Carnival is a celebration of life and chaos, it refers to the Earth’s ecological systems that are incredibly sensitive and encourages to think about how a small change can have a ripple effect, causing the system to behave in a completely different way and evidencing every individual also through modest actions can make the difference.

IL CARNEVALE DEL CHAOS DI EXTINCTION REBELLION FASHION

Un evento imperdibile sta avendo luogo adesso, Il Carnival of Chaos, uno street party che proseguirà fino alle ore 23:59 a Londra presso Cockspur Street 14, fuori dalla Ambasciata del Brasile, organizzato da Extinction Rebellion Fashion per celebrare la biodiversità della foresta pluviale dell’ Amazzonia, i suoi custodi, tutti gli eroi del mondo – come Vivienne Westwood ((https://www.facebook.com/xrfashionaction/videos/840678906267425/) ), leggendaria fashion designer, attivista nel sociale e ambientalista che parteciperà all’ evento – ed invitare il Brasile, i governi di tutto il mondo a dire la verità sulle conseguenze derivanti dalla deforestazione della foresta amazzonica ed agire ora.
Il carnevale, celebrazione di vita e caos, si rivolge ai sistemi ecologici della terra che sono oltremodo sensibili e incoraggia a pensare in che misura un piccolo cambiamento possa avere un effetto domino, portando il sistema a reagire in un modo completamente diverso e dimostrando che ogni singolo individuo anche attraverso modeste azioni può fare la differenza.

https://rebellion.earth

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ONE DAY AT FLORACULT UNDER THE SIGN OF NATURE AND ITS CULTURE

The hydroponic green fountain by Vertical Farm Italia at Floracult, photo by N

It was just only one day I spent in the Rome countryside in La Storta at I Casali del Pino where it was held the tenth edition of Floracult, event created by the bright fashion designer and social activist Ilaria Venturini Fendi, focused on the nature and its culture that featured books launches, talks and permanent installations to pay homage and celebrate the natural world and their little hosts. A smashing chance to come back, enjoy a beloved place, discover and share new ideas and emotions.

UNA GIORNATA A FLORACULT ALL’ INSEGNA DELLA NATURA E DELLA SUA CULTURA

A talk on sustanaibility in fashion design at Floracult featuring Andrea Lupo Lanzara(managing director of Rome Costume and Fashion Academy), Luigi Mulas Debois (professor and coordinator of bag design course at the Rome Costume and Fashion Academy), the students of Rome Costume and Fashion Academy and the fashion designer and social activist Ilaria Venturini Fendi, photo by N

Soltanto un giorno, quello da me trascorso nella campagna romana a La Storta presso I Casali del Pino in cui si è tenuta la decima edizione di Floracult, evento creato dalla brillante fashion designer e attivista nel sociale Ilaria Venturini Fendi, incentrato sulla natura e la sua cultura di cui sono stati protagonisti presentazioni di libri, talks ed eventi permanenti per rendere omaggio e celebrare il mondo della natura ed i suoi piccoli ospiti. Una formidabile occasione per ritornare, apprezzare un luogo a me molto caro, scoprire e condividere nuove idee ed emozioni.

Socially made in Italy, project developed by Carmina Campus, brand created by Ilaria Venturini Fendi, photo by N

Socially made in Italy, project developed by Carmina Campus, brand created by Ilaria Venturini Fendi along with the creations of jewelry brand See Me by Caterina Occhio made for the no-profit organization The Circle,, photo by N

Jewelry made of cactus at Floracult, photo by N

The AVF wines selection by Anna Venturini Fendi at Floracult, photo by N

The AVF capsule collection at Floracult, photo by N

Ilaria Venturini Fendi and Abderrazzak Benchaâbane, photo by N

Theodora Bugel and me at Floracult, photo by Sergio Cammariere

www.floracult.com

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FLORACULT: A CELEBRATION OF NATURE AND ITS CULTURE UNDER THE SIGN OF IDENTITY, RELATIONSHIP AND HARMONY

Men, animals and plants, everyone has its own story, but from the relationship between them it arises an unique and complex harmony. “Identity, relationship, harmony”, this is the theme of Floracult, event which will be held from 25^th to 28^th April 2019 in the suggestive frame of Rome countryside in La Storta, at I Casali del Pino, successful celebration of nature, its culture as wells its ten years of life. Many are the events, the permanent installations that talk about the world of nature, its little hosts and different possibilities, shapes and colors. Talks, workshops, book launches as well as a special guest star, Abderrazzak Benchaâbane, professor, perfumer, photographer, botanist, legendary persona from Marrakech, renowned for his gardens that host the Moroccan museum of contemporary art he created and the scents and spices of the perfumes he made. He has worked, during his long career as gardener for over ten years, on the famous Jardin Majorelle in Marrakech, purchased by Yves St. Laurent in 1980, an awesome tropical garden featuring plants coming from all over the world. A not to be missed happening to live and discover again the natural dimension, the depth of its voices and rhythms, a precious source to think about and do, save, take care and protect.

FLORACULT: UNA CELEBRAZIONE DELLA NATURA E DELLA SUA CULTURA ALL’ INSEGNA DI IDENTITÀ, RELAZIONE E ARMONIA

Uomini, animali e piante, ognuno con la sua storia, ma è dalla loro relazione che nasce un’armonia unica e complessa. “Identità, relazione, armonia”, questo il tema di Floracult, evento che si terrà dal 25 al 28 aprile 2019 nella suggestiva cornice della campagna romana a La Storta, presso I Casali del Pino, felice celebrazione della natura, la sua cultura ed anche i suoi dieci anni di vita. Plurimi gli eventi, le installazioni permanenti che parlano del mondo della natura, dei suoi piccoli ospiti e delle sue svariate possibilità, forme e colori. Talk, workshop, presentazioni di libri e anche un ospite d’eccezione, Abderrazzak Benchaâbane, professore, profumiere, fotografo, botanico, personaggio leggendario di Marrakech, noto
per i suoi giardini, che ospitano il museo di arte contemporanea marocchina da lui creato e per le essenze e le spezie dei suoi profumi. Nella sua lunga carriera di giardiniere si è occupato per più di dieci anni del famoso Jardin Majorelle a Marrakech, acquistato da Yves St. Laurent nel 1980, un giardino tropicale lussureggiante ricco di piante provenienti da tutto il mondo. Un evento imperdibile per vivere e riscoprire la dimensione naturale, la profondità delle sue voci e dei suoi ritmi, una preziosa risorsa per pensare e fare, da conservare, curare e proteggere.

www.floracult.com

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“CALIFORNIA SON”, THE LATEST ALBUM OF MORRISEY

It will be released on 24^th May 2019 “California Son”(BMG), the latest album of Morrisey, featuring a smashing series of covers, twelve tracks from Sixties and Seventies under the sign of pop, glam rock and folk suggestions. Awesome is “It’s over”, celebrated track by Roy Orbison he performed along the bright singer LP where his melancholic sign enhances its own intensity. A must have for all the ones who enjoy the work of a genuine artist.

“CALIFORNIA SON”, L’ ULTIMO ALBUM DI MORRISEY

Sarà pubblicato il 24 maggio 2019 “California Son”(BMG), il nuovo album di Morrisey, di cui è protagonista una formidabile serie di cover, dodici brani degli anni Sessanta e Settanta all’ insegna di suggestioni pop, glam rock e folk. Meravigliosa “It’s over”, celebre traccia di Roy Orbison da lui eseguita unitamente alla brillante cantante LP in cui il suo segno malinconico ne esalta l’ intensità. Un must have per tutti coloro che apprezzano il lavoro di un autentico artista.

https://www.morrisseyofficial.com

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TWO OPENINGS IN ROME ARE BETTER THAN ONE: FRANCESCO VEZZOLI & EMILIANO MAGGI

Sandro Pertini e Sandra Milo, 1984,
© Angelo Palma/A3/Contrasto

Two smashing exhibitions will be opened on Monday 15^th April 2019 in Rome from 6:00 to 9:00 pm, “Party Politics” featuring the new work of Francesco Vezzoli, celebrated artist exploring the entertainment of politics and the politics of entertainment at the Giuliani Foundation, as well as another one which features one of the most talented young, multi-disciplinary contemporary artists, Emiliano Maggi, “The club”, solo exhibition curated by Raffaella Frascarelli which will open at the Nomad Foundation, at 6:00 pm and showcase the works where lightness meets the surreal, an overwhelming journey under the sign of expressionist dreamlike suggestions running through 20^th September 2019. Two not to be missed happening for all the ones who love the contemporary art.

DUE OPENING A ROMA SONO MEGLIO DI UNA: FRANCESCO VEZZOLI & EMILIANO MAGGI

Emiliano Maggi, Velvet Gloves on Ribbon Bows, 2019, glazed ceramic. Courtesy Operativa, Roma. Ph. Sebastiano Luciano

Due formidabili mostre saranno inaugurate lunedì 15 aprile 2019 a Roma dalle ore 18:00 alle 21:00, “Party Politics” che ha quale protagonista il nuovo lavoro di Francesco Vezzoli, celebre artista che esplora l’ intrattenimento della politica e la politica dell’ intrattenimento presso la Fondazione Giuliani Foundation, come anche un’ altra all’ insegna di uno dei più talentuosi giovani artisti multidisciplinari contemporanei, Emiliano Maggi, “The club”, personale curata da Raffaella Frascarelli che avrà luogo presso la Fondazione Nomad Foundation, alle ore 18:00 ed esporra le opere in cui la leggerezza incontra la surrealtà, un avvincente viaggio all’ insegna di oniriche suggestioni espressioniste che proseguirà fino al 20 settembre 2019. Due eventi imperdibili per tutti coloro che amano l’ arte contemporanea.

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FREE SPEECH, FEAR FREE: JULIAN ASSANGE, A TRUE PUNK

The King of Clubs card, photo courtesy of Vivienne Westwood

I think about the latest happening, the arrest of Julian Assange by borrowing the system created by the legendary fashion designer and social activist Vivienne Westwood, the pack of cards to save the world as it has explained on the website of Climate Revolution, one of the many laudable initiatives that involve her. To draw new landscapes, what she has done and is continuing to do at best through fashion and activism, under the sign of action propaganda( reminding me the lesson by the French philosopher Guy Debord). To make use of pack of cards, ancient means to play and divinatory system, the mantic, an ensemble of signifiers, symbols and icons to give rise to many significances. These cards often feature in the collections she made. I like reminding of the King of Clubs ( this card as birthday card depicts people who, due to many lifetimes, have amassed a resource of knowledge from which to draw with authority. They live this life on their own terms, from their unique perspective and have a commanding presence both physically and mentally. Information flows effortlessly through them. People of this card are here to experience life and themselves through their mental nature, thinking, communication, language, information, knowledge and education), where the clubs are considered by her as the symbol of the war, instead its main feature, Julian Assange has considered as “the true punk”, being a freedom fighter, that freedom of speech which is an inviolable right in a democratic society and makes free from fear, the evil of the contemporary society which increases violence worldwide. Therefore I join with the fashion designer – who featured in a public protest to ask for the liberation of Julian – and all of the ones, they are many, who think free of speech is a value to protect and defend.

LIBERTÀ DI PAROLA, VIA LA PAURA: JULIAN ASSANGE, UN VERO PUNK

Vivienne Westwood Spring/Summer 2019, photo courtesy of Vivienne Westwood

Penso a recenti accadimenti, l’ arresto di Julian Assange prendendo a prestito il sistema creato dalla leggendaria fashion designer e attivista nel sociale Vivienne Westwood, il mazzo di carte per salvare il mondo come è spiegato sul sito web di Climate Revolution, una delle svariate lodevoli iniziative che la coinvolgono. Disegnare nuovi paesaggi, ciò che ha fatto e sta continuando a fare al meglio attraverso la moda e l’ attivismo, all’ insegna della propaganda ad agire ( che mi ricorda la lezione del filosofo francese Guy Debord). Avvalersi del mazzo di carte, antico strumento di gioco e sistema divinatorio, la mantica, un insieme di significanti, simboli e icone per dar vita a molteplici significati. Sovente tali carte appaiono nelle collezioni da lei realizzate. Mi piace ripensare al Re di Fiori ( tale carta quale carta di nascita ritrae individui che, in ragione di molteplici vite, hanno accumulato una fonte di conoscenza dalla quale attingono con autorevolezza. Vivono la vita conformemente a se stessi, dalla loro unica prospettiva. L’ informazione scorre senza fatica in loro. Le persone di questa carta sono qui per sperimentare la vita e se stessi attraverso la loro natura mentale, il pensiero, la comunicazione, lingua, informazione, conoscenza ed educazione), in cui i fiori sono da lei ritenuti il simbolo della guerra, invece il suo principale protagonista, Julian Assange è considerato il “vero punk”, essendo uno che lotta per la libertà, quella libertà di parola che è un diritto inviolabile in una società democratica e scaccia via la paura, il male della società contemporanea che accresce la violenza in tutto il mondo. Perciò mi unisco alla fashion designer – protagonista di una manifestazione di protesta per chiedere la liberazione di Julian – e tutti coloro che, sono numerosi, pensano che la libertà di parola sia un valore da proteggere e difendere.

www.viviennewestwood.com

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LONDON CALLING: THE INTERNATIONAL REBELLION

The London group Extinction Rebellion, focused on issues as climate change and activism to protect the world where we live in order to draw new landscapes under the sign of consciousness and a healthy ethic – which is much more far from the binomial of price and value, where it’s the price the bringer of any value, a leitmotiv of the nowadays commodified society – will announce on Monday 15^th April 2019 in London its plans for the International Rebellion during an event of peaceful direct action and civil disobedience which will take place in different areas that will features different topics: “This is an emergency” in Marble Arch, “Tell the truth” in Oxford Circus, “Act now” in Waterloo Bridge- XR London Garden Bridge, “Beyond politics” in Parliament Square and “The heart” in Piccadilly Circus. Rebels of the world, what are you waiting for, unite!

LONDON CALLING: LA RIBELLIONE INTERNAZIONALE

Il gruppo londinese Extinction Rebellion, rivolto a problematiche quali il cambiamento climatico e l’ attivismo per proteggere il mondo in cui viviamo al fine di disegnare nuovi paesaggi all’ insegna della consapevolezza e di un’ etica salubre – che è ben lungi dal binomio di prezzo e valore in cui il prezzo è portatore di un qualsiasi valore, un leitmotiv dell’ attuale società mercificata – annuncerà lunedì 15 aprile 2019 a Londra i suoi piani per la Ribellione Internazionale in occasione di un evento di pacifica azione diretta e disobbedienza civile che avrà luogo in diverse are di cui saranno protagonisti diversi temi: “This is an emergency” (“Questa è un’ emergenza”) a Marble Arch, “Tell the truth”(“Dici la verità”) a Oxford Circus, “Act now”(“Agisci adesso”) a Waterloo Bridge- XR London Garden Bridge, “Beyond politics” (“Al di là della politica”) a Parliament Square e “The heart” (“Il cuore”) a Piccadilly Circus. Ribelli di tutto il mondo, che cosa aspettate, unitevi!

https://rebellion.earth/?fbclid=IwAR0j4Dmn-71pFtQLpTCKp4YMAekGP1E1zbE_ZbnXqXQD0jGMG6fePFepz9U

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FASHION REVOLUTION ON PAPER: THE FASHION CRAFT REVOLUTION

Fashion Revolution, photo courtesy of Fashion Revolution

Fashion Revolution, the bi-annual collectable fanzine which seeks to uncover the stories behind the clothing we wear, has recently released the fourth issue, available in limited edition, it’s just only 3000 copies, focused on the fashion craft revolution. More of a book than a fanzine, this 104 page issue explains how craft intersects with the identity and culture of communities from all over the world. The fashion industry has spent more than thirty years obsessed with speed, volume and identical flawless production, whilst slow, ancient crafts with their individual variations are increasingly undervalued. Consequently, the diversity of our global craft heritage is disappearing. A team of experts, activists, academics and designers come together to examine and explore craft in all of its manifestations, giving rise to a smashing journey where aesthetics joins ethics, encouraging to question, think about, give solutions and act. The Unesco’s list of “the intangible cultural heritage of humanity”, connected on endangered global crafts like the Indonesian batik it is one of the issues that are here showcased as well as the history, current use and potential future of craft and its many forms. It’s a genuine source of culture under the sign of a performative thought, a must have for all the ones who think the value is itself a value.

LA RIVOLUZIONE DELLA MODA SU CARTA: LA FASHION CRAFT REVOLUTION

Fashion Revolution, la fanzine semestrale da collezione che cerca di svelare le storie che stanno dietro gli abiti che indossiamo, ha recentemente pubblicato la quarta edizione, disponibile in edizione limitata, soltanto 3000 copie, incentrata sulla rivoluzione della moda artigianale. Più di un libro che una fanzine, questa edizione di 104 pagine spiega in che misura l’ artigianato si intersechi con l’ identità e la cultura di comunità di tutto il mondo. L’ industria della moda ha passato oltre trenta anni con l’ ossessione della velocità, il volume e la identica perfezione della produzione, benché antichi manufatti artigianali a produzione lenta con le loro varianti individuali sono sempre più sottovalutati. Conseguentemente a ciò la diversità del nostro patrimonio globale sta scomparendo. Un gruppo di esperti attivisti, docenti universitari e designers si unisce per esaminare ed esplorare l’ artigianato in tutte le sue manifestazioni, dando vita a un formidabile viaggio in cui l’ estetica si unisce all’ etica, incoraggiando a interrogarsi, pensare, offrire risposte e agire. La lista dell’ Unesco “del patrimonio immateriale della cultura dell’ umanità”, connessa a manufatti artigianali a rischio come il batik indonesiano è una delle problematiche che sono ivi passate in rassegna come anche la storia, l’ uso attuale, il potenziale futuro dell’ artigianato e delle sue molteplici forme. Un’ autentica fonte di cultura all’ insegna di un pensiero performativo, un must da avere per tutti coloro che pensano che il valore sia di per sé un valore.

https://www.fashionrevolution.org

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THE EXTINCTION REBELLION FASHION ACTION, FASHION CIRCUS: CIRCUS OF EXCESS

Fashion Circus: Circus of Excess, event under the sign of sustainable fashion and body-protest design (questioning of important topics like the climate change), will feature on Friday 12^th April from 6:30 to 7:30 pm in London at Oxford Circus, the epicenter of the fast-fashion shopping “experience”. A successful initiative developed by XRF(Extinction Rebellion Fashion), a group of Extinction Rebellion , a British group – under the sign of the social activism and environmentalism arisen from the social media -, made of rebels working in creative industries, raising awareness to the issues of un-sustainability in fashion. It teamed up with students from art, fashion colleges and universities all over London to showcase their sustainable fashion and body-protest designs. The theme “Fashion: Circus of Excess” addresses issues of un-sustainability in fashion and how its practices impact other species. The models will parade along with the XR choir and XR musicians. This will include opera singers and an amplified string quartet performing Beethoven’s “Ode an Die Freude” (Ode to Joy) from his Symphony number 9, the drums ensemble “EarthNicht”, the blues band Gabriel Byrd and the Ambitious Bastards. Surrounding the performers in a circle will be XR cyclists, there to provide both protection and lighting. To amplify the call for immediate action on climate change, the event will be broadcasted live via mainstrea and social media using the hashtag #xrfashioncircus. A not to be missed event for rebels, activists and free thinkers.

L’ AZIONE DI EXTINCTION REBELLION FASHION, FASHION CIRCUS: CIRCUS OF EXCESS

Fashion Circus: Circus of Excess, evento all’ insegna della moda sostenibile e di body-protest design (che si interroga su importanti questioni contemporanee quali il cambiamento climatico), si terrà il 12 aprile 2019 dalle ore 18:30 alle 19:30 a Londra presso a Oxford Circus, l’ epicentro dell’ “esperienza” di shopping fast fashion. Una felice iniziativa consolidata da XRF(Extinction Rebellion Fashion), un gruppo di Extinction Rebellion, gruppo inglese – all’ insegna dell’ attivismo nel sociale e dell’ ambientalismo nato nell’ ambiente dei social media -, fatto di ribello che operano nelle industrie creative, che incoraggiano la consapevolezza verso le questioni di insostenibilità nella moda. Esso ha collaborato con gli studenti dei college e le università di arte e moda di tutta Londra per esporre la moda sostenibile da loro realizzata e i progetti di body protest. Il tema “Fashion: Circus of Excess” si indirizza su problematiche di insostenibilità nella moda e in che misura le sue pratiche abbiano un impatto sulle altre specie. I modelli effettueranno una parata insieme al coro ed i musicisti di XR. Ciò includerà i cantanti d’ opera ed un quartetto di archi che eseguirà l’ Ode alla Gioia di Beethoven dalla sua Sinfonia n. 9, il gruppo di percussionisti “EarthNicht”, la band di blues Gabriel Byrd and the Ambitious Bastards. Ivi saranno anche i ciclisti di XR ad attorniare in cerchio e fornire sia protezione sia illuminazione. Per intensificare la chiamata all’ azione immediata sul cambiamento climatico, l’ evento sarà trasmesso dal vivo via mainstream e social media usando l’ hashtag #xrfashioncircus. Un evento imperdibile per ribelli, attivisti e liberi pensatori.

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THE EMERGING CREATIVITY FEATURING IN SHOWCASE AT ALTAROMA

The emerging creativity made in Italy featured in Altaroma, a successful initiative which has made concrete through the teaming with ICE (Institute for the Foreign Commerce). Here every day different fashion designers of clothing, jewelry and accessories showcased the creations they made, having the chance of starting a dialogue with the buyers and fashion insiders. Day after day the fashion designers changed, this was the main feature of event which give the chance of seeing many products and discovering new, interesting ideas. Some have delightfully amazed me. One is the shoewear collection of brand from Marche Les Jeux Du Marquis, name which evokes in a playful way the name of celebrated Marquis Sade. Irony, romanticism, craftsmanship and fetish elements are embodied into a series of fun shoes, including crops and bow-ties that decorate them and are removable. Catchy is the creation featuring the lettering which reminds the orders of a mi stress,, categorical imperatives that are impressed over and under the nice shoe. A main feature of this label is the chance of having the shoes with different types of heels, from the lower to the higher and at an affordable price. It refines the showcase a wonderful artisanal unisex perfume and a series of bands that can be overlapped, turning also into handcuffs. Clear are the fetish suggestions that join with craftsmanship and an innovative leather manufacturing and are in the accessories and clothing collection of brand 0770, which includes different types of belts, collars and corset, totally black, under the sign of a refined, incisive, goth for all the enthusiasts, a genuine must have for metropolitan predators and glampires.

LA CREATIVITÀ EMERGENTE PROTAGONISTA DI SHOWCASE AD ALTAROMA

La creatività emergente made in Italy è stata protagonista di Altaroma, una felice iniziativa che è stata concretizzata mediante la collaborazione con l’ ICE (Istituto per il Commercio Estero). Ivi ogni giorno svariati fashion designers di abiti, gioielli e accessori hanno esposto le loro creazioni, avendo la possibilità di avviare un dialogo con i buyer ed i fashion insiders. Giorno dopo giorno i fashion designers cambiavano, peculiarità dell’ evento che consente di vedere vari prodotti e scoprire nuove interessanti idee. Alcune tra queste mi hanno piacevolmente sorpreso. Una di esse è la collezione di calzature del marchio marchigiano Les Jeux Du Marquis, nome che rievoca in chiave ludica il nome del celebre Marchese Sade. Ironia, romanticismo, artigianalità ed elementi fetish, è racchiusa in una serie di scarpe divertenti, i cui accessori quali frustini e papillon che le decorano sono rimovibili. Accattivante la creazione con lettering che richiama i comandi di una mistress, imperativi categorici impressi sopra e sotto la simpatica scarpa. Una peculiarità di questa linea è la possibilità di disporre di modelli con diversi tipi di tacchi, dal più basso al più alto e a un prezzo alla portata di tutti. Completa l’ esposizione una meravigliosa fragranza artigianale unisex e una serie di bracciali sovrapponibili, i quali si trasformano anche in manette. Chiari invece i richiami fetish che si uniscono all’ artigianalità e una lavorazione innovativa della pelle che si trovano nella collezione di accessori e abiti del brand 0770, la quale include vari tipi di cinture, gorgiere e corsetti, rigorosamente neri all’ insegna di un eleganza raffinata, incisiva, goth per tutti gli appassionati, un autentico must have per predatori metropolitani e glampires.

www.altaroma.it

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ALTAROMA: THE STRATIFICATION OF CULTURE, THE NEW AND IDENTITY OF AN ISTITUTION

The Colosseum Archeological Park, photo by N

Altaroma develops its identity of platform for the emerging creativity and fashion culture. The latest edition has focused on that. Concrete tracks are in many of events, featuring in it. Words and works, clear signs, as the one which has been during the press conference for the Altaroma opening, which has held at the Rome Colosseum Archeological Park, happening evidencing the commitment of institutions for promoting the culture of country as the contest “Vesti il parco archeologico”( standing as “Dress the archeological park”), an award featuring fashion schools to showcase the young creativity and join an eternal culture, the Rome history, to contemporary times and the new. The winners were the students of Modartech from Pontedera, the Milan NABA and a special award has given to the students of Rome Fashion and Costume Academy. Many were the panelists of talk as the President of Altaroma Silvia Venturini Fendi, who restated the purpose and work of Altaroma, as well as the importance of collaboration between the institutions to give an incisive un contribution. In fact she talks about “a virtuous partnership with the political institutions to pull together the greatest history existing( the one of Rome), to young people working on innovative ideas, respecting the tradition and craftsmanship of made in Italy. To discover, train and promoting new talents who give value to the tradition of made in Italy is our mission. Altaroma is a kind of incubator for young people, both young fashion designers or students. We must keep in mind our public shareholding company, Rome wants being the cradle of new, a goal which can get through the unity. Gian Paolo Manzella, representative for the Lazio innovation department, focused on “the issue of relationship between innovation and cultural heritage, as well as the need, in the field of economy, to speak of contamination, as the most innovative societies as the ones that promote the contamination. It’s a word which implies the opening and stratifications, what has been the core of successful talk by the President of Chamber of Commerce Lorenzo Tagliavanti, who marked the importance of culture’s stratification which has made concrete by an opened society and city like Rome, a value which becomes universal and political, connected also to the migration, as he marked, a thorny subject matter of the current Italian political issues ( I remember the issue of immigrants landing and their many deaths, as they haven’t helped on time), laudable words that evidence the political relevance of culture and a lifestyle focused on the dialogue and opening to the others, what is different and new, which can increase moral and material growth and enrichment in a certain country as the city of Rome, Italy and Europe.

ALTAROMA: LE STRATIFICAZIONI DELLA CULTURA, IL NUOVO E L’ IDENTITÀ DI UNA ISTITUZIONE

Altaroma consolida la sua identità di piattaforma per la creatività emergente e della cultura della moda. La sua ultima edizione è stata incentrata su questo. Tracce concrete evidenti nei vari eventi che ne sono stati protagonisti. Parole e opere, segni chiari, come quello che ha avuto luogo in occasione della conferenza stampa di apertura, che si è tenuto presso il Parco archeologico del Colosseo di Roma, circostanza che testimonia l’ impegno istituzioni per promuovere la cultura del territorio come il contest “Vesti il parco archeologico”, un concorso aperto alle scuole di moda d’ Italia per esporre la creatività dei giovani e unire una cultura eterna, la storia quella di Roma, alla contemporaneità e al nuovo. Vincitori gli studenti della Modartech di Pontedera, della NABA di Milano e un riconoscimento speciale lo hanno avuto i ragazzi dell’ Accademia di Costume e Moda di Roma. Plurimi i protagonisti del talk tra i quali la Presidente di Altaroma Silvia Venturini Fendi, la quale ha ribadito la finalità e l’ opera di Altaroma, nonché l’ importanza della collaborazione tra le istituzioni per fornire un apporto incisivo. Parla infatti di “una partnership virtuosa con le istituzioni politiche per accostare la storia più grande che c’è(quella di Roma ndr.) ai giovani che lavorano su concetti innovativi, rispettando però la tradizione e l’ artigianalità del made in Italy. Scoprire, formare e promuovere nuovi talenti che valorizzano la tradizione del made in Italy è la nostra mission. Altaroma è una sorta di incubatore per i giovani, siano essi giovani fashion designer o studenti. Dobbiamo tener conto della nostra società pubblica partecipata, Roma vuole essere la culla del nuovo, un obiettivo che si può raggiungere con l’ unità. Gian Paolo Manzella, rappresentante per l’ innovazione per la Regione Lazio si è rivolto sulla “questione del rapporto tra tecnologia e beni culturali, nonché sull’ esigenza, in tema di economia, di parlare di contaminazione, poiché le società più innovative sono quelle che promuovono la contaminazione”. Una parola che presuppone l’ apertura e la stratificazioni, questo, il cuore del felice l’ intervento del Presidente della Camera di Commercio Lorenzo Tagliavanti, il quale ha rimarcato l’ importanza delle stratificazioni della cultura che una società aperta e una città come Roma ha concretizzato, un valore che diventa universale e politico, connesso anche alla migrazione, come egli ha sottolineato, tematica spinosa delle recenti vicende politiche italiane (ricordo la questione degli sbarchi dei migranti e delle loro svariate morti, non essendo stati soccorsi in tempo), parole lodevoli che testimoniano la rilevanza politica della cultura e uno stile di vita proteso al dialogo e all’ apertura verso gli altri, il diverso e nuovo, con cui ci può essere crescita e arricchimento morale e materiale nell’ ambito di un determinato territorio, come la città di Roma, l’ Italia e l’ Europa.

www.altaroma.it

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THE MODERN MAN: JOE CORRÉ

Joe Corrè, photo by Curtis Gibson, courtesy of A Child of the Jago

“One’s self I sing, a simple separate person,
Yet utter the word Democratic, the word En-Masse.

Of physiology from top to toe I sing,
Not physiognomy alone nor brain alone is worthy for the Muse, I
say the Form complete is worthier far,
The Female equally with the Male I sing.

Of Life immense in passion, pulse, and power,
Cheerful, for freest action formed under the laws divine,
The Modern Man I sing”.

Walt Whitman, “One’s self I sing”, in “Leaves of grass”

The lyrics by Walt Whitman are the best way to introduce my interview with Joe Corrè, his bright and romantic point of you, that romanticism I celebrate where the freedom is the higher value. He is the modern man sang by Whitman where passion, pulse and power are addressed to make the world a better place, invite people to question about everything in order to develop an autonomous way of thinking which is respectful of the world surrounding us. I could spend a lot of words to talk about Joe, his social activism (focused on supporting the Climate Revolution started by the mother Vivienne Westwood, the fight against the fracking and INEOS, which came during the last Fall came behind the British tribunals), the many talents and successes as businessman and fashion designer( Agent Provocateur, Illamasqua and A Child of the Jago are successful brands he created) , but I prefer to use the synthesis, a gift he owns, which makes his words precious. Irony, lightness, which is not frivolity, but consciousness, balance between activism and ability to enjoy life, its beauty embodied in its most simple forms shines in him and reminds me the Ancient Greek value of kalokagathia where what is beautiful has an ethic value or rather is good.

One of artworks by Joe Corrè featuring in the series “Ashes from Chaos”, photo by N

It can sounds like a hiatus to hear that, as it is connected to the one who set up the funeral pyre of punk, but this gesture, a provocation, it was a mere invitation to question about price and value, archetypes of the current commodified society, where the price – or rather money – replaces, gives or justifies the value, every value, as, it was asserted by the filmmaker Pier Paolo Pasolini, the consumption of goods has substituted by the consumption of people who are consumed by consumption. That is what happens in the mainstream which finds new tricks to increase the consumption. Yesterday, it happened in a certain place and time, in UK, in 2006 when Queen Elisabeth declared this year the year of punk, happening which increased the marketing connected to a movement which has arisen to question and subvert the ethic of mainstream. This was the fundamental issue connected to the Joe’s project Burn Punk London, the funeral pyre of punk which later turned into the artwork series “Ash from Chaos” recently showcased in London at the Lazinc Gallery and a film which is currently work in progress, reminding and subverting in a constructive way the celebrated slogan “Cash from Chaos”, symbol of punk era, impressed in a t-shirt worn by his father Malcom McLaren. Punk is dead – it just only stays alive its categorical imperative, the DIY, “Do it yourself” encouraging an independent and free way of living – but it will arise again from its ashes like the Arabian phoenix, through new forms and ideas, talking about evolution instead of revolution, hold the universe and the ones who people it, plants, flowers, animals and human beings. This is the new which advances and has Joe Corrè as its most relevant leading personas.

Stilll image from the Burn Punk London film by Joe Corrè, photo by N

Fashion embodying a concept and vibrant ideas is like an artwork, makes you think about, do you agree with that?

“I don’t think about fashion, I am not interested in it or rather I am interested in fashion as statement of who you are and what you think. That is the most relevant feature of fashion which became an important means to connect people, increased by the social media and celebrities. And when it is connected the gossip and political element the connection reached is effective, because the other channels where people can express themselves politically as elections became difficult to relate, the individual cannot express his ideas, there are no places. I use considering that as a karaoke politics, it’s a global phenomenon. And it is just fashion which catches them – also through the political message which sometimes the celebrities support – touching and giving them the chance to express what they want to express, because fashion is global, popular”.

Ethics and aesthetics, more specifically what is good and beautiful ( the kalokagathia of Ancient Greeks) is a value for you?

“It is to do a simple solution if people concern to a simple beauty. All of us should learn to understand the beauty which exists, what it is and define it at best, as if you succeed to define beauty at best you are able to concern, understand, do the best choices and avoid of repeating the past mistakes. The big enemy of culture is the non-stop distraction which is inculcate and emphasized by social networks, computers. It is all about the value of beauty. That is why I come back to the issue of price and value (En. : the core of Burn Punk London project he made)”.

A detail from the installation “Ashes from Chaos”, by Joe Corrè, photo by N

To make fashion under the sign of the sartorialism (considering A Child of the Jago, the brand you created)is an alternative, antidote to the contemporary way of making fashion ?

“ A Child of the Jago is an anti-fashion brand. When I started that I was working with Agent Provocateur (the luxury underwear brand) and I wanted to do something more experimental as the volume of its business has became big and thus what has arisen for being very experimental turned into being less experimental due to that. To concentrate, get the luxury, to use the best fabrics coming from the fashion industry(also focusing on the local manufacture) and I used it in the best way I can. The small position granted me the chance of doing that. When you are a brand with many stores ( En.: Agent Provocateur have many stores worldwide, I like reminding a movie, “Romance & cigarettes” by John Turturro featuring Kate Winslet playing a young woman working as sales assistant for an Agent Provocateur flagship store) the creativity diminishes as you have to deal with other issues. Instead a small sartorial brand gave me the chance to do that”.

To create situations and draw new landscapes in a categorical imperative for you?

“I see urgency to act as in fracking. I firstly am as actionist, in this urgency of acting you become less effective. Then the purpose of activism loses its strength. To be effective you need balancing to be effective and appreciate the life in its simple forms. I think the goal is to hold this balance and often it is not easy”.

Still image from the Burn Punk London film by Joe Corrè, photo by N

Are the anarcho- Situationist ideas by the French philosopher Guy Debord (En.: author of the cult book “The society of spectacle”) still current for you?

“Guy Debord committed suicide and was an alcoholic, his ideas (concerning the society of spectacle, the passage from being to having into from having to appearing) were interesting for his times. Today the culture of celebrity is very personal and we have a different urgency, we want an evolution, not the revolution, we want to maintain and protect what surrounds us”.

Could you talk me about the art-works series “Ash from Chaos” which is part of your project Burn Punk London as well as it further developments?

“Ash is the claim of the need of promotion of chaos. Ash from Chaos arises from Burn Punk London, which marks, as well as the film on which I am working, which is more an artistic product than a documentary on what I did, punk has become a marketing exercise to sell you something you don’t need. The illusion of an alternative choice, a cog in the nonstop distraction machine. The establishment endorsed impotent rebel. Whilst we are occupied with punk’s carcass of nostalgia in the pursuit of cool. Our house is being burgled and set on fire. What will be the value of its Ashes? DIY is punk’s only lasting ethic of value. Discover the truth for yourself and act on it. This is activism. You can choose, how you inform yourself, vote, what you eat, buy, consume and discard, where you put your money, how you participate in our future. It was ridiculous to burn everything, but I did it as provocation to focus on price and value. We destroy everything, it is a way to ask for an anti-reactionary way, as next time you see a reaction you think twice about what really was going on. We are all manipulated everyday and people are an isolated, lonely crowd, more connected and more isolated, passive. The question is to ask for and try to have a conversation focused on price and value, as this is exactly a description of chaos we have in the financial environment peopled by irresponsible politicians, banks and the corporations they serve”.

L’ UOMO MODERNO: JOE CORRÉ

Joe Corrè, photo courtesy of Burn Punk London

“Io canto l’ individuo, la singola persona,

Al tempo stesso canto la Democrazia, la massa.

L’ organismo, da capo a piedi, canto,

La semplice fisionomia, il cervello da soli non sono degni

Della Musa: la Forma integrale ne è ben più degna,

E la Femmina parimenti canto che il Maschio.

Canto la vita immensa in passione, pulsazioni e forza,

Lieto, per le più libere azioni che sotto leggi divine si attuano,

Canto l’ Uomo Moderno.

Walt Whitman, “Canto di me stesso, in “Foglie d’ erba”

I versi di Walt Whitman sono il modo più eloquente per introdurre la mia intervista a Joe Corrè, il suo brillante e romantico punto di vista, quel romanticismo che celebro in cui la libertà è il valore più elevato. È lui l’ uomo moderno cantato da Whitman la cui passione, pulsazioni e forza sono orientate a rendere il mondo un luogo migliore, invitare la gente a interrogarsi su qualsiasi cosa al fine di consolidare un modo autonomo di pensare che sia rispettoso dell’ ambiente che ci circonda. Potrei spendere tante parole per parlare di Joe, del suo attivismo nel sociale (proteso a sostenere la Climate Revolution avviata dalla madre Vivienne Westwood, la lotta contro il fracking e gli INEOS, giunta grazie a lui nell’ autunno dello scorso anno dinanzi alle corti inglesi), dei suoi vari talenti e successi come uomo d’ affari e fashion designer (Agent Provocateur, Illamasqua e A Child of the Jago sono marchi di successo da lui creati), ma preferisco avvalermi della sintesi, un dono da lui posseduto che rende preziose le sue parole. Ironia, leggerezza, che non è frivolezza, bensì consapevolezza, equilibrio tra attivismo e capacità di apprezzare la vita, la sua bellezza, nei suoi aspetti più semplici. Questo, ciò che brilla in lui e mi fa venire in mente un valore degli antichi Greci, la kalokagathia, in cui ciò che è bello ha una connotazione etica ovvero è buono.

Può sembrare uno iato sentire ciò, in quanto connesso a colui che ha allestito la pira funebre del punk, ma questo gesto, una provocazione, era un mero invito a interrogarsi su prezzo e valore, archetipi della attuale società mercificata, laddove il prezzo – o meglio il denaro – sostituisce, fornisce o giustifica il valore, qualsiasi valore, poiché, come sosteneva il regista Pier Paolo Pasolini, al consumo di merci si è sostituito il consumo di persone che sono consumate dai consumi. Questo è ciò che accade nel mainstream, il quale trova nuovi escamotages per incentivare il consumo. Ieri, succedeva in un determinato tempo e luogo, nel 2006, nel Regno Unito, quando la regina Elisabetta ha dichiarato tale anno l’ anno del punk, ciò ha accresciuto il marketing collegato a un movimento nato per criticare e sovvertire l’ etica di mainstream. Ciò era il fondamento del progetto Burn Punk London, la pira funeraria del punk che si è poi trasformata nella serie di opere d’ arte “Ash from Chaos” recentemente esposta a Londra presso la Lazinc Gallery e in un film che è attualmente in corso d’opera, la quale ricorda e stravolge in modo costruttivo il celebre slogan “Cash from Chaos”, emblema dell’ era del punk, impresso in una t-shirt indossata dal padre Malcom McLaren. Il punk è morto – resta vivo soltanto un suo imperativo categorico, il DIY, “Do it yourself” che incoraggia uno stile di vita libero e indipendente -, ma come l’ araba fenice, esso rinascerà nuovamente dalle sue ceneri, attraverso nuove forme ed idee che parlano di evoluzione e non rivoluzione, per mantenere intatto l’ universo unitamente a coloro che lo popolano, le piante, i fiori, gli animali e gli esseri umani. Ciò è il nuovo che avanza ed ha Joe Corrè tra i suoi protagonisti più rappresentativi.

A detail from the installation “Ashes from Chaos”, by Joe Corrè, photo courtesy of Burn Punk London

La moda che incarna un concetto e vibranti idee ti fa pensare, sei d’ accordo?

“Non penso alla moda, non ne sono interessato o meglio mi interessa la moda quale affermazione di chi sei e cosa pensi. Questo è il tratto più rilevante della moda, divenuta un importante mezzo di connessione della gente, incentivato dai social media e dalle celebrità. E quando si collega l’ elemento gossip e politico la connessione è efficace, dal momento che gli altri canali in cui le persone possono esprimersi politicamente come le elezioni sono diventati difficili ambiti a cui collegarsi. Sono solito considerare ciò come politica karaoke, un fenomeno globale. Ed è soltanto la moda a catturarli – anche attraverso il messaggio politico di cui talvolta le celebrità sostengono -, colpirli e dare a loro la possibilità di esternare ciò che vogliono esprimere, perché la moda è globale, popolare”.

Etica ed estetica, più specificamente ciò che è buono e bello (la kalokagathia degli antichi Greci) è un valore per te?

“Sarebbe una soluzione semplice se le persone avessero riguardo di una pura bellezza. Tutti noi dovremmo imparare a capire la bellezza che esiste, cosa essa sia e definirla al meglio, perchè se si riesce a definire al meglio la bellezza si è capace di averne riguardo, capire, fare le scelte migliori ed evitare di ripetere gli errori del passato. Il grande nemico della cultura è la ininterrotta distrazione che è inculcata ed enfatizzata da social media, computer. È una questione di valore della bellezza. Ecco perché ritorno sulla questione di prezzo e valore (ndr: il cuore del progetto Burn Punk London da lui realizzato)”.

Fare moda all’ insegna della sartorialità ( considerando A Child of the Jago, il brand da te creato) è una alternativa, un antidoto al modo contemporaneo di fare moda?

“A Child of the Jago è un marchio anti-fashion. Quando ho dato inizio a ciò stavo lavorando con Agent Provocateur (marchio di biancheria intima di lusso) e volevo fare qualcosa che fosse più sperimentale poichè il volume di questa azienda era divenuto enorme e pertanto ciò che era nato per essere estremamente sperimentale si era trasformato, in ragione di ciò, in qualcosa che lo era meno. Concentrarsi, riuscire ad avere lusso, usare i migliori materiali provenienti dall’ industria della moda ( anche rivolgendosi alla manifattura locale) e l’ ho usata nel miglior modo possible. La piccola posizione mi ha garantito la possibilità di fare ciò. Quando si è un marchio con varie boutiques ( ndr.: Agent Provocateur ha molteplici punti vendita in tutto il mondo. Mi piace ricordare un film, “Romance & cigarettes” di John Turturro con Kate Winslet che interpretava una giovane donna la quale lavorava come assistente alle vendite per un flagship store di Agent Provocateur) la creatività diminuisce, poiché devi occuparti di altre questioni. Invece un piccolo brand sartoriale mi offre la possibilità di fare ciò”.

Creare situazioni e disegnare nuovi paesaggi è un imperativo categorico per te?

“Vedo l’ urgenza immediate di agire come nel fracking. Sono per prima cosa un’ azionista, in questa necessità di agire si diventa meno efficaci. Il fine dell’ attivismo quindi perde la sua forza. Per essere efficaci si deve bilanciare l’ essere fattivo con l’ apprezzare la vita nelle sue forme più semplici. Penso che l’ obiettivo sia mantenere questo equilibrio e spesso ciò non è facile”.

Dress by A Child of the Jago, photo courtesy of A Child of the Jago

Le idee anarco-situationiste del filosofo francese philosopher Guy Debord (ndr: autore del libro di culto “La società dello spettacolo”) sono ancora attuali per te?

“Guy Debord si è suicidato ed era un alcolizzato, le sue idee ( inerenti la società dello spettacolo, il passaggio dall’ essere all’ avere nell’ avere all’ apparire) erano interessanti per i suoi tempi. Oggi la cultura della celebrità è molto personale e abbiamo una diversa urgenza, vogliamo una evoluzione, non la rivoluzione, vogliamo mantenere e proteggere ciò che ci circonda”.

“Ash from Chaos” a successful graphic transformation of the celebrated t-shirt “Cash from Chaos,” of Joe Corrè’s father Malcom McLaren, photo courtesy of Burn Punk London

Potresti parlarmi della serie di opere d’ arte “Ash from Chaos” che è parte del tuo progetto Burn Punk London come anche dei suoi ulteriori sviluppi?

“La cenere è la rivendicazione dell’ esigenza di promozione del caos. “Ash from Chaos”( “Cenere dal caos”) deriva da Burn Punk London, il quale sottolinea, come anche il film a cui sto lavorando, che è un prodotto artistico più che un documentario su ciò che ho fatto, che il punk sia divenuto un esercizio di marketing per vendere qualcosa di cui non si ha bisogno. L’ illusione di una scelta alternativa, una ruota dell’ ingranaggio nella macchina di distrazione continua. L’ establishment ha promosso il ribelle impotente. Mentre siamo occupati con la carcassa di nostalgia del punk alla ricerca del cool. La nostra casa sta per essere svaligiata e incendiata. Quale sarà il valore delle sue ceneri? Il DIY è l’ unica etica di valore che resta del punk. Scopri la verità per te stesso ed agisci in base ad essa. Questo è attivismo. Si può scegliere, come informarsi, votare, ciò che si mangia, compra, consuma e si getta via, dove mettere il proprio denaro, il modo in cui si partecipa al nostro futuro. È stato ridicolo bruciare tutto, ma l’ ho fatto come provocazione per soffermarsi su prezzo e valore. Noi distruggiamo ogni cosa, è un espediente per richiedere un modo anti-reazionario, poiché la prossima volta che si vede una reazione si pensa due volte a cosa sta succedendo in realtà. Siamo tutti manipolati ogni giorno e la gente è una massa isolata, sola, più collegata e altrettanto isolata, passiva. La problematica sta nel richiedere e provare ad avere una conversazione incentrata su prezzo e valore, poiché ciò è esattamente una descrizione del caos che abbiamo negli ambienti della finanza, popolati da politici irresponsabili, banche e le corporazioni che costoro servono”.

www.burnpunklondon.com

www.achildofthejago.com

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THE SOLO EXHIBITION OF DANIEL LISMORE AT THE HARPA HALL & CONFERENCE CENTRE

“Be yourself, Everyone else is already taken” is the solo exhibition, featuring the works by Daniel Lismore brilliant British visual artist (and fashion designer who worked as creative director for the British brand Sorapol, Tate Modern Museum and Graduate Fashion Week Ambassador), being part of the Reykjavik Arts Festival and will be held from 1^st to 30^th June 2018 in Iceland, in Harpa at the Harpa Hall and Conference Centre. The exhibition path successfully makes concrete the Wagnerian “Gesamkunstwerk” (Total work of art), includes about 30 sculptures, self-portraits, combined to theatrical dressing ensembles that decorate them(, joins haute couture, vintage items and precious cloths, giving rise to a marvelous dialogue between different channels of communication) and tracks a visionary anthropology which talks about the self, unconscious, identity, inviting and encouraging to think about the individual, the sole person, and at the same time humanity, caught in its dynamism and colored multiformity. It’s an universal lyricism, arising from who made his life an artwork, being really contemporary and eternal, as it explores with coherence, lightness and poetry the ontology of being. Here it shines a categorical imperative: “be yourself, as everyone else is already taken”, which is also the title of the book he recently released and edited by Skira/Rizzoli, smashing chance to enjoy art as elevation of thinking and question, rethink about yourself under the sign of freedom and hopefully a new and deep consciousness.

LA PERSONALE DI DANIEL LISMORE ALLA HALL & CONFERENCE CENTRE DI HARPA

“Be yourself, Everyone else is already taken” è la personale di cui è protagonista l’ opera di Daniel Lismore, brillante artista inglese ( e fashion designer che ha collaborato nelle vesti di direttore creativo per il brand inglese Sorapol, ambasciatore del Museo Tate Modern e della Graduate Fashion Week), che è parte del Reykjavik Arts Festival e si terrà dall’ 1 al 30 giugno 2018 in Islanda, ad Harpa, presso la Hall and Conference Centre di Harpa. Il percorso espositivo concretizza felicemente la “Gesamkunstwerk” (opera d’ arte totale) wagneriana, include circa 30 sculture, autoritratti, abbinati a teatrali assemblaggi vestimentari che li adornano (unisce pezzi di alta moda, vintage e preziosi tessuti, dando vita a un meraviglioso dialogo tra diversi canali di comunicazione ) e traccia una visionaria antropologia che parla del sé, dell’ inconscio, di identità, invitando e incoraggiando a pensare all’ individuo, la singola persona e al tempo stesso dell’ umanità, colta nel suo dinamismo e nella sua colorata multiformità. Un lirismo universale che nasce da chi ha reso la sua vita un opera d’ arte ed è estremamente contemporaneo ed eterno, poiché esplora con coerenza, leggerezza e poesia l’ ontologia dell’ essere. Ivi risplende un imperativo categorico: “be yourself, as everyone else is already taken”, che è anche il titolo del suo libro, recentemente pubblicato ed edito da Skira/Rizzoli, formidabile occasione per apprezzare l’ arte come elevazione di pensiero, interrogarsi e ripensare a sè all’ insegna di libertà e sperabilmente una rinnovata e profonda consapevolezza.

http://daniellismore.blogspot.com

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IT HAPPENS AT FLORACULT: NATURE, CULTURE & SUSTAINABILITY

Nature as a lifestyle under the sign of sustainability, that is what it featured in the ninth edition of Floracult, event ideated by the strong social activist, pioneering fashion designer and farming businesswoman Ilaria Venturini Fendi and curated by Antonella Fornai, which was recently held in the Rome countryside, in La Storta at I Casali del Pino. It’s culture, this, made concrete through different events as workshops, book-launches, exhibitions and talks. The sounds, scents and flavors belonging to the natural world along with its little hosts were the main features, a tale enriched by an awesome frame, the enchanting, relaxing and warmth atmosphere which makes this place a special place where to go and come back. That is what I do since seven years and year after year I continue discovering something new concerning the nature, sustainability. I often use to saying I am grateful to have the chance of increasing my modest knowledge concerning this field to which I am very sensitive and deeply connected.

The entering of the exhibiting spaces featuring plants, flowers, along with the wines and interior design made by Anna Venturini Fendi and a series of vintage selection she made, photo by N

A perfect frame to read a book what an exhibitor did into his space, photo by N

Scarves made by using organic dying, photo by N

Carmina Campus co-branding series of accessories made by teaming with Vibram, made of rubber, photo by N

Headonism by Alessandro Magagnini( aka it’s an immense joy), photo by N

Hedonism by Alessandro Magagnini ft. me, myself and I, photo by N

This event becomes more special as it often gives to me the chance to see many things and also sharing all that with some beloved friends. I like reminding two special moments, a talk featuring the architects Antonio Girardi and Cristiana Favretto, focused on sustainable solutions as the Jellyfish hydroponic installation in its further developments which has been presented during the Milan Expo. They also talked about the PNAC, the projecting team joining architecture, botany and interior design coordinated Stefano Mancuso as well as about the way plants can be used as sensors, model for innovation and means to purity the air. That it has witnessed by “Breath”, an installation evidencing to which extent the plants can be filters to remove the pollution there is in the atmosphere. This and other kinds of solutions that are respectful of the world where we live were adopted by some Tuscany areas as Prato, city with which the PNAC is collaborating. Another special interlude has been the conference held by the iconic fashion guru Li Edelkoort and hosted by the bright fashion journalist Antonio Mancinelli. She created Bloom, a magazine launched in 1998 I was pleased to see and read, to increase the contemporary lifestyles inspired by the love for the plants, flowers and garden. It is a precious contribute she gave in order to increase a sustainable way of thinking inside out the realm of fashion, or rather to define fashion in an anti-fashion way, considering the current vision of mainstream connected to this realm. It’s a different way to think, create and make, that until now it has considered just merely pioneering, but it is born to be the only way possible in the forthcoming future. The consciousnesses arising from that, doubts and ideas were many, a precious gift resulting from this moment of culture sharing: to question and have doubts, ideas on the move, the driving forces of a change, something which is really necessary.

SUCCEDE A FLORACULT: NATURA, CULTURA & SOSTENIBILITÀ

Yes she can!…Ilaria Venturini Fendi ( along with Adelaide Corbetta taking a picture), photo by N

Natura come stile di vita all’ insegna della sostenibilità è stata protagonista della nona edizione di Floracult, evento ideato dalla fervente attivista nel sociale, pionieristica fashion designer ed imprenditrice agricola Ilaria Venturini Fendi e curato da Antonella Fornai, che si è recentemente tenuto nella campagna romana, a La Storta, presso I Casali del Pino. Cultura, questa, concretizzata attraverso svariati eventi quali workshops, presentazioni di libri, esposizioni e talks. I suoni, profumi e sapori del mondo della natura unitamente ai suoi piccoli ospiti erano i prersonaggi principali, un racconto arricchito da una splendida cornice, l’ incantevole, rilassante e calda atmosfera la quale rende questo luogo un posto in cui andare e ritornare. Questo, ciò che faccio da sette anni e anno dopo anno continuo a scoprire qualcosa di nuovo in tema di natura, sostenibilità. Dico spesso che sono grata di avere la possibilità di accrescere la mia modesta conoscenza in questo ambito verso cui sono molto sensibile e profondamente connessa.

Antonio Girardi and Cristiana Favretto along with the Jellyfish installation presented during the Expo, photo by N

Anna Fendi exhibiting space joining wines, homewear and a selection of vintage jewelry, photo by N

Anna Fendi exhibiting space joining wines, furniture and a selection of vintage jewelry, photo by N

plants and water by Alessandro Magagnini, photo by N

Headonism moment ft. Antonio Passa, Michele Lettieri and Alessandro Magagnini who ideated the hats with the plants growing on it, photo by N

Tale happening diventa ancor più speciale, poiché mi offre anche la possibilità di vedere tante cose nuove e anche condivider tutto ciò con alcuni cari amici. Mi piace ripensare a due momenti speciali, un talk con gli architetti Antonio Girardi e Cristiana Favretto, incentrato su soluzioni sostenibili come l’ installazione idroponica Jellyfish nei suoi ulteriori sviluppi che è stata presentata nell’ occasione dell’ Expo milanese. Costoro hanno anche parlato di PNAC, il team di progettazione che unisce architettura, botanica e interior design coordinato da Stefano Mancuso come anche del modo in cui le piante possano fungere da sensori, modello di innovazione e strumenti per purificare l’ aria. Ciò che dimostra “Breath”, installazione che prova in che misura le piante possano essere filtri per rimuovere l’ inquinamento atmosferico. Questo ed altri tipi di soluzioni rispettose dell’ ambiente in cui viviamo sono state adottate in alcune aree della Toscana come Prato, cittadina con cui il PNAC sta collaborando. Altro speciale interludio, la conferenza tenuta dall’ iconica fashion guru Li Edelkoort e moderata dal brillante giornalista di moda Antonio Mancinelli. Costei ha creato Bloom, un magazine lanciato nel 1998 che son stata lieta di vedere e leggere, per incentivare gli stili di vita che si ispirano all’ amore per le piante, i fiori ed il giardino. Un prezioso contributo, il suo, al fine di incrementare un modo sostenibile di pensare dentro e fuori dall’ ambito della moda o meglio definire la moda un una modalità anti-moda, considerando l’ attuale visione di mainstream collegata a questo settore. Un diverso modo di pensare, creare e fare che finora è stato ritenuto meramente pionieristico, ma è destinato ad essere l’ unico modo possibile nel prossimo futuro. Molteplici le consapevolezze, i dubbi e le idee che discendono da ciò, un prezioso regalo, tratto da questo momento di condivisione di cultura: interrogarsi e aver dubbi, idee in movimento, le forze motrici di un cambiamento, qualcosa che è davvero necessario.

The shopping bag by the Carmina Campus label Socially made in Italy, made by the women being in the Italian prisons, photo by N

Monili Ro.vi jewelry by Roberta Visentin, photo by N

Bloom magazine by Li Edelkoort, photo by N

A “Suicide” moment aka “Dream baby dream”, featuring me, myself and I wearing the t-shirt-artistic project by Nico Vascellari at Floracult, photo by N

www.floracult.com

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“ASH FROM CHAOS”: ART AND ACTIVISM, THE TALK FEATURING DANIEL LISMORE AND JOE CORRÉ AT THE LONDON LAZINC GALLERY

It successfully runs through 7^th May 2018 at the London Gallery Lazinc the exhibition “Ash from Chaos”, which showcases the works by Joe Corrè(, bright fashion designer, businessman, who created yesterday the celebrated luxury lingerie brand Agent Provocateur, and later the sartorial clothing brand A Child of the Jago and the make-up brand Illamasqua and strong social activism, focused on the protection of environment and the climate revolution), that arise from “Burn Punk London”, initiative he made on 26^th November 2016 which took place in London in a boat on the Thames where precious memorabilia of punk were burned by him.

A destructive act of protest against the commodification by the mainstream of a counterculture movement, which has turned into art, more specifically into a series of artworks – made of the ashes arisen from funeral pyre of punk. The proceeds arising from their sale will be entirely donated to a charity – and a part of documentary film he made( which is currently work in progress), accompanying this awesome showcase and giving rise to a marvelous alchemy, emphasizing the message underlying to this gesture: “to question on price and value” , as Joe( embodying at best the assertiveness, modesty, romanticism, which is not that consisting to give as a gift roses to the one you love, but to follow and make concrete the idea of freedom and humanity, pleased to tell you more about him his bright visions and ideas soon) says and stop to be passive, developing a conscious way of thinking which is respectful of the world surrounding us.

Details from Ash from Chaos by Joe Corrè, photo by N

That and much more will be the core of talk featuring the iconic, genius British fashion designer and bright visual artist Daniel Lismore( who is Ambassador of Tate Modern as well as Graduated Fashion Week and has made his life a work of art), hosting in the Lazinc Gallery at 7pm a talk with Joe Corrè about this marvelous initiative, successfully joining art and activism. A not to be missed happening to appreciate a smashing conversation between two precious individuals under the sign of culture, emancipated from the obvious and reasonable, contemporary times, sense, values and art.

“ASH FROM CHAOS”: ARTE E ATTIVISMO IL TALK CON DANIEL LISMORE E JOE CORRÉ ALLA GALLERIA LAZINC DI LONDRA

Joe Corrè along with his mother Dame Vivienne Westwood and his daughter Cora Corrè, photo by N

Prosegue felicemente fino al 7 maggio 2018 presso la Galleria d’ arte di Londra Lazinc la mostra “Ash from Chaos” che espone le opere di Joe Corrè(, brillante fashion designer, uomo d’ affari che ha creato ieri il celebre marchio di lingerie di lusso Agent Provocateur, successivamente il marchio di abbigliamento sartoriale A Child of the Jago, e fervente attivista nel sociale, impegnato nella protezione dell’ ambiente e nella climate revolution), le quali nascono da “Burn Punk London”, iniziativa da lui posta in essere il 26 novembre 2016 che ha avuto luogo a Londra in una barca sul Tamigi, in cui sono state da lui bruciate memorabilia del punk.

The iconic and eclectic Phillip Sallon at the Lazinc Gallery during the private opening of “Ash from Chaos”, photo by N

An icon of punk Jordan Rooke wearing a marvelous t-shirt, photo by N

Jordan Rooke along with me, myself and I, photo by N

The fashion designer Pandemonia Panacea along with visitors of the Ash from Chaos private opening, photo by N

Un atto distruttivo di protesta contro la mercificazione da parte del mainstream di un movimento di controcultura che si è trasformato in arte, più specificatamente in una serie di opere d’ arte – fatto delle ceneri della pira funeraria del punk. I proventi derivanti dalla loro vendita saranno devoluti per intero a un’ associazione di beneficienza – unitamente a un frammento della pellicola documentaristica, un racconto, un’ esperienza visiva unica (che sta per essere ultimato) che accompagna questa fantastica rassegna che dà vita a una meravigliosa alchimia ed enfatizza il messaggio sotteso a tale gesto: “interrogarsi su prezzo e valore”, come afferma Joe( il quale incarna al meglio assertività, modestia, romanticismo – che non ciò che consiste nel regalare rose a cui si ama ma seguire e concretizzare l’ idea di libertà – e umanità, lieta di raccontare presto altro ancora su di lui, sulle sue brillanti visioni ed idee) e smettere di essere passivi, consolidando un modo di pensare consapevole e rispettoso del mondo che ci circonda.

The fashion designer and visual artist Daniel Lismore, me, myself and I along with an artwork by Joe Corrè, photo by N

A detail embodied in the artwork by Joe Corrè, photo by N

Questo e molto altro sarà il cuore del talk di cui sarà protagonista l’ iconico, geniale fashion designer inglese e brillante artista Daniel Lismore( che è anche Ambasciatore del Museo di Londra Tate Modern, della Graduated Fashion Week ed ha reso la sua vita un’ opera d’ arte) il quale sarà il moderatore di un talk con Joe Corrè che si terrà presso la Galleria Lazinc alle ore 19:00, incentrato su questa lodevole iniziativa che unisce felicemente arte ed attivismo. Un evento imperdibile per apprezzare due vibranti individualità all’ insegna di cultura, emancipata dall’ ovvio e ragionevole, contemporaneità, senso, valori e arte.

Still image from the film by Joe Corrè, photo by N

Me, myself and I along with the artwork by Joe Corrè, photo by N

http://burnpunklondon.com

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NATURE IS CULTURE: THE WONDERS OF FLORACULT

Nature, its culture, that is the main feature of nineth edition of Floracult, event created by the pioneering fashion designer and social activist Ilaria Venturini Fendi which will be held from 20^th to 22^nd April 2018 at the I Casali del Pino, in La Storta, in the Rome countryside. Many will be the suggestions and initiatives connected to that as workshops, book-launches and permanent installations to discover the place surrounding us and new ways to start a deep dialogue, harmony with the natural world and its hosts. Stories of life as the one which will be told ( on 20^th april 2018 at 10:30 am) by Elisabetta, Silvia, Liana Margheriti along with Isabella Casati di Monticelli who will talk about their experiences lived with Mario, the father, who introduced in the floristic marked many different plants that became of common usage. Walking in the wood will be the core of talk by the architect and environmentalist Filippo Lapadula ( which will be held on 20^th April 2018 at 3:30 pm). “And now it changes”, that is the title of book by Andrea Degl’ Innocenti, journalist and co-founder of project Italia che cambia (which will be presented on 20^th April 2018 at 17:30), which embodies a series of visions and actions to make this country more sustainable, fair and successful. A wonderful experience joining architecture, interior design and botany gave rise to Pnat, the projecting team coordinated by Stefano Mancuso and featuring the architects Antonio Girardi and Cristiana Favretto who will tell about their experience ( on 21^st April 2018 at 3:30 pm), evidencing how the plants can be used as sensors, model for innovation and means to purity the air. During this event it will presented “Breath”, an installation evidencing to which extent the plants can be filters to remove the pollution there is in the atmosphere. Another precious consciousness is the one by the professor of arborea culture Giuseppe Barbera who invites, through the book the wrote, “To embrace the trees” ( its launch will be held on 21^st April 2018 at 5:00 pm featuring the journalist, music expert and enthusiast gardener Carlo Massarini). The ending day of Floracult will feature a talk with an iconic persona of fashion and design scene, Li Edelkoort, who created Bloom, a magazine launched in 1998, to increase the contemporary lifestyles inspired by the love for the plants, flowers and garden. Many will be the permanent events as the art installation “Matter in the air” – curated by the artist Marijcke van der Maden along with Oriana Impei, professor of sculpture at the Rome Arts Academy, who will present the works by emerging Italian and foreigner emerging artist, made by drawing inspiration from the Casali del Pino -, the one by ArteViva which will show the art of loom as well as the many exhibitors of natural products, flowers, plants, Epicurean delights, garments and accessories. A not to be missed happening in a special place to discover and enjoy, where to go and come back.

NATURA É CULTURA: LE MERAVIGLIE DI FLORACULT

La natura, la sua cultura, questa la protagonista della nona edizione di Floracult, evento creato dalla pionieristica fashion designer e fervente attivista nel sociale Ilaria Venturini Fendi che si terrà dal 20 al 22 aprile 2018 presso I Casali del Pino, a La Storta, nella campagna romana. Molteplici le suggestioni e iniziative a essa legate quali workshops, presentazioni di libri ed eventi permanenti per scoprire il luogo che ci circonda e nuovi modi per avviare un profondo dialogo, un’ armonia con il mondo naturale ed i suoi ospiti. Storie di vita come quell ache sarà raccontata ( il 20 aprile 2018 alle ore 10:30) da Elisabetta, Silvia, Liana Margheriti insieme ad Isabella Casati di Monticelli che parleranno delle loro esperienze vissute con Mario, il padre, che ha introdotto nel mercato florovivaistico svariate piante divenute di uso comune.. Passeggiare per il bosco sarà il tema del talk dell’ architetto ed ambientalista Filippo Lapadula (che avrà luogo il 20 aprile alle ore 15:30). “E adesso si cambia”, codesto, il titolo del libro di Andrea Degl’ Innocenti, giornalista e co-fondatore del progetto Italia che cambia (che sarà presentato il 20 aprile alle ore 17:30), il quale racchiude una serie di visioni ed azioni per rendere questo paese più sostenibile, equo e felice. Una meravigliosa esperienza che unisce architettura, design e botanica ha dato vita a Pnat, il team di progettazione coordinato da Stefano Mancuso di cui sono protagonisti gli architetti Antonio Girardi e Cristiana Favretto, i quali narreranno la loro esperienza ( il 21 aprile 2018 alle ore 15:30), dimostrando il modo in cui le piante possano essere usate come sensori, modello per l’ innovazione e mezzo per purificare l’ aria. Durante tale evento sarà presentata “Breath”, un’ installazione che dimostra in che misura le piante possano fungere da filtri per rimuovere l’ inquinamento atmosferico. Un’ altra preziosa consapevolezza è quella del professore di coltura arborea Giuseppe Barbera che invita, tramite il suo libro, a “Abbracciare gli alberi” ( la cui presentazione si terrà il 21 aprile 2018 alle ore 17:00 con il giornalista, esperto di musica e appassionato giardiniere Carlo Massarini). La giornata conclusiva di Floracult avrà quale protagonista un iconico personaggio dello scenario della moda e del design, Li Edelkoort, la quale ha creato Bloom, un magazine lanciato nel 1998, per incentivare gli stili di vita contemporanei che si ispirano alle piante, ai fiori ed al giardino. Molteplici gli eventi permanenti tra cui l’ installazione artistica “Materia nell’ aria” – curata dall’ artista Marijcke van der Maden assieme a Oriana Impei, docente di scutura presso l’ Accademia di Belle Arti di Roma -, le quali presenteranno le opere di artisti emergenti italiani e stranieri, realizzate traendo ispirazione dai Casali del Pino -, quella di ArteViva che mostrerà l’ arte del telaio come anche i diversi espositori di prodotti naturali, fiori, piante, delizie epicuree, abiti ed accessori. Un evento imperdibile in un luogo speciale, da scoprire e apprezzare, in cui andare e ritornare.

Me, myself and I at Floracult, inviting to embrace the nature, photo by Meo Fusciuni

www.floracult.com

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“ASH FROM CHAOS” BY JOE CORRÉ AT THE LONDON LAZINC GALLERY

Activism, counterculture instilling doubts in a direct and provocative way, successful evocation of drifts by Guy Debord(, celebrated philosopher who wrote the anarcho-situationist masterpiece “The society of spectacle”, very contemporary book which depicts the passage of capitalistic society, based on economy and money, where everyone is resulting from what he has, from having to appearing. The thought which is embodied in it is a photography of this age of political-cultural decadence and consumption arising from consumerism). This is a mere synthesis of making by Joe Corrè, bright fashion designer, businessman ( who created yesterday the luxury underwear brand Agent Provocateur, instead today of A Child of the Jago, as well as of Illamasqua, renowned make-up brand), and strong social activist, more specifically Climate Revolution, campaign supported by his mother Vivienne Westwood against the global warming. He, on the 26^th november 2016, started an initiative, “Burn Punk London”, or rather to give rise to a funeral pyre and burn all of the memorabilia punk he owned ( the New York Times told they amounted to five millions of pounds). The fundamental reason connected to this gesture, a genuine destructive act of protest, arises from a tangible fact, the commodification of a cultural movement which was alternative, disapproving the mass culture – and it has as its icons his father Malcom McLaren and mother -, which has engulfed into the mainstream just for commercial purposes, re-edited in a empty way and also dignified by who provocatively features in the cover of a single track by the Sex Pistols, made in 1977 by Jamie Reid, the queen Elisabeth (who considered 2016 as the year of punk). The single track was “God save the Queen” by Sex Pistols( which ends with “no future”, become famous slogan of punk movement) and some day after it was the fortieth anniversary of their first album, “Anarchy in the UK”.

The “God save the queen” single track cover by Jamie Reid, 1977

His vinyl copy has been the first relic to be burned( later it has followed the trousers owned by Johnny Rotten, live concerts records and other precious rarities). Corrè asserted: “it’s about trying to get people to get their head around the difference between price and value. It’s about drawing attention to the hypocrisy of these establishment institutions now making money out of these pastiche versions. Forty years to go from public enemy number one to everyone seeing the UK as the birth of punk, so that’s now a valued tourist attraction item that we can use. That happened two years ago. Instead today other things happen. That act didn’t run out, but it became art ( as the punk which – as it says Joe Corrè – will born again from its ashes as the Arabian phoenix, in another form. Anyway, as the principle of mass conservation by Lavoisier teaches, “nothing is lost, nothing is created, everything is transformed”), photography, an illustrated documentary featuring in “Ash from Chaos”, an exhibition which will be held from 20^th to 28^th April 2018 in London at the Lazinc gallery. A not to be missed happening to pay homage to past, present, celebrating a gesture which suggests to look at today in a questioning, conscious, libertarian and assertive way.

“ASH FROM CHAOS” DI JOE CORRÉ ALLA GALLERIA LAZINC DI LONDRA

Joe Corrè during a public protest against fracking, photo courtesy of Burn Punk London

Attivismo, contro-cultura che insinua dubbi in modo diretto e provocatorio, action-propaganda, felice evocazione delle derive di Guy Debord(, celebre filosofo autore del capolavoro anarco-situazionista “La società dello spettacolo, libro estremamente contemporaneo che dipinge il passaggio della società capitalistica, basata sull’ economia e sul denaro, in cui si è in quanto si ha, dall’ avere all’ apparire. Il pensiero in esso racchiuso è una fotografia di questa epoca di decadenza politico-culturale e consunzione derivante dal consumo). Questa, una mera sintesi del fare di Joe Corrè, brillante fashion designer, imprenditore (creatore ieri del brand di lingerie Agent Provocateur, oggi di A Child of the Jago, nonché di Illamasqua, rinomato marchio di make-up) e fervente attivista nel sociale, più specificamente nella Climate Revolution, campagna sostenuta dalla madre Vivienne Westwood contro il fracking e il surriscaldamento della terra. Costui, il 26 novembre 2016, ha avviato un’ iniziativa, “Burn Punk London”, ovvero dar vita a una pira funebre e bruciare tutte le memorabilia da lui possedute (che secondo il New York Times avevano il valore di cinque milioni di sterline). Il motivo sotteso a tale gesto, un autentico atto distruttivo di protesta, nasce da un fatto tangibile, la mercificazione di un movimento culturale, il punk, che era alternativo e critico alla cultura di massa – e aveva quali sue icone il padre, Malcom McLaren e la madre-, il quale era stato fagocitato dal mainstream per fini meramente commerciali, rieditato in chiave vuota e dignificato anche da colei che provocatoriamente appare sulla cover di un album dei Sex Pistols, realizzata nel 1977 da Jamie Reid, la regina Elisabetta di Inghilterra (la quale aveva proclamato il 2016 l’ anno del punk). ll singolo era “God save the Queen” dei Sex Pistols( che si chiude con “no future”, divenuto celebre slogan del movimento punk) e qualche giorno dopo ricorreva il quarantesimo anniversario del loro primo album, “Anarchy in the UK”.

Joe Corrè along with Vivienne Westwood his mother during a public protest against fracking, photo courtesy of Burn Punk London

La sua copia in vinile è stata la prima reliquia ad esser bruciata ( poi son seguiti i pantaloni appartenuti a Johnny Rotten, registrazioni di concerti e altre preziose rarità). Corrè spiegava che ciò “ è finalizzato a far in modo che la gente ponga attenzione sulla differenza tra prezzo e valore. Il mettere in evidenza l’ ipocrisia delle istituzioni dell’ establishment che adesso ricavano denaro da queste versioni che hanno la foggia di pastiche. Quaranta anni per passare da nemico pubblico numero uno a oggetto che può essere usato come valida forma di attrazione turistica, poiché tutti vedono la Gran Bretagna come la nascita del punk”. Tutto ciò accadeva due anni fa. Oggi invece accade altro. Quell’ atto non si è esaurito, ma è diventato arte (come il punk che secondo Joe Corré rinascerà dalle sue ceneri, come l’ araba fenice, in un’altra forma. D’altronde, come insegna il principio di conservazione della materia di Lavoisier “nulla si crea, nulla si distrugge, ma tutto si trasforma”), fotografia, un documentario illustrato protagonista di “Ash from Chaos”, una mostra che si terrà dal 20 al 28 aprile 2018 a Londra presso la galleria Lazinc. Un appuntamento imperdibile per onorare il passato, il presente, celebrando un gesto che invita a guardare alla quotidianità in modo critico, consapevole, libertario e assertivo.

www.burnpunklondon.com

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“HIDDEN BEAUTY” AT THE ROME Z2O SARA ZANIN GALLERY

“To see the world in a grain of sand and heaven in a wild flower”, auguries of innocence, verses by William Blake that remind the suggestions connected to “Hidden Beauty”, the exhibition, curated by Marina Dacci (renowned curator who manages the Max Mara Art Prize for Women at Max Mara Fashion Group) and the artist Krištof Kintera which runs in Rome at the Z2O Sara Zanin Gallery through 19^th May 2018 and showcases the works by a group of artists as Anna Hulačovà, Krištof Kintera, Pavla Scerankovà and Richard Wiesner. It’s banished the obvious and reasonable in the name of a maze of languages and representations that join and overlap, based on the responsiveness of audience. It doesn’t exist just one only way, there are a variety of paths, metaphor of life, where one is the road and different are its paths as well as the ways chosen by individuals that lighten the beauty, the one which is hidden.

It’s an old, complex and willingly incomplete which opens the way to many solicitations, reflections as well as to the getting of new consciousnesses. This precious and touching showcase, including dynamic installations – as the installation sewing machine which is working by Pavla Scerankovà who successfully depicts the beauty as picture, impressed in a memory in motion, her memory, the one of his grandmother who way behind the sewing machine and the marvelous works by Richard Wiesner under the sign of a surreal constructivism -,tangible representations of what is often hidden to the ego, goes out from a physical place, the gallery to people unusual places where are exhibited the works by Krištof Kintera (a vintage store, gym, bikes seller, flowers store, an artisanal pastry shop, a restaurant and a special place, much loved by me, the Antica Libreria Cascianelli, a bookshop of old books where I use going and coming back), works of matter as a container of cream, a cement flower under the sign of lightness, irony, immediacy and incisiveness. Serene and pure thoughts reveal a synthesis which is finely structured, where it shines clearly a libertarian and synaesthetic approach, a kindness, being the matrix of this tale on art and its features. The plaudit, mine, is for who succeeds to develop projects like this, that are alternative in the most vibrant way, as they track new ways to communicate under the sign of art, talk in an intelligible way about sense, by using sense and value to a bunch of people and, the most important thing, touch.

Richard Wiesner talking about the work he made, photo by N

“HIDDEN BEAUTY/BELLEZZA NASCOSTA” ALLA Z2O SARA ZANIN GALLERY DI ROMA

“Vedere il mondo in un granello di sabbia e il cielo in un fiore selvatico”, auguri di innocenza, versi di William Blake che richiamano alla mente le suggestioni connesse a “Hidden Beauty”, la mostra, curata da Marina Dacci (rinomata curatrice che si occupa del Max Mara Art Prize for Women presso il Max Mara Fashion Group) e dall’ artista Krištof Kintera che prosegue a Roma presso la Galleria Z2O di Sara Zanin fino al 19 maggio 2018 ed espone il lavori di un gruppo di artisti quali Anna Hulačovà, Krištof Kintera, Pavla Scerankovà and Richard Wiesner. Un progetto ambizioso e felice, dar vita a un metalinguaggio che si interroga e presenta la bellezza, l’ immagine e l’ idea ad essa sottesa, nonché la memoria, le emozioni, i sentimenti legati ad essa quale esperienza e stile di vita. Banditi l’ ovvio e il ragionevole in nome di un groviglio di linguaggi e rappresentazioni che si uniscono e sovrappongono in base alla responsività del pubblico. Non esiste una sola via, ma una molteplicità di percorsi, metafora della vita in cui una è la strada e svariati sono invece i suoi sentieri come anche i percorsi intrapresi dagli individui, che illuminano la bellezza, quella nascosta.

Una storia antica, complessa e volutamente incompleta che apre la via a diverse sollecitazioni, riflessioni come anche all’ acquisizione di nuove consapevolezze. Questa preziosa ed emozionante rassegna, comprensiva di installazioni dinamiche – come la macchina da cucire di Pavla Scerankovà che felicemente ritrae la bellezza in immagine, impressa in un ricordo in movimento, il suo, quello della nonna dinanzi alla macchina da cucire e le meravigliose opere di Richard Wiesner dal surreale costruttivismo – , rappresentazione tangibile di ciò che sovente è celato all’ io, esce da un luogo fisico, la galleria e popola luoghi insoliti in cui sono ospitate le opere di Kristof Kintera (un negozio vintage, una palestra, un rivenditore di biciclette, un negozio di fiori e piante, una pasticceria artigianale, un ristorante e un luogo speciale, a me molto caro, l’ Antica Libreria Cascianelli, dove son solita andare e tornare), opere materiche come un contenitore di crema, un fiore di cemento, all’ insegna di leggerezza, ironia, immediatezza e incisività. Camminare avvolti di bellezza. Pensieri sereni e puri rivelano una sintesi finemente strutturata, in cui fulgido riluce un approccio libertario e sinestetico, una gentilezza, matrice di questo discorso d’ arte e dei suoi protagonisti. Il plauso, il mio, va a coloro che riescono a dar vita progetti di questo tipo, alternativi nel senso più vibrante del termine, poiché tracciano nuove strade per comunicare sotto il segno dell’ arte, parlano in modo intellegibile di senso, con senso e valore a una generalità degli individui e, cosa più importante, emozionano.

Krištof Kintera at the Antica Libreria Cascianelli, photo by N

Me. myself and I visiting the exhibition outside the gallery along with Ines Musumeci Greco, photo by N

Me myself and I along with the artists (Anna Hulačovà, Krištof Kintera, Pavla Scerankovà, Richard Wiesner), the art dealer Sara Zanin and curator Marina Dacci, photo courtesy of Z2O Sara Zanin Gallery

www.z2ogalleria.it

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THE ANTEBELLUM WEDNESDAY TEA SALON AT THE TOM OF FINLAND FOUNDATION TO CELEBRATE CONRAD VEIGT

It will be held on 4th April 2018 at 5:00 pm in Los Angeles, Laveta Terrace at the Tom of Finland Foundation, the Conrad Veigt tea salon, event – which is part of the series of events “Antebellum Wednesday Tea Salon“, hosted by the brilliant photographer Rick Castro – to celebrate the renowned German actor who featured in movies as “The cabinet of Dr. Caligari” (1920, by Robert Wiene, movie being the symbol of German Expressionist cinema), “The man who laughs” (1928, by Paul Leni, based on the novel by Victor Hugo), “Casablanca” (1942, by Michael Curtiz) and also in “Different from the others”(1919, by Richard Oswald, German film produced during the age of Weimar Republic, which is considered as the first pro-gay movie in the world). A not to be missed happening to enjoy art and culture under the sign of Epicureanism.

L’ ANTEBELLUM WEDNESDAY TEA SALON ALLA FONDAZIONE TOM OF FINLAND PER CELEBRARE CONRAD VEIGT

Si terrà il 4 aprile alle ore 5:00 a Los Angeles presso la Tom of Finland Foundation, a Laveta Terrace, il Conrad Veigt tea salon evento – che è parte della serie di eventi “Antebellum Wednesday Tea Salon“, presentati dal brillante fotografo Rick Castro-, per celebrare il rinomato attore tedesco protagonista ieri di film quali “Il gabinetto del Dr. Caligari” (1920, di Robert Wiene, film che è il simbolo del cinema espressionista tedesco), “L’ uomo che ride” (1928, di Paul Leni, tratto dal romanzo di Victor Hugo), “Casablanca” (1942, di Michael Curtiz) ed anche in “Diversi dagli altri”(1919, di Richard Oswald, pellicola tedesca prodotta durante l’ epoca della Repubblica di Weimar, ritenuto il primo film pro-gay al mondo). Un evento imperdibile per apprezzare arte e cultura all’ insegna dell’ epicureismo.

https://www.tomoffinlandfoundation.org/foundation/Events/ev_2017_03_antebellum_wednesday_tea_salon.htm

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HOWTAN SPACE BY HOWTAN RE: ART AS EXPERIENCE AND LIFESTYLE

Howtan Re, bright Iranian architect and artist created years ago Howtan Space, factory and art gallery placed in Roma, at via dell’ Arco dei Ginnasi 5, in the area of Piazza Farnese. It’ s an ambitious project for who, like him, though the time spends, Rome always seems like the same. “ It’s dirty. It’s very beautiful. It’s static”. Not resigning himself to the decadency of city, which, beyond its many levels of criticality, embodies many unexpressed potentialities, he gave rise to a project focused on giving voice to the change, creativity and intercultural dialogue.

His idea is dynamic, which is enriched by a new space and talks about art as experience and lifestyle, l’ H LAB: a lounge bar design where arte, business and creativity joins with themselves. Artworks, perfumes, sounds and screenings draw an experiential journey, a genuine art tasting where the concept of art is linked to luxury as art of living. It’s a place to visit, where to stay and come back for creatives, curiouses, enthusiasts, hedonists and epicureans, who can also appreciate the work by smashing bar tenders – trained at the Flair Project Academy by Vincenzo Spenuso – along with exclusives products as the tribute collection to Andy Warhol by the renowned brand of champagne Dom Perignon.

HOWTAN SPACE DI HOWTAN RE: L’ ARTE COME ESPERIENZA E LIFESTYLE

Howtan Re, brillante architetto e artista iraniano che ha creato anni fa Howtan Space, factory e galleria d’ arte ubicata a Roma, in via dell’ Arco dei Ginnasi 5, nei dintorni di Piazza Farnese. Un progetto ambizioso per chi, come lui, nonostante il passare degli anni vede Roma sempre uguale. “Sporca. Bellissima. Immobile”. Non rassegnandosi alla decadenza della città, la quale, malgrado le sue plurime criticità, racchiude in sé molteplici potenzialità inespresse ha dato vita a un progetto orientato a dar voce al cambiamento, alla creatività e al dialogo interculturale.

Un’ idea dinamica, la sua, che si arricchisce di un nuovo spazio e parla di arte come esperienza e lifestyle, l’ H LAB: un lounge bar in cui arte, business e creatività convergono. Opere, profumi, suoni e proiezioni di disegni tracciano un viaggio esperienziale, un’ autentica degustazione in cui il concetto d’ arte si lega al lusso,quale arte del vivere. Un luogo da visitare, in cui sostare e ritornare, per creativi, curiosi, entusiasti, edonisti ed epicurei, i quali potranno apprezzare anche l’ opera di formidabili bar tender – che si sono formati presso l’ Accademia Flair Project di Vincenzo Spenuso – unitamente a prodotti esclusivi quali la collezione tributo ad Andy Warhol.del rinomato marchio di champagne Dom Perignon.

www.howtanspace.com

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THE PUNK MANIFESTO BY DILIBORIO

DiLiborio Fall/Winter 2018-2019, photo courtesy of Liborio Capizzi

It lightly shines in “Parental control”, the Fall/Winter 2018-2019 collection by DiLiborio, the instantaneity of a gesture which becomes political, poetic and cultural, a punk manifesto talking about elegance, a lifestyle, eminently anti-bourgeois, behind that, my words are frugal, full of emotion, respect and plaudit, stop and hear the ones by the genius fashion designer Liborio Capizzi:

“The denials that generate the revolution.

In an imaginary generational conflict of sons against fathers and daughters against mothers,

the freedom denied, the severe imposition of strict rules, induces a reactions that materializes a protest,

taking as their target the formal and full closets of their bourgeois parents.

The protest appropriates and vents its fury on any type of traditional clothing and on everything

stands for it the social context, brutally attacking above all those garments of disarming boredom

but intrinsic and timely haute-couture.

Mistreated and stripped from their original meaning and position in the wardrobe,

and force-marched in the visual-aesthetic direction of what they will be and what they will express as the ideal goal,

for those who don’t want to be,

for those who don’t want to belong,

or who don’t want heroes to imitate.

Everything is violated and taken out of character with cynical irony and sophisticated spite,

then treated with the symbolism of a modern-day punk manifesto, designing on it the reactionary sign of that personal refusal to belong, to fit in, that has been their banner since birth.

The protest, however, does not deny the essential classical foundations, but rather exploits and abuses them,

taking advantage of them to invent a willful taste of the opposite,

using what ought not to be used in ways no one ever does, or should not.

The rage plays out in apparent destruction, using a wide range of techniques with skillful control

to inflict countless actions of dismemberment and assembly, unstitching and outright slashes, bleaching, stains and spray-paint script; paradoxically generating an instinctive but consciously personal type of elegance.

IL MANIFESTO PUNK DI DILIBORIO

Fulgida risplende in “Parental control”, la collezione autunno/inverno 2018-2019 di DiLiborio, l’ istantaneità di un gesto che diventa politico, poetico e culturale, un manifesto punk che parla di eleganza, uno stile di vita, eminentemente antiborghese, dinanzi al quale, parche le mie parole, dense di emozione, ammirazione e plauso, si fermano e ascoltano quelle del geniale fashion designer Liborio Capizzi:

“Le negazioni che generano la rivoluzione.

In un immaginario conflitto generazionale, di figli contro padri e figlie contro madri, dove la libertà negata, la severa imposizione e rigide regole inducono a una reazione che si materializza in una protesta, prendendo di mira i formali e forniti armadi dei loro borghesi genitori.

La protesta si appropria e si accanisce su qualsiasi tipologia di quel vestire tradizionale e su tutto quello che socialmente ne rappresenta, infierendo brutalmente soprattutto su quei capi di ingannevole noia, ma di intrinseca e senza tempo alta fattura.

Manomesso e spogliato dal significato originale di cosa è, e cosa esprime, il guardaroba è spintonato nella direzione visio-estetica di cosa sarà e cosa dovrà comunicare come ideale traguardo,

per chi vuole non essere,

per chi non vuole appartenere

o per chi non vuole eroi da incarnare,

tutto è attaccato e tutto è snaturato con cinica ironia, sofisticati dispetti e simbologie di un odierno manifesto punk,

tracciando su esso i segni reazionari del proprio rifiuto all’ appartenenza

che per nascita lo rappresenta.

La protesta non rinnega però i fondamenti classici ma li sfrutta, ne abusa e approfitta

per inventare un voluto gusto dell’ opposto

utilizzandolo come non si dovrebbe,

quando non si potrebbe,

o come non si fa.

La rabbia sfoga in apparente deturpazione utilizzando con sapiente controllo svariate tecniche

per infliggere mirati interventi di smembramenti e assemblaggi, scuciture e squarci laser, scoloriture, macchie e scritte spray, generando paradossalmente un istintivo, ma consapevole e personale, tipo di eleganza”.

Details coming from the DiLiborio Fall/Winter 2018-2019 presentation event, photo courtesy of Liborio Capizzi

http://diliborio.it

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THE THINKING ELEGANCE BY MARCO DE VINCENZO

Bright colors, floral patterns, tartan, different lines, (over, short caressing the silhouette), lame, furs, constructions that reinterpret the fluid lines from the Seventies, geometries and constructivist graphics being part of the sign of sign by Marco De Vincenzo, who presented the awesome Fall/Winter 2018-2019 collection during the Milan Fashion Week. A successful dynamism, where fashion invites – as the bright fashion designer asserts – “to not protest, but just to live the life and go out, dressing up for launching a message to the world”, made of a little symbol as the rainbow, red ribbon which represents the fight against the HIV. It’s a concept, emphasized by prints and slogan launching political messages and drawing a thinking lifestyle where fashion, the dressing up becomes the chance to live, being in accordance with its own ideas under the sign of freedom and consciousness, made concrete in the everyday life through the elegance.

L’ ELEGANZA PENSANTE DI MARCO DE VINCENZO

Colori accesi, motivi floreali, tartan, una molteplicità di linee (over, corte che carezzano la silhouette), lurex, pellicce, costruzioni che reinterpretano le linee fluide degli anni Settanta, geometrie e grafismi costruttivisti che fanno parte del segno di Marco De Vincenzo, il quale ha presentato la splendida collezione autunno/inverno 2018-2019 in occasione della settimana della moda milanese. Un felice dinamismo , in cui la moda invita – come afferma il brillante fashion designer – “non a protestare, ma vivere la vita e uscire, vestendosi per dare un messaggio al mondo”, fatto anche di un piccolo simbolo come l’ arcobaleno, il nastro rosso che rappresenta la lotta contro l’ HIV. Un concetto, questo, enfatizzato da stampe e slogan che lanciano messaggi politici e disegnano no stile di vita pensante in cui la moda, l’ abbigliarsi diventa l’ occasione per vivere, essere, conformemente alle proprie idee, all’ insegna di libertà e consapevolezza, concretizzata nella quotidianità con l’ eleganza.

www.marcodevincenzo.com

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THE PRECIOUS ALCHEMY BY SYLVIO GIARDINA

The plexiglass, its geometric shapes and bright colors join with the plated palladium brass (strictly green or rather lead and nickel free), pearls, Swarovski crystals and give rise to unusual and catchy jewels that combine tradition and innovation, the beautiful and well made and the excellence of made in Italy. These are the main features of the Fall/Winter 2018-2019 jewelry collection by Sylvio Giardina which is currently presented in Milan at the fashion tradeshow event White. The creations he made – hand-made earrings, necklaces and rings – are genuine passé-partouts, resulting from a successful alchemy which talks about incisiveness and refinement, modernity and uniqueness.

LA PREZIOSA ALCHIMIA DI SYLVIO GIARDINA

Il plexiglass, le sue forme geometriche e i suoi vivaci colori si uniscono all’ ottone placcato palladio(rigorosamente green ovvero privo di piombo e nickel) perle e cristalli Swarovski e danno vita a insoliti e accattivanti gioielli che coniugano tradizione e innovazione, il bello e ben fatto e l’ eccellenza del made in Italy. Questi i protagonisti della collezione di gioielli autunno/inverno 2018-2019 di Sylvio Giardina che in questi giorni è presentata a Milano presso l’ evento fieristico di moda White. Le sue creazioni – orecchini, collane e anelli fatti a mano – sono autentici passè-partout, il risultato di una felice alchimia che parla di incisività e raffinatezza, modernità e unicità.

www.sylviogiardina.com

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THE MIGRATING POETRY & MELANCHOLY OF ANTONIO MARRAS

Antonio Marras, photo courtesy of Antonio Marras

A tale about migrants, the one by Antonio Marras, presented at the catwalk during the Milan Fashion week, allegory talking about the contemporary time and today migrations, accompanied by the hope that successfully solves as it happen to the forefather Jean-John Marras who moves from France to America, a story, this one, written by the wife Patrizia telling about the hard knocks, journeys, later ending with the coming back to Alghero and giving rise to one of the fashion designer’s ancestors. A journey in the catwalk which evokes atmospheres from early Nineties, emphasized by music and dances by dancers who alternate during the different moments of fashion show of the Fall/Winter 2018-2019 collection.

The dancers wearing Antonio Marras during the fashion show, photo courtesy of Antonio Marras

It shines languid, fluid and solemn architectures, enriched by accessories as the bags becoming belts and enhancing silhouette. Lace, tulle, red carnations prints, floral elements, precious decorations, along with sporty-chic suggestions as the sweathshirts with lettering draw an incisive lines strategy which is at the same time light ( featuring the red trench made of silk satin, the tuxedo jacket, patchwork jacket decorated with embroidery and lace, the inlaid bomber jackets and men coats with neck made of fur) under the sign of poetry and melancholy, the sadness which becomes lighter.

LA POESIA E MALINCONIA MIGRANTE DI ANTONIO MARRAS

Un racconto di migranti, quello di Antonio Marras, presentato sulla passerella durante la fashion week milanese, allegoria che parla del momento contemporaneo e delle migrazioni odierne, accompagnato dalla speranza che ciò si risolva felicemente come quello dell’ antenato Jean-John Marras che dalla Francia si sposta in America, una storia, questa, scritta dalla moglie Patrizia che ne racconta le peripezie, i viaggi, per poi ritornare ad Alghero e dar vita a uno degli antenati dello stilista. Un viaggio in passerella, che evoca atmosfere dei primi Novecento enfatizzate da musiche e danze di ballerini che si alternano durante i vari momenti della sfilata della collezione autunno/inverno 2018-2019.

Splendono architetture languide, fluide e solenni, arricchite da accessori quali le borse che diventano cinture ed esaltano la silhouette. Pizzo, tulle, stampe di garofani, elementi floreali, preziosi decori, unitamente a suggestioni sporty-chic quali le felpe con lettering disegnano una strategia delle linee incisiva e al tempo stesso lieve (di cui sono protagonisti il trench di raso rosso, la giacca da smoking, le giacche patchwork impreziosite di ricami e pizzo, i bomber intarsiati e i cappotti da uomo con collo di pelliccia) all’ insegna di poesia e malinconia, la tristezza che diventa più leggera.

www.antoniomarras.com

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GUCCI: FLUIDITY AND FREEDOM, THE SIGN OF TIMES & CONTEMPORARY FASHION

Applauses e criticisms – as the one appeared on Facebook by the renowned TV journalist Mariella Milani – featured in the Gucci Fall/Winter 2018-2019 collection, presented during the Milan Fashion Week. Beyond the dissent and plaudit for the bright work made by the creative director Alessandro Michele, it has to be recognized he built and defined incisively in a couple of years a concept the brand never had. It needs to remember Gucci is born as brand of accessories which comes to shine again under the creative direction of Tom Ford, getting a great success in the realm of ready-to-wear, though the sign of the American creative director prevailed over the heritage and concept of fashion house. Later Frida Giannini (who is also an ex-student, as Michele, of the Rome Fashion and Costume Academy where I teach) increased the work in the field of wearability of the garments and worked on the communication of brand.

Alessandro Michele went beyond that, he started to implement a successful operation of branding and know-how, made concrete also in the aesthetics of flagship stores. He revolutionized the brand and gave a conceptual identity which did not exist(in the ready to wear), through an awesome work of styling and communication. The fact speak: songs as “Gucci gang” by Lil Pump and the dress-code of Italian pop band making rap music as the Dark Polo Gang express an evidence: Gucci is a luxury brand which entered into the mainstream, desired by the youth people of every age. Concerning the sign, architecture and lines strategy followed by the creative director, there is an overlap of constructions, patterns coming from the costume archive, the street, the pop, underground culture and its icons, giving often rise to new-baroque, sporty chic suggestions and defining a clear and intelligible concept of elegance made of freedom, irony and fluidity. There is not anything new in the design, instead of styling and communication of brand, I add more, it’s contemporary. Gucci tells about different stories and follows standards as the fluidity, life as theatre of the self, emphasized by grotesque suggestions as the setting of recent fashion show, a surgery room with the hand cut off heads that mark the question of human being, its hybrid identity, ego, consciousness, making use of highly symbolic elements as the eyes on the hands. An existentialism of the dress-code, it’s the one by the brand directed by Alessandro Michele which says “do what you want”(Crowleyan quote under the sign of the love as law, put under the will of individual).

A dress to think and be. Elegance is a lifestyle, it’s not the passivity of a consumer which chooses the total-look proposed by one or many fashion designers to be or worst disguise oneself, corollary of “vanity as ready to wear of narcissism”( bright synthesis of a thought belonging to me, asserted by the celebrated art critic and curator Achille Bonito Oliva). This verticality results from a culture, the one of single brand which later becomes cult and consuming culture. Thus I disagree with the famous Mariella Milani when she says: “more than being a trend it’s already a certainty: fashion is also having a strong identity crisis. The question between the most cool fashion designers is: Do we make clothes or launch proclamations and send messages that depict the time we live in order to evidence we also are able to “tell”?”. The fashion designers are thinking individuals representing, as what they make, the “Spirit of folks” (the “Volksgeist” by jurist and philosopher Karl von Savigny, misunderstood by Adolph Hitler in the book he wrote “Mein kampf”), as well as their tensions and emotions arising from living in a certain territory and time, therefore it’s natural to say something, something being genuine and having a sense. What Alessandro Michele says it has it. I comes back again on the words by Mariella Milani: “it is for sure a mirror of times, but is it possible fashion is doing all of this mess to sell rags”. This words seem like embodying a thought which looks at fashion as secondary discipline beside the visual arts, disqualifies and degrades it to the status of goods. Though fashion, the fashion product which is born to be sold, otherwise it does not exist is also other, it’s history, culture, elevation of the thought, it’s like an art work, it makes to think about. Why do I tell that? I wish in the forthcoming times fashion gets that dignity it had during the early Nineties, when at the Paris Museum of the Decorative Arts fashion, visual arts and design were all together, communicated between themselves, but to do that it needs going ahead and making more to dignify fashion and its culture, also and especially during dark and uncertain times where the cultural decadence, putrescence, mediocracy and obsolescence excels at many realms.

GUCCI: FLUIDITÀ E LIBERTÀ, IL SEGNO DEI TEMPI E DELLA MODA CONTEMPORANEA

Applausi e critiche – come quella apparsa su Facebook dalla autorevole giornalista televisiva Mariella Milani – sono stati i comprimari della collezione autunno/inverno 2018 di Gucci, presentata in occasione della fashion week milanese. Al di là del dissenso e del plauso verso il brillante lavoro svolto dal direttore creativo Alessandro Michele, va riconosciuto che in pochi anni costui ha costruito e definito in modo incisivo un concept che il marchio non ha mai avuto. E’ d’ uopo ricordare che Gucci nasce come marchio di accessori che ritorna a primeggiare sotto la direzione creativa di Tom Ford, riscuotendo un grande successo nell’ ambito del pret â porter, anche se è il segno del direttore creativo americano ha prevalso sull’ heritage e il concept della casa di moda. Successivamente Frida Giannini (anch’ella ex-allieva, come Michele, dell’ Accademia di Costume e Moda di Roma presso la quale insegno) ha ampliato il lavoro nell’ ambito della portabilità dei capi ed ha lavorato sulla comunicazione del marchio.

Alessandro Michele è andato oltre, ha iniziato a consolidare una felice operazione di branding e know-how, concretizzata anche nell’ estetica dei flagship store. Ha rivoluzionato il marchio e dato un’ identità concettuale che non c’era (nel pret â porter) mediante un mirabile lavoro di styling e di comunicazione. I fatti parlano: canzoni quali “Gucci gang” di Lil Pump e il dress-code di gruppi pop italiani che fanno rap quali i Dark Polo Gang esprimono un evidenza: Gucci è un marchio di lusso entrato nel mainstream, desiderato da giovani di tutte le età. Quanto al segno, all’ architettura e strategia delle linee seguita dal direttore creativo, si ritrova una sovrapposizione di costruzioni, patterns provenienti dall’ archivio di costume, dalla strada, dalla cultura pop, underground e dalle sue icone che sovente danno vita a suggestioni neo-barocche, sporty-chic e delineano un’ idea chiara ed intelleggibile di eleganza fatto di libertà, ironia e fluidità. Non c’è nulla di nuovo nel design, diversamente dallo styling e comunicazione del marchio, aggiungo ancor di più, è contemporaneo. Il marchio racconta storie diverse e segue dei parametri ben chiari: la fluidità, la vita come teatro del sé, enfatizzato da suggestioni grottesche come il setting della recente sfilata, una sala operatoria con teste mozzate a portata di mano che rimarcano il discorso sull’ essere, sulla sua identità ibrida, sull’ io, sulla consapevolezza, unitamente ad elementi altamente simbolici come gli occhi sulle mani. Un esistenzialismo vestimentario, quello del marchio diretto da Alessandro Michele che parla e dice “do what you want”( “fai ciò che vuoi” celebre aforisma Crowleyano all’ insegna dell’ amore quale legge, sovraordinato alla volontà dell’ individuo).

Un abito per pensare ed essere. L’ eleganza è uno stile di vita pensante, non è la passività di un consumatore che si adagia al total-look proposto da uno o più fashion designer per essere o peggio travestirsi, corollario della “vanità quale pret â porter del narcisismo”(felice sintesi di un pensiero che mi appartiene, sapientemente espresso dal celebre critico d’ arte e curatore Achille Bonito Oliva). Questa verticalità è il risultato di una cultura, quella del singolo marchio che poi diventa culto, cultura del consumo. Pertanto dissento dalla illustre Mariella Milani quando afferma che “più che una tendenza ormai è una certezza: anche la moda è in preda a una violenta crisi di identità. La domanda che circola fra i designers più cool è: facciamo vestiti o lanciamo proclami e mandiamo messaggi che rappresentino il tempo che viviamo in modo da dimostrare che anche noi possiamo “dire” qualcosa?”. I fashion designer sono individui pensanti che, come ciò che fanno, rappresentano lo spirito del popolo ( il “Volksgeist” del giurista e filosofo Karl von Savigny, male interpretato da Adolph Hitler nel suo libro “Mein kampf”), nonché le loro tensioni ed emozioni derivanti dal vivere in un dato territorio e tempo, sicché è naturale il dire qualcosa, ma qualcosa di autentico e sensato. Il discorso di Alessandro Michele lo è. Mi soffermo nuovamente sulle parole di Mariella Milani: “sarà pure specchio dei tempi, ma possibile che ci si metta anche la moda a fare tutto sto casino per vendere stracci”. Sembra che queste parole racchiudano un pensiero che guarda alla moda come disciplina di secondo grado rispetto alle arti visive, la dequalifica e degrada allo status di merce. Eppure la moda, il prodotto moda che nasce per esser venduto altrimenti non esiste è anche altro, è storia, è cultura, è elevazione di pensiero, come un’ opera d’ arte, fa pensare. Perché dico ciò? Mi auguro che nei tempi a venire la moda acquisti quella dignità che aveva nei primi del Novecento, quando al Musée Des Art Décoratifs di Parigi, la moda, le arti visive e il design erano tutti insieme, comunicavano tra di loro, ma per far questo è necessario andare avanti e fare di più per dignificare la moda e la sua cultura, anche e soprattutto in tempi oscuri e incerti in cui la decadenza culturale, la putrescenza, la mediocrazia e l’ obsolescenza primeggia in molti ambiti.

www.gucci.com

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THE UNIVERSAL LYRICISM OF DARIO CARRATTA

The incisiveness of a gesture which becomes line, tells about and examines the being, reality and its continuous and deep dialogue between dream and reality. A survey on the ego, the abyss and fullness of man beyond the space and time, where the desires, melancholy, sadness which becomes lighter, gives silently rise to storm and stress. Lines, signs turn into bodies, open the way to questions on canvas and paper on the human dimension and being which is and cannot not-be, thought it is ferociously caught in its inner fragility which is not weakness, but strength, where the flexibility is a clear sign of vitality. An universal lyricism sings the individual and life as movement towards something, a windy and rough life path full of doubts, stress joy, love and hope, emphasized by grotesque elements, as non-conventional signs that subvert the obvious and reasonable, talking about humanity. That is what shines in the work by Dario Carratta, bright artist who is born in Puglia and lives in Rome, who recently featured in the exhibition “COM surrogate”, which was held in Rome at the Richter Fine Art Gallery, where it has showcased some of the works he made, successful chance to start a conversation between different artists who share the same medium they used, the drawing on paper.

IL LIRISMO UNIVERSALE DI DARIO CARRATTA

The skin of their subjects, oil on canvas, Dario Carratta

L’ incisività di un gesto che diviene tratto, racconta e indaga l’ essere, la realtà e il suo dialogo continuo e profondo tra sogno e realtà. Un’ indagine dell’ io, dell’ abisso e pienezza dell’ uomo al di là dello spazio e del tempo, in cui i desideri, la malinconia, tristezza che diventa più leggera, dà silenziosamente vita a tempesta e impeto. Linee, segni si trasformano in corpi, aprono la via a interrogativi su tela e carta sulla dimensione umana e sull’ essere che è e non può non essere, seppur ferocemente colto nella sua più intima fragilità che non è debolezza, ma forza, in cui la flessibilità è tangibile segno di vitalità. Un lirismo universale canta l’ individuo e la vita come movimento verso qualcosa, un tortuoso e irto cammino di vita denso di dubbi, angosce, gioia, amore e speranza, enfatizzato da elementi grotteschi, quali segni anticonvenzionali che sovvertono l’ ovvio e il ragionevole, parlando di umanità. Questo è ciò che splende nell’ opera di Dario Carratta, brillante artista di origini pugliesi che vive e lavora a Roma, il quale è stato recentemente protagonista della mostra “COM surrogate”, tenutasi a Roma presso la Galleria Richter Fine Art, nell’ ambito della quale sono stati esposte alcune sue opere, felice occasione per avviare una conversazione tra più artisti accomunati dal medesimo medium da loro utilizzato, il disegno su carta.

The nocturnal life of crustaceans, oil on canvas, Dario Carratta

http://dariocarratta.blogspot.it

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THE NOMAD DESIGN SHOWCASE IN ST. MORITZ UNDER THE SIGN OF THE GIUSTINI/STAGETTI GALLERIA O ROMA

The Giustini/Stagetti Galleria O. Roma will feature in the second edition of NOMAD, the traveling showcase dedicated to collectible design which will be held from the 8^th to 11^th February 2018 for the first time in St. Moritz, at the historical building Chesa Planta. Here the renowned design gallery will showcase the creations by Campana Brothers, Giò Ponti, Formafantasma, Iosselliani and Gabriella Crespi. A not to be missed happening to discover and appreciate the contemporary design.

LA RASSEGNA NOMAD DESIGN A ST. MORITZ SOTTO IL SEGNO DELLA GIUSTINI/STAGETTI GALLERIA O ROMA

La Giustini/Stagetti Galleria O. Roma sarà protagonista della seconda edizione di NOMAD, la rassegna itinerante dedicata al design da collezione che si terrà dall’ 8 all’ 11 febbraio 2018 per la prima volta a St. Moritz, presso l’ edificio storico Chesa Planta. Ivi la rinomata galleria di design esporrà le creazioni dei Fratelli Campana, di Giò Ponti, Formafantasma, Iosselliani e Gabriella Crespi. Un evento imperdibile per scoprire e apprezzare il design contemporaneo.

www.giustinistagetti.com

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“AVERAGE WAVES IN UNPROTECTED WATERS” A DIALOGUE ON ART AT THE Z2O SARA ZANIN GALLERY

Nazzarena Poli Maramotti, Alessandro Sarra, on his back an artwork by Nazzarena Poli Maramotti and the curator Davide Ferri, photo by N

It was recently held at the Rome Z20 Sara Zanin Gallery, a talk featuring some of the artists who were part of the exhibition “Average waves in unprotected waters” which here took place, a laudable initiative to question about art, promote its culture and know better the works by artists. The curator of exhibition Davide Ferri explored the concept and dichotomy between the abstract and visual painting, also telling about the idea from which arises the concept and name of exhibition and asking to the brilliant Nazzarena Poli Maramotti and Alessandro Sarra for their point of view concerning some concepts that are the cornerstones of art critique, art history, though they aren’t able to tell and describe the emotion underlying to the artwork and the gesture of artist. That is another story and it was not the core of this laudable moment of culture sharing which made me think again about questions as the communication, expression of art as strong thought and its intelligibility. The experience of art is like a breath, a scent, something entering inside of you and make you feel, think about. To be able to talk about that, it has no need of jumbled architectures, many refined words, it just needs to be simple, immediate and modest. The exasperation of concepts often turns into an onanistic experience which pushes away from vision, understanding of the artwork and dries the knowledge. Modesty has been and is my way to talk about art. That is what I told many years ago to Lòrànd Hegyi (art critic who has been the Director of Vienna Ludwig Modern art Museum and currently manages the Modern Art Museum of Saint- Étienne) when I explained him my way to talk about contemporary art. He smiled me and told me that was also his way, adding he wrote a book on this topic. I smiled him too – though I didn’t write a book on modesty in the art critique-, being very happy to share the same idea with an individual who, instead of me, has made and produced much culture in this field. I also smile now thinking again about that, as well as to this happy circumstance which reminded me something which is part of my life experience, my thought and my doing.

“MOTO ONDOSO STABILE” UN DIALOGO SULL’ ARTE ALLA GALLERIA Z2O SARA ZANIN

Untitled, oil on canvas, 2017, photo by Giorgio Benni, courtesy of Galleria Z2O Sara Zanin Roma

Si è recentemente tenuto presso la Galleria Z20 Sara Zanin di Roma un talk di cui sono stati protagonisti alcuni degli artisti che hanno fatto parte della mostra “Moto ondoso stabile” che ivi aveva luogo, una lodevole iniziativa per interrogarsi sull’ arte, promuoverne la cultura e conoscere meglio i lavori degli artisti. Il curatore della mostra Davide Ferri ha esplorato la dicotomia tra pittura astratta e visiva, raccontando anche l’ idea da cui è scaturito il concept della mostra e chiedendo alla brillante Nazzarena Poli Maramotti ed a Alessandro Sarra il loro punto di vista inerente alcuni concetti che sono le pietre miliari della critica e storia dell’ arte, benché non siano idonei a raccontare e descrivere l’ emozione sottesa all’ opera d’ arte ed al gesto dell’ artista. Questa è un’ altra storia e non era il cuore di questo lodevole momento di condivisione di cultura che mi ha riportato alla mente alcune problematiche quali la comunicazione, l’ espressione dell’ arte quale pensiero forte e la sua intelligibilità. L’ esperienza dell’ arte è come il respiro, un profumo, qualcosa che entra dentro te e ti fa sentire, pensare. Per parlare di ciò, non sono necessarie farraginose architetture, né tante sofisticate parole, bisogna soltanto essere semplici, immediati e modesti. L’ esasperazione di concetti sovente si trasforma in un’ esperienza onanistica che allontana dalla visione, comprensione dell’ opera d’ arte e inaridisce la conoscenza. La modestia è stato ed è il mio modo di parlar d’ arte. Questo è ciò che ho detto parecchi anni fa a Lòrànd Hegyi (critico d’ arte che è stato Direttore del Museo d’ Arte Moderna Ludwig di Vienna e attualmente dirige il Museo di Arte Moderna di Saint- Étienne) quando gli spiegavo la modalità con cui parlavo di arte contemporanea. Costui mi ha sorriso e mi ha detto che era anche il suo modo, aggiungendo che aveva scritto un libro su questo argomento. Gli ho sorriso anche io – pur non avendo scritto un libro sulla modestia nella critica d’ arte -, essendo oltremodo lieta di condividere la medesima idea con un individuo che, diversamente da me, aveva fatto e prodotto tanta cultura in questo ambito. Sorrido anche adesso ripensando a ciò, come anche a questa felice circostanza che mi ha ricordato qualcosa che fa parte della mia esperienza di vita, del mio pensiero e del mio fare.

In un posto nascosto, Nazarena Poli Maramotti, 2017, photo by Giorgio Benni, courtesy of Galleria Z2O Sara Zanin Roma

www.z2ogalleria.it

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SHOWCASE A BRIGHT INITIATIVE BY ALTAROMA TO SUPPORT CREATIVITY MADE IN ITALY

The Winter edition of Altaroma featured “Showcase”, a bright project I appreciated very much ideated by the ICE Agency and Altaroma, which has concretely evidenced its support to the creativity made in Italy. To create connections between the Italian emerging brands with buyers, journalists, Italian and foreigners fashion insiders, that has been the purpose of this event, a laudable initiative which featured forty fashion designers – ten different ones alternated on every day – as Anna Porcu, 16R, Avaro Figlio Milano, Aroma 30, Nadiamari, The Dots, Mandredi Manara, Silvio Betterelli, Quattromani, Susana Traca, Delirious, Flaminia Barosini, Benedetta Bruzziches and many others who showcased the creations they made under the sign of a vibrant concept and a catchy design.

SHOWCASE UNA BRILLANTE INIZIATIVA DI ALTAROMA PER SOSTENERE LA CREATIVITÀ MADE IN ITALY

L’ edizione invernale di Altaroma ha avuto quale protagonista “Showcase”, un brillante progetto da me molto apprezzato ideato dall’ Agenzia ICE ed Altaroma, che ha concretamente dimostrato durante questi anni il suo sostegno verso la creatività emergente made in Italy. Creare connessioni tra i brand emergenti italiani con i buyers, giornalisti, addetti ai lavori italiani e stranieri, questa la finalità dell’ evento, una lodevole iniziativa di cui hanno fatto parte quaranta fashion designers – dieci diversi si sono alternati ogni giorno – quali Anna Porcu, 16R, Avaro Figlio Milano, Aroma 30, Nadiamari, The Dots, Mandredi Manara, Silvio Betterelli, Quattromani, Susana Traca, Delirious, Flaminia Barosini, Benedetta Bruzziches e molti altri che hanno esposto le loro creazioni all’ insegna di un vibrante concetto e un accattivante design.

Benedetta Bruzziches, photo by Anna Porcu

Me, myself and I along with Anna Porcu, photo by Silvia Pavanello

www.altaroma.it

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“THE LAST WORD”, THE AUTOBIOGRAPHY OF QUENTIN CRISP

“The only thing I can do well, the only thing I know how to do, is be me”. Those words, having an universal value, marking the core of being, of life, an individual path to go under the sign of consciousness, freedom, lightness, considered as absence of weight and kindness as paradigm of humanity, are embodied in “The last word”, third autobiography of the legendary Quentin Crisp – su Amazon.com -, considered as an icon of gay culture (, a time and a place, the New York City Lower East side he peopled during the Eighties), writer, social observer and actor – who featured in “Orlando” the movie by Sally Potter, playing the queen Elisabeth I.

It’ s a book to have for knowing, discovering and appreciating the bright, provocateur, fancy and unforgettable mood, sense of humour and wisdom of an “Englishman in New York”(which is also the title of song Sting dedicated to him once he knew of his story and life experience, he told in the cult book “The naked civil servant”, released during the Seventies).

“THE LAST WORD”, L’ AUTOBIOGRAFIA DI QUENTIN CRISP

Quentin Crisp, photo courtesy of Crisperanto.org

“L’ unica cosa che so far bene, la sola cosa che so come farem è essere me”. Queste parole, che hanno un valore universale, evidenziano il cuore dell’ essere, della vita, un cammino individuale da percorrere all’ insegna di consapevolezza, libertà, leggerezza, intesa come assenza di peso e gentilezza, quale paradigma dell’ umanità, sono racchiuse in “The last word”, terza autobiografia del leggendario Quentin Crisp – disponibile in esclusiva su Amazon.com -, considerata un’ icona della cultura gay (, di un tempo e un luogo, la Lower East Side di New York City da lui popolata negli anni Ottanta), scrittore, opinionista e attore che è stato protagonista di “Orlando”, il film di Sally Potter, vestendo i panni della regina Elisabetta I.

http://www.crisperanto.org

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MELINITA: A SENTIMENTAL JOURNEY THROUGH THE BAG

“The different loves of a man” bag: a man and his lost loves/”I diversi amori di un uomo” bag: un uomo e i suoi amori perduti

The bag, an art work, becomes a canvas where are painted the portraits of men, women, feelings, emotions and their universality. It’s caressing, the overwhelming tale on cloth – velvet and other precious materials – as it is also evidenced by the name of every single bag – as “the elaboration of a mourning”, “a woman says but not says”, “ the man playing with the feelings” -, which embodies a different story, becomes an accessory and talks about desires, thoughts and situations everyone has experience just only once in its own life. The elegance, a lifestyle, made of uniqueness, lightness, irony and poetry, turns into an awesome sentimental journey. This is all that shines in the collection by Melinita, brand of accessories created by the bright Carmela D’ Urso, successfully joining a vibrant concept under the sign of exclusivity, of beautiful and well made. The sophisticated creations she made, divided in many thematic series, are genuine unique items, entirely handmade and enriched by embroideries, decorations as the little dolls depicting men and women she painted and dressed. These little, big masterpieces, to have and collect, are available at the renowned Rome concept store, design gallery Fondaco Gallery.

MELINITA: UN VIAGGIO SENTIMENTALE ATTRAVERSO LA BORSA

The susspended man Melinita bag: the lightness of a man suspended between dream and reality/ l’ uomo sospeso Melinita bag: l’ uomo sospeso tra sogno e realtà

La borsa, un’ opera d’arte, diventa una tela su cui sono dipinti i ritratti di uomini, donne, sentimenti, emozioni e della loro universalità. Carezzevole, l’ avvincente racconto su tessuto – velluto e altri preziosi materiali -, come si evince anche dal nome di ogni singola borsa – quale “l’ elaborazione di un lutto”, “una donna dice, ma non dice”, “l’ uomo che gioca con i sentimenti” – che racchiude in sé una diversa storia, diviene un accessorio e parla di desideri, pensieri e situazioni che ognuno di noi ha sperimentato su sé stesso almeno una volta nella vita. L’ eleganza, uno stile di vita, fatto di unicità, levità, ironia e poesia si trasforma in un fantastico viaggio sentimentale. Questo è tutto ciò che splende nella collezione di Melinita, brand di accessori creato dalla brillante Carmela D’ Urso, che unisce felicemente un vibrante concept all’ insegna di esclusività, del bello e ben fatto. Le sue raffinate creazioni, suddivise in varie serie tematiche, sono autentici pezzi unici, realizzati interamente a mano e arricchiti di ricami, decori, quali le bamboline che incarnano uomini e donne da lei dipinti e vestiti. Questi piccoli, grandi capolavori, da avere e collezionare, sono disponibili nel rinomato concept store, galleria di design di Roma Fondaco Gallery.

The man playing with the feelings Melinita bag: the man playing with feelings of women stays alone/ L’ uomo che gioca con i sentimenti Melinita bag: l’ uomo che gioca con i sentimenti delle donne dopo resta solo

the woman in white Melinita bag: the light soul of a woman/ la donna in bianco Melinita bag: l’ anima leggera di una donna

balance and style of a woman Melinita bag/ equilibrio e stile di una donna Melinita bag

a woman says, but doesn’t say Melinita bag/ una donna dice, ma non dice Melinita bag

elaboration of a mourning Melinita bag: the pain for the loss of a love/elaborazione di un lutto Melinita bag: il dolore per la perdita di un’ amore

zen and fire( the weight of contraddictions)Melinita bag: the contrast bewtween conflicting emotions sweeps away the balance of a woman/ zend e fuoco( il peso delle contraddizioni) Mellinita bag: il contrasto tra emozioni in conflitto travolge l’ equilibrio di una donna

a man divided in half Melinita bag: a man and his complicated loves/ un uomo diviso a metà Melinita bag: un uomo e i suoi complicati amori

ad the world turns Melinita bag: l’ egoismo degli uomini/ gira il mondo gira Melinita bag: l’ egoismo degli uomini, tutto gira intorno a me

the elegance of a man Melinita bag: a man searching for his soul/ l’ eleganza di un uomo Melinita bag: l’ uomo alla ricerca della propria anima

the temptations of a man Melinita bag: a man gagged and ties, thus he resists to the temptations/ le tentazioni di un uomo Melinita bag: un uomo imbavagliato e legato resiste alle tentazioni

http://fondacoroma.com

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THE TIMELESS CHARM OF KNICKERS: STRUMPET & PINK

Strumpet & Pink featuring in “Undressed: A Brief History of Underwear at the London Victoria & Albert Museum

The knickers becomes an artwork, that is the core of the couture British brand Strumpet & Pink, created by Lisa Z Morgan and Melanie Propert, which also featured in “Undressed: A Brief History of Underwear”, exhibition held during this year in London at the Victoria and Albert Museum. Catchy are the names of the items – “Princess and the pea”, “Dreaming of Jade”, “Nude eve”, “Fifi”, that talk about lightness, sensuality and poetry, emphasized by retro suggestions and precious materials as silk satin, crepe, tulle and a fine manufacture that depicts a elegance under the sign of a timeless charm.

IL FASCINO SENZA TEMPO DELLE MUTANDE: STRUMPET & PINK

Le mutande diventano un opera d’ arte, questa è il cuore del brand inglese di couture Strumpet & Pink, creato da Lisa Z Morgan e Melanie Propert, che sono state protagoniste di “Undressed: A Brief History of Underwear”, mostra tenutasi quest’ anno a Londra presso il Victoria and Albert Museum. Accattivanti, i nomi dei capi – “Princess and the pea”, “Dreaming of Jade”, “Nude eve”, “Fifi” – che parlano di leggerezza, sensualità e poesia, enfatizzata da suggestioni retro e materiali preziosi quali il raso, la crêpe di seta, il tulle e di una raffinata manifattura che ritrae un’ eleganza all’ insegna di un fascino senza tempo.

Dreaming of Jade knickers by Strumpet & Pink

princess and the pea knickers by Strumpet & Pink

www.strumpetandpink.com

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REFINEMENT, VERSATILITY AND INCISIVENESS: THE ELEGANCE OF MVH-MAFALDA VON HESSEN

MvH-Mafalda von Hessen, photo courtesy of Eric Wright

Strong, self-confident, incisive and light, that is the femininity featuring of the Spring/Summer 2018 womenswear collection by MvH-Mafalda von Hessen, brand established in 2013 by the bright creative duo formed by Mafalda von Hessen and Eric Wright, which successfully makes concrete the paradigm of dynamism and wearability. Fluidity, lightness, a sophisticated strategy of lines – emphasized by a palette of colors, including natural colors, bright shades of red, burgundy, coral, yellow, green, along with light grey, blue and light blue – joins to a smashing play of overlaps, geometric patterns, impressed also in the catchy accessories, giving rise to a whispered elegance made of harmonies and sartorial volumes.

RAFFINATEZZA, VERSATILITÀ E INCISIVITÀ: L’ ELEGANZA DI MVH-MAFALDA VON HESSEN

Forte, sicura di sé, incisiva e lieve, questa è la femminilità protagonista della collezione donna primavera/estate 2018 di MvH-Mafalda von Hessen, brand fondato nel 2013 dal brillante duo di creativi formato da Mafalda von Hessen ed Eric Wright, che felicemente concretizza il paradigma del dinamismo e della vestibilità. Fluidità, leggerezza, una sofisticata strategia delle linee – enfatizzata da materiali preziosi e da una palette di colori che include nuances naturali , vivaci tonalità di rosso unitamente a grigio chiaro, blu e celeste – si unisce a un formidabile gioco di sovrapposizioni, motivi geometrici, impressi anche negli accattivanti accessori, dando vita a un’ eleganza sussurrata fatta di armonie e volumi sartoriali.

www.mvh-design.com

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ART & FASHION, ELEGANCE & UNIQUENESS:THE DANILO BUCCHI + KUBORAUM COLLECTION

Danilo Bucchi + Kuboraum, photo courtesy of Danilo Bucchi

It has recently presented in Rome at the eyewear gallery Monocle the result of a teaming between the brilliant visual artist Danilo Bucchi and the renowned eyewear brand Kuboraum, a smashing collection of sunglasses that embody the light, dreamlike and incisive sign of artist, emphasized by a special manufacture. That evidences the successful dialogue between art and fashion, impressed in an accessory which is under the sign of a timeless elegance and talks about excellence and uniqueness.

ARTE & MODA, ELEGANZA & UNICITÀ: LA COLLEZIONE DANILO BUCCHI + KUBORAUM

È stato recentemente presentato a Roma presso la galleria ottica Monocle il risultato di una collaborazione tra il brillante artista Danilo Bucchi e il rinomato brand di occhiali Kuboraum, una formidabile collezione di occhiali da sole, i quali racchiudono in sé il lieve, onirico e incisivo segno dell’ artista, enfatizzato da una speciale manifattura. Ciò testimonia il felice dialogo tra arte e moda, impresso in un’ accessorio che è all’ insegna di un’ eleganza senza tempo e parla di eccellenza e unicità.

www.danilobucchi.com

www.kuboraum.com

www.monocle.it

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THE THINKING DYNAMISM: “AVERAGE WAVES IN UNPROTECTED WATERS” AT THE ROME Z20 SARA ZANIN GALLERY

Deserto, Nazarena Poli Maramotti, photo by Giorgio Benni, courtesy of Galleria Z2O Sara Zanin Roma

Thinking dynamism, a strategies of lines, which talks about signs, draws, tracks of different paths, by the brilliant Nazzarena Poli Maramotti, along with Jinn Bronwen Lee, Neil Gall, Rezi van Lankveld, Alessandro Sarra and Jessica Warboys, the artists featuring in the exhibition “Average waves in unprotected waves” – which is also the title of a celebrated novel by Anne Tyler -, curated by Davide Ferri, running through 2^nd February 2018 at the Rome Z2O Sara Zanin Gallery. The suggestive showcase documents the symphony of a gesture, the rush and longing of artist, of whose rhythms, rituals and alchemies tell about the natural world, depicted in its lightness, simplicity and eternal mystery.

IL DINAMISMO PENSANTE: “MOTO ONDOSO STABILE” ALLA GALLERIA Z20 SARA ZANIN DI ROMA

Dinamismo pensante, una strategia delle linee che parla di segni, disegni, tracce di diversi percorsi, della brillante Nazzarena Poli Maramotti, unitamente a Jinn Bronwen Lee, Neil Gall, Rezi van Lankveld, Alessandro Sarra e Jessica Warboys, gli artisti che sono protagonisti della mostra “Moto ondoso stabile” – che è peraltro il titolo di un celebre racconto di Anne Tyler -, curata da Davide Ferri la quale prosegue fino al 2 febbraio 2018 presso la Galleria Z2O Sara Zanin. La suggestiva rassegna documenta la sinfonia di un gesto, l’ impeto e anelito dell’ artista, i cui ritmi, rituali e alchimie raccontano il mondo della natura, colto nella sua leggerezza, semplicità ed eterna imperscrutabilità.

photo by Giorgio Benni, courtesy of Galleria Z2O Sara Zanin Roma

www.z2ogalleria.it

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FASHION AS GESAMKUNSTWERK: RICK OWENS AT THE MILAN TRIENNALE DESIGN MUSEUM (2)

It successfully follows, running through 25^th March 2018 “Subhuman Inhuman Superhuman”, the exhibition featuring the work by Rick Owens, told by a catalogue by Electa (embodied in a special box in limited edition including also the unseen perfume he made, civet and grey amber scented). Twenty years are illustrated by memorabilia, catalogues, pictures, some were taken by Rick Castro – one of them features the father of photographer – fetishes, videos telling the artistic path by Owens along with garments and furniture.

The sulfur and timeless atmosphere, emphasized by the site-specific installation created by fashion designer, gives rise to a genuine Gesamkunstwerk, the idea of total work of art by Wagner where different channels of communication dialogue between themselves. The charming showcase depicts signes, ideas, suggestions, one of them reinterprets the performative experience by a legendary artist, Leigh Bowery, drawing a way beyond good and evil, a mystic synaesthesia where the beyond sanctifies human being in its instinctual rush and grotesque romanticism.

Storm and stress, the tension drama of individual, tender and feral, where passion, spiritual energy, reveals also as “friction between the soul and the outer world” (as yesterday the filmmaker Andrej Tarkovskji depicted at best in the masterpiece he made “Stalker”). A not to be missed happening which witnesses an essential chapter of yesterday and today conceptual fashion history.

MODA COME GESAMKUNTWERK: RICK OWENS AL MUSEO DELLA TRIENNALE DI MILANO (2)

Prosegue felicemente fino al 25 marzo 2018 “Subhuman Inhuman Superhuman”, la mostra che ha quale protagonista l’ opera di Rick Owens, raccontata da un catalogo di Electa (una special box in edizione limitata che contiene anche il suo profumo inedito allo zibetto e ambra grigia). Un ventennio illustrato da memorabilia, cataloghi, fotografie alcune di Rick Castro – una delle quali ritrae il padre del fotografo -, feticci, video che raccontano l’ iter artistico di Owens unitamente ad abiti e arredi.

L’ atmosfera sulfurea e senza tempo, enfatizzata dalla installazione site-specific creata dal fashion designer, dà vita ad un’ autentica Gesamkunstwerk, l’ opera d’ arte totale di wagneriana memoria in cui più canali di comunicazione dialogano tra di loro. L’ affascinante rassegna ritrae, segni, idee, suggestioni, una delle quali reinterpreta l’ esperienza performativa di un artista leggendario, Leigh Bowery, disegnando una via al di là del bene e del male, una mistica sinestesia in cui l’ oltre santifica l’ umano nel suo impeto pulsionale e grottesco romanticismo.

Rick Owens, photo by Rick Castro featuring his father, photo by N

Tempesta e impeto, il dramma tensivo dell’ individuo, tenero e ferino, in cui la passione, energia spirituale, si rivela anche quale “attrito tra l’ animo e il mondo esterno” (come ha magistralmente dipinto ieri su pellicola il regista Andrej Tarkowskji nel suo capolavoro “Stalker”). Un evento imperdibile che testimonia un imprescindibile capitolo della storia della moda concettuale di ieri e oggi.

Me, myself & I on a furniture by Rick Owens, photo by N

www.rickowens.eu

www.triennale.org

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RICK OWENS. SUBHUMAN INHUMAN SUPERHUMAN AT THE MILAN TRIENNALE DESIGN MUSEUM(1)

Rick Owens, photo by N

It will be opened tomorrow in Milan at the Triennale Design Museum “Rick Owens. Subhuman Inhuman Superhuman”, the exhibition – running through 25th March 2018 – documenting the work by the celebrated fashion designer Rick Owens. It is a wide showcase of materials, drawings, pictures, furniture, videos, accessories and garments telling about the suggestions, impulse and the ideas on the move that are the core of his work and poetry. Conflicting, primal impulses are recomposed: the eternal and barbarical, life, death and hope, the solemnity of grotesque, kindness, fierce, heroism and sensuality is made concrete through a unique play of ensembles and deconstructions giving rise to his sign, talking about his inner alphabet. It is an overwhelming story “about the balance of control – as the fashion designer says – and collapse and the temptation to overdo either”.

Rick Owens ( remindind the work by Leigh Bowery) at the Triennale Design Museum, photo by N

Rick Owens, photo by N

Rick Owens at the Triennale Design Museum, photo by N

http://www.triennale.org
http://www.rickowens.eu

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ALTAROMA: A.I. STUDIO THE ART OF MAKING BETWEEN FASHION & CRAFTSMANSHIP

Me, myself & I along with Adriano Franchi (Altaroma CEO), photo by N

Craftsmanship and fashion, an open dialogue which is full of many ideas, signs, suggestions and visions talking about constructions, the art of beautiful and well made, these are the features of A.I. Studio, exhibition project ideated and curated by Clara Tosi Pamphili and Alessio De Navasques, event which was held in Rome at Via Guido Reni 7 during the Altaroma grand opening. Colors, shapes and visions, the ones made by creatives as Davide Grillo, Vien, Karoline Lang, Jezabelle Cormio, Ahirain, Frederick Hornof, Serie Numerica and many others. Lightness, a tale joining art, embodying the genesis of creative process which gives rise to the dress, the one which is impressed in the marvelous creations by Aurore Thibout. It’s a many-sided kaleidoscope of ideas tracing a new way of making fashion, an unusual and charming path of producing and talking about fashion, connected to the way successfully developed by Altaroma or rather under the sign of innovation, tradition and contemporary times.

ALTAROMA: A.I. STUDIO L’ARTE DEL FARE TRA MODA & ARTIGIANALITÀ

Artigianalità e moda, un dialogo aperto che è colmo di molteplici spunti, segni, suggestioni e visioni che parlano di costruzioni, dell’ arte del bello e ben fatto, questi i protagonisti di A.I. Studio, progetto espositivo ideato e curato da Clara Tosi Pamphili e Alessio De Navasques, protagonista, evento che si è tenuto presso a Roma in Via Guido Reni 7 in occasione della grand opening di Altaroma. Colori, forme e visioni quelle di creativi quali Davide Grillo, Vien, Karoline Lang, Jezabelle Cormio, Ahirain, Frederick Hornof, Serie Numerica e molti altri. Levità, un racconto che unisce l’ arte e racchiude in sé la genesi del processo creativo che dà vita all’ abito, quello impresso nelle splendide creazioni di Aurore Thibout. Un multiforme caleidoscopio di idee che tracciano una nuova via di fare moda, un sentiero insolito e affascinante di produrre moda e raccontarla in linea con la strada intrapresa da Altaroma ovvero all’ insegna di innovazione, tradizione e contemporaneità.

Aurore Thibout ft, in A.I. Studio, photo by N

Me. myself & I along with Adrien Akimov Roberts, photo by N

http://www.altaroma.it

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