FASHION, ART & ARTIFACTS: THE MODERN REPLICANT BY SYLVIO GIARDINA

Sylvio Giardina Fall/Winter 2015-2016, photo by Tania Alineri
Sylvio Giardina Fall/Winter 2015-2016, photo by Tania Alineri

Art dialogues with fashion. That becomes a creative technique and constant working method, of whose result is “Black mirror”, the Fall/Winter 2015-2016 collection by the bright fashion designer Sylvio Giardina. The distorted landscapes, arising from the “Claude mirror”, which unifies lines and shapes by the lost of details, are the idea embodied in creations where matter, volumes and colors blend between themselves. The lightness of lace, jersey, mesh, meets the texture of  multiprene, scuba diving cloth, velvet, it’s a suggestive alchemy under the sign of innovation and experimentation. The sumptuous constructions are bringers of light, a leitmotiv of work by Sylvio. The metallic and mirroring effects are emphasized by the accessories as the plexiglas collar – being part of a dress and at the same time detachable from that -and the big earrings along with the palette of colors including black, navy blue, mustard, brown, camel, hazel, burgundy. The lines caress the silhouette and evoke an avant-garde elegance, which make me think about a modern version of M., the charming replicant, interpreted by Sean Young, featuring in the cult-movie by Ridley Scott “Blade Runner”.

MODA, ARTE & ARTEFATTI: LA MODERNA REPLICANTE DI SYLVIO GIARDINA

Sylvio Giardina Fall/Winter 2015-2016, photo by Tania Alineri
Sylvio Giardina Fall/Winter 2015-2016, photo by Tania Alineri

L’ arte dialoga con la moda. Ciò diventa una tecnica creativa e costante metodo di lavoro, il cui risultato è “Black mirror”, la collezione autunno/inverno 2015-2016 del brillante fashion designer Sylvio Giardina. Gli scenari distorti che nascono dallo “Specchio Claude”, che unifica forme e linee con la perdita dei dettagli, sono l’ idea racchiusa in creazioni in cui materia, volumi e colori si fondono. La leggerezza del pizzo, tulle, jersey, della rete, incontra la consistenza di multiprene, scuba diving, velluto, una suggestiva alchimia all’ insegna di innovazione e sperimentazione. Le sontuose costruzioni sono portatrici di luce, un leitmotiv del lavoro di Sylvio. Gli effetti metallici e specchianti sono enfatizzati dagli accessori come il collare di plexiglass – che fa parte di un abito e al tempo stesso è da esso rimovibile – ed i grandi orecchini, unitamente alla palette di colori che include nero, blu, senape, marrone, cammello, nocciola, bordeaux. Le linee accarezzano la silhouette ed evocano una avveniristica eleganza che mi fa pensare una moderna versione di M., l’ affascinante replicante, interpretata da Sean Young, protagonista del cult-movie by Ridley Scott “Blade Runner”.

Sylvio Giardina Fall/Winter 2015-2016, photo by Tania Alineri
Sylvio Giardina Fall/Winter 2015-2016, photo by Tania Alineri

 

Sylvio Giardina Fall/Winter 2015-2016, photo by Tania Alineri
Sylvio Giardina Fall/Winter 2015-2016, photo by Tania Alineri

 

Sylvio Giardina Fall/Winter 2015-2016, photo by Tania Alineri
Sylvio Giardina Fall/Winter 2015-2016, photo by Tania Alineri

 

Sylvio Giardina Fall/Winter 2015-2016, photo by Tania Alineri
Sylvio Giardina Fall/Winter 2015-2016, photo by Tania Alineri

 

Sylvio Giardina Fall/Winter 2015-2016, photo by Tania Alineri
Sylvio Giardina Fall/Winter 2015-2016, photo by Tania Alineri

 

Sylvio Giardina Fall/Winter 2015-2016, photo by Tania Alineri
Sylvio Giardina Fall/Winter 2015-2016, photo by Tania Alineri

 

Sylvio Giardina Fall/Winter 2015-2016, photo by Tania Alineri
Sylvio Giardina Fall/Winter 2015-2016, photo by Tania Alineri

 

Sylvio Giardina Fall/Winter 2015-2016, photo by Tania Alineri
Sylvio Giardina Fall/Winter 2015-2016, photo by Tania Alineri

 

Sylvio Giardina Fall/Winter 2015-2016, photo by Tania Alineri
Sylvio Giardina Fall/Winter 2015-2016, photo by Tania Alineri

 

Sylvio Giardina Fall/Winter 2015-2016, photo by Tania Alineri
Sylvio Giardina Fall/Winter 2015-2016, photo by Tania Alineri

 

www.sylviogiardina.com

THE SMASHING VISIONS BY ANTEBELLUM GALLERY ON FILM BY ZAEBEAR

Still image from the film "Antebellum gallery 2015" by Zaebear
Still image from the film “Antebellum gallery 2015” by Zaebear

It has recently released a video paying homage to the work by Antebellum Gallery – fetish art gallery placed in Hollywood – and the artists who collaborate with it, directed by Zaebear and produced by the art-dealer and photographer Rick Castro. A smashing display of fetish elements meet surreal suggestions, which is emphasized by the set of film, the art gallery, artists starring – Emeka, Barry Morse, Jeffery Hutchison, Copjack, Pawel Gregory Florek, Raven Shadowmoon, Adam Watkins, “Blanket”, the brilliant opera singer Violet Talea, Splink Raven and Ricardo Caranza -, the clothing and accessories by Rick Owens and masks by Raymond Sandoval.

LE FORMIDABILI VISIONI DELLA ANTEBELLUM GALLERY SULLA PELLICOLA DI ZAEBEAR

Still image from the film "Antebellum gallery 2015" by Zaebear
Still image from the film “Antebellum gallery 2015” by Zaebear

È stato recentemente pubblicato un video che rende omaggio all’ opera della Antebellum Gallery – galleria d’ arte fetish che si trova a Hollywood – ed agli artisti che ci collaborano, diretto da Zaebear e prodotto dal gallerista e fotografo Rick Castro. Una formidabile rassegna di visioni, in cui gli elementi fetish incontrano suggestioni surreali che è enfatizzata dal set della pellicola, la galleria d’ arte, dagli artisti che ne sono protagonisti – Emeka, Barry Morse, Jeffery Hutchison, Copjack, Pawel Gregory Florek, Raven Shadowmoon, Adam Watkins, “Blanket”, la brillante cantante d’opera Violet Talea, Splink Raven e Ricardo Caranza -, gli abiti e accessori di Rick Owens e le maschere di Raymond Sandoval.

Still image from the film "Antebellum gallery 2015" by Zaebear
Still image from the film “Antebellum gallery 2015” by Zaebear

 

Still image from the film "Antebellum gallery 2015" by Zaebear
Still image from the film “Antebellum gallery 2015” by Zaebear

 

Still image from the film "Antebellum gallery 2015" by Zaebear
Still image from the film “Antebellum gallery 2015” by Zaebear

 

Still image from the film "Antebellum gallery 2015" by Zaebear
Still image from the film “Antebellum gallery 2015” by Zaebear

 

 

 

http://antebellumgallery.blogspot.com

“SCUMBAG”, THE DARK COMEDY BY MARS ROBERGE FT. IN INDIEGOGO

scumbag

Scumbag” is the new film by Mars Roberge – bright filmmaker who made the documentary film “The little house that could” on the famous costume designer Patricia Field -, a dramatic dark comedy, emphasized by a showcase of colorful characters, satirizing the teen angst and questioning about the existence and its meaning, trying to answer to the question “why I am here”. “It is a movie for anyone who has ever hated their job and would do anything to not be there”- thus the filmmaker asserts, telling the story about a young hipster wannabe-superstar dj, Phil, who takes on a day job at a telemarketing company, working with crazy people, ex-prisoners, drug addicts and murderers. The time on his life begins to tick as he battles addiction, fights the law and tries to maintain the only sane thing left in his life, his girlfriend. The film features in its cast celebrated personas as Alexis Arquette, John Lehr, Nina Hartley, the famous DJ Keoki who was yesterday part of Club Kids, the legendary party promoter, creator of Club Kids Michael Alig and many others. The virtual platform Indiegogo supporting independent projects hosts “Scumbag” or rather the fund-raising to finance the film, running through 17th December 2014. Thus dear FBFers, let’s join with me and give your modest contribution to develop this independent project!

“SCUMBAG”, LA DARK COMEDY DI MARS ROBERGE SU INDIEGOGO

Mars Roberge
Mars Roberge

Scumbag” è la nuova pellicola di Mars Roberge – brillante regista, autore del documentario “The little house that could” sulla famosa costumista Patricia Field -, una drammatica dark comedy, enfatizzata da una rassegna di bizzarri personaggi alquanto particolari che satireggia sull’ angoscia esistenziale e si interroga sull’ esistenza e il suo significato, provando a rispondere all’ interrogative “perché mi trovo qui”. “È un film per tutti quelli che abbiano sempre odiato il loro lavoro e vorrebbero far qualsiasi cosa per non esser là”- come afferma il regista – che racconta la storia di un giovane DJ aspirante-superstar, Phil, che accetta un lavoro diurno presso un’ azienda di telemarketing, lavorando con dei matti, ex-carcerati, drogati e assassini. Il tempo sulla sua vita comincia a ticchettare perché combatte contro la dipendenza, lotta contro la legge e prova a mantenere l’ unica cosa sana che gli è rimasta nella sua vita, la sua ragazza. Il film include nel suo cast celebri personaggi quali Alexis Arquette, John Lehr, Nina Hartley, il famoso DJ Keoki che è stato ieri parte dei Club Kids, il leggendario party-promoter, creatore dei Club Kids Michael Alig e molti altri. La piattaforma virtuale Indiegogo che sostiene progetti indipendenti ospita “Scumbag” o meglio la raccolta fondi per finanziare la pellicola che prosegue fino al 17 dicembre 2014. Perciò cari FBFers unitevi a me e offrite il vostro modesto contributo per consolidare questo progetto indipendente!

DJ Keoki
DJ Keoki

Michael Alig
Michael Alig

www.scumbag-movie.com

http://www.indiegogo.com/projects/scumbag-the-movie

ONE GREENAWAYAN DAY IN ROME: “GOLTZIUS & THE PELICAN COMPANY” AT THE ARGENTINA THEATRE

Teatro Argentina, photo by N
Teatro Argentina, photo by N

“To bring the film outside the cinema”, categorical imperative of Peter Greenaway, genius British filmmaker who recently featured in Rome in an afternoon event which was held at the Argentina Theatre and ended with the screening of the new film he made “Golzius & The Pelican Company”. The happening started with the screening of cult movie “Belly of an Architect”, set in Rome. Later the filmmaker featured in the talk “The Rome of Greenaway”, moderated by the art critic Alberto Crespi and the film critic Alberto Strinati where he told about this film and his experience during the making. Irony, sharpness and deepness, provocative assertions are the core of Greenaway’s thought and work.

He reminded the name of Costantino Dardi, the man who opened to him all of the gates of Rome ancient buildings and monuments that he couldn’t visit without him. He never met another Costantino in his life. That was a nice episode concerning this movie which “begins with a fuck” – as he said kidding with the shy translator, who had to translate exactly the word “fuck”, adding also that “all of the translators are liars”, another feature of Greenaway’s way of being and thinking, where there are no half measures. Therefore you can love or you can hate him, naturally who is writing that is one of the people who love his pioneer work also connected to technology- “and ends with a death”. The binomial love and death, Eros and Thanatos, was a cornerstone of Greenaway’s work along with a pictorial way of making film, telling stories. That is embodied in the colors of film, “the colors of Rome that are the colors of human body: black, white, ochre and green where green is the metaphor of naughtiness, decadence and death”.

Peter Greenaway during the talk along with Alberto Crespi, Claudio Strinati and the translator, photo by N
Peter Greenaway during the talk along with Alberto Crespi, Claudio Strinati and the translator, photo by N

Continuing to talk about the Ancient Rome he said “it’s rough as parvenu and wonderful”, though “there is no history and historians, there are the stories and who tells about them”. Filmmakers became historians, “we moved from Walter Scott” (who wrote “Ivanhoe”) “to Ridley Scott” ( who made movies as “The Gladiator”. Those are the other ideas impressed in the work( as well as in the books he made) by charismatic filmmaker who made the tableaux vivant, installations that animated masterpieces as the “Last Supper” and “The Wedding at Cana”. The sense of drama, the carnality are other signs embodied in his work on film. That it shines in his new film “Goltzius & the Pelican Company”, set in the papal Rome during the fifteenth century. The images tells about the baroque which is a feature of the city, “a city made of blood and money”. It’s the story on an engraver of erotic prints, who really existed, Henrik Goltzius, “prophet of future incredulity” who looks for financing his project, a book of illustrations depicting the most controversial stories from the Old Testament.

To do that he stages behind the Alsace Margrave a series of theatrical shows based on the Bible, “a catalogue of aberrations”. Here the stories told by Golzius, focused on a display of sins, dramatically blur with his reality, giving rise to extreme consequences. The film is a genuine masterpiece, a painting in motion, enriched by the music made by Archi Torti. I borrow Peter’s words subverting the first words from John’s Vangel “at the beginning it was word”, which is wrong for him and has to be replaced with “at the beginning it was image”, being that very eloquent to understand his idea of making film and telling stories, this story which eradicates the notion of taboo and translates the meaning of visual literature, A work involving Greenaway who also told about his forthcoming film project on the legendary artist Hieronymus Bosch, another announced success.

UNA GIORNATA GREENAWAYANA A ROMA: “GOLTZIUS & THE PELICAN COMPANY” AL TEATRO ARGENTINA

Peter Greenaway, photo by N
Peter Greenaway, photo by N

“Portare il cinema fuori dal cinema”, imperativo categorico di Peter Greenaway, geniale regista inglese che recentemente è stato protagonista a Roma di un evento pomeridiano che si è tenuto al Teatro Argentina e si è concluso con la proiezione della sua nuova pellicola “Golzius & The Pelican Company”. L’ happening è cominciato con la proiezione del cult movie “Il ventre dell’ architetto”, ambientato a Roma. Successivamente il regista è intervenuto nel talk “La Roma di Greenaway”, moderato dal critico d’ arte Alberto Crespi e dal critico cinematografico Claudio Strinati in cui ha parlato di questa pellicola e della sua esperienza durante la realizzazione. Ironia, acume e profondità, affermazioni provocatorie sono il cuore del pensiero e dell’ opera di Greenaway.

Ha ricordato il nome di Costantino Dardi, l’ uomo che gli ha aperto tutti i cancelli degli edifici e i monumenti di Roma che altrimenti non avrebbe potuto visitare. Non ha poi mai più incontrato un altro Costantino. Questo era un simpatico racconto che riguardava la realizzazione del film che “inizia con una scopata” – come diceva, scherzando con la timida traduttrice, la quale ha dovuto tradurre esattamente la parola “scopata”, aggiungendo anche che “tutti i traduttori sono bugiardi”, un altro tratto del modo di essere e pensare di Greenaway, in cui non ci sono mezze misure. Perciò lo si può amare o odiare, naturalmente chi scrive è una di coloro che amano il suo pionieristico lavoro legato anche alla tecnologia – “e finisce con una morte”. Il binomio amore e morte, Eros and Thanatos, è un caposaldo del lavoro di Greenaway unitamente a una modalità pittorica di fare i film, raccontare storie. Ciò è racchiuso nei colori della pellicola, “i colori di Roma che sono i colori del corpo umano: bianco, nero, ocra e verde, in cui il verde è la metafora della malignità, della decadenza e della morte”.

Continuando a parlare dell’ antica Roma diceva che “è volgare da parvenu e meravigliosa”, anche se “non esiste la storia e gli storici, ci sono le storie e chi le racconta”. I registi sono diventati storici,“siamo passati da Walter Scott” (che ha scritto “Ivanhoe”) “a Ridley Scott (che ha realizzato film quali “Il Gladiatore)”. Queste sono le altre idee impresse nell’ opera( come anche nei libri) del carismatico regista che ha realizzato tableaux vivant, installazioni che hanno animato capolavori quali “L’ ultima cena” e “Le nozze di Cana”. Il senso del dramma, la carnalità sono altri tratti racchiusi nel suo lavoro su pellicola. Ciò splende nel suo nuovo film, “Goltzius & the Pelican Company”, ambientato nella Roma papalina del quindicesimo secolo. Le immagini raccontano il barocco, un tratto della città, “una città fatta di sangue e denaro”. È la storia di un incisore di stampe erotiche, realmente esistito, Henrik Goltzius, “profeta dell’ incredulità futura” che cerca di finanziare il suo progetto, un libro di illustrazioni che ritraggono le storie più controverse del Vecchio Testamento.

Per fare ciò mette in scena dinanzi al Margravio d’ Alsazia una serie di spettacoli teatrali che si basano sulla Bibbia, “un catalogo di aberrazioni”. Ivi le storie narrate da Golzius, incentrate su una rassegna di peccati, si confondono drammaticamente con la sua realtà, dando vita a estreme conseguenze. Il film è un autentico capolavoro, un dipinto in movimento, arricchito da splendide musiche realizzate dagli “Archi torti”. Prendo in prestito le parole di Peter che sovverte le parole iniziali del Vangelo di Giovanni, “in principio era il verbo”, affermazione per lui erronea che va sostituita con “in principio era l’ immagine”, essendo ciò oltremodo eloquente per comprendere il suo modo di fare film e raccontare storie, questa storia che sradica la nozione di tabù e traduce il significato della letteratura visiva. Un lavoro che coinvolge Greenaway il quale ha anche parlato del suo prossimo progetto cinematografico sul leggendario artista Hieronymus Bosch, un altro successo annunciato.

Peter Greenaway, the translator, the actor Flavio Parenti and the director of Argentina Theatre after talking with the audience after the screening of "Goltzius and the Pelican Company, photo by N
Peter Greenaway, the translator, the actor Flavio Parenti and the director of Argentina Theatre talking with the audience after the screening of “Goltzius and the Pelican Company, photo by N
Me, myself & I at Argentina Theatre, photo by N
Me, myself & I at Argentina Theatre, photo by N

“INNERVOTEXTA”, THE SOLO EXHIBITION OF GRIFFIN AT THE ATHENS KAPPATOS GALLERY

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It successfully runs in Athens at the Kappatos Gallery through 1st November  2014“Innervotexta”, the solo exhibition, curated by Sozita Goudana, presented in cooperation with Art Professionals in Athens Residency and Present Future Films, showcasing the work by American filmmaker Griffin, including a 16-minute art-film. It’s an exploration of digital perimeters and physical parameters, investigating on the criteria and structure of “Subjective Truth” based on the sensory perception. Innervotexta intersects the concepts of Inner (internal, self) and Vortex (referring to electromagnetic energy fields and space) and attempts to express the dual reality of existence and the tension between the internal (sensory) and the material experience of contemporary humanity. This search is emphasized by different artistic media (film, photography, constructions) and metaphysical elements such as tarot cards and botanology, artworks created by the artist in order to translate the mood of film into a more lasting moment. A not to be missed happening to enjoy the work of a bright artist.

“INNERVOTEXTA”, LA PERSONALE DI GRIFFIN ALLA KAPPATOS GALLERY DI ATENE

Griffin & Masha, photo courtesy Present Future Film
Griffin & Masha Rudenko, photo courtesy Natalia Tsoukala

Prosegue felicemente ad Atene presso la Kappatos Gallery fino all’ 1 novembre 2014 “Innervotexta”, la  personale, curata da Sozita Goudana, presentata in cooperazione con la Art Professionals in Athens Residency e Present Future Films che espone il lavoro del regista americano Griffin e include una pellicola artistica di 16 minuti. Un’ esplorazione dei perimetri digitali e parametri fisici che investigano sui criteri e la struttura della “Verità Soggettiva” che si basa sulla percezione sensoriale. Innervotexta intreccia i concetti di Interiorità (l’ interiore, il sè) e Vortice (che si riferisce ai campi di energia elettromagnetica e allo spazio) e cerca di esprimere la realtà duale dell’ esistenza e la tensione tra l’ esperienza interiore (sensoriale) e l’ esperienza materiale dell’ umanità al giorno d’ oggi.  Questa ricerca è enfatizzata da diversi media (film, fotografia, costruzioni) ed elementi metafisici quali le carte dei tarocchi e di botanica, opere d’ arte create dall’ artista al fine di tradurre lo spirito della pellicola in un momento più durevole. Un evento imperdibile per apprezzare l’ opera di un brillante artista.

"Innervotexta" at the Athens Kappatos Gallery, photo courtesy Present Future Film
“Innervotexta” at the Athens Kappatos Gallery, photo courtesy Natalia Tsoukala
Athens, photo courtesy Present Future Film
Athens, photo courtesy Natalia Tsoukala

http://athensartresidency.org

www.presentfuture.net

MICHAEL ALIG IS GOING TO BE AGAIN FREE

Michael Alig on FBF
Michael Alig on FBF

 

It will happen tomorrow, on 5th May 2014: the  celebrated party promoter Michael Alig – founder of Club kids, New York clubbing personas during the Nineties, a circle of artists as Leigh Bowery, James St. James and Amanda Lepore, of whose story was told by “Party Monster”, the movie by Randy Barbato and Fenton Bailey, featuring Seth Green, Macaulay Culkin and Chloe Sevigny – will be again free, tomorrow will be released on parole after having spent 17 years in jail, due the murderer of Andre “Angel” Melendez. I am pleased to share with you dear FBFers an interview he gave me years ago while he was still in jail, talking about his idea of beauty, glamour and fabulosity.

MICHAEL ALIG STA PER ESSERE NUOVAMENTE LIBERO

Michael Alig
Michael Alig

Accadrà domani, il 5 maggio 2014: il celebre party promoter Michael Alig – fondatore dei Club kids, personaggi della vita dei locali notturni di New York durante gli anni Novanta, una cerchia di artisti quali Leigh Bowery, James St. James e Amanda Lepore, la cui storia è stata raccontata da “Party Monster”, il film di Randy Barbato e Fenton Bailey con Seth Green, Macaulay Culkin e Chloe Sevigny – sarà nuovamente libero, domani sarà rilasciato sulla parola dopo aver passato 17 anni in prigione per l’ omicidio di Andre “Angel” Melendez. Mi rallegra condividere con voi, cari FBFers, un’ intervista che mi ha rilasciato anni fa, quando era ancora in prigione che parla della sua idea di bellezza, glamour e favolosità.

GENDER, DANDYISM, LOVE & FREEDOM: A SIMPLE CONVERSATION WITH BRUCE LABRUCE

Susanne Sachsse, still image from Pierrot Lunaire by Bruce LaBruce
Susanne Sachsse, still image from Pierrot Lunaire by Bruce LaBruce

The release of “Pierrot Lunaire”, new film by Bruce LaBruce, awarded during the latest edition of Berlin International Film Festival with the jury award, has been the successful chance of talking with him about gender, dandyism, love and freedom. The movie he made reinterprets the work by Schönberg, joining to a true story, emphasized by a marvelous photography depicting that queercore aesthetics which made famous the brilliant Canadian filmmaker, dressed up by Expressionist suggestions. It’s an engaging drama giving rise to many reflections about the gender, the freedom of constructing its own dimension and much other. A smashing conversation, embodied in the following interview, as it always happen when I talk with him, pleasant interlude where it shines ideas and visions, those libertarian and libertine ideas, precious, deep words revealing a way of thinking I share and celebrate.

How does it arise Pierrot Lunaire?

“I was approached by the actor Susanne Sachsse and the conductor Premil Petrovic in 2011 to direct a stage version of Schoenberg’s Pierrot Lunaire, with Susanne as Pierrot and Premil conducting the music. We mounted the production at the Hau Theater in Berlin, at the beautiful old Hebbel Am Ufer Theater, and I was quite pleased at how it turned out. I had some good documentation of two of the four performances, which gave me the idea to turn it into an experimental film. So I got funding from the Ontario Arts Council in Canada and my producer Jurgen Bruning got some money from the Medienboard in Berlin so that we could shoot additional material to combine with the stage footage to make the movie”.

Susanne Sachsse, still image from Pierrot Lunaire by Bruce LaBruce
Susanne Sachsse, still image from Pierrot Lunaire by Bruce LaBruce

 

That queercore aesthetics – which is a leitmotiv of your work – now joins to Expressionist suggestions on film, does it result from the theme of movie or instead does it just depict the current dimension of your creative path?

“I’ve always been drawn to German Expressionism, and my interpretation of Pierrot Lunaire gave me the opportunity to explore the aesthetic. I used the conventions of silent film – the overly emotive acting, the intertitles, the melodrama – combined with nods to German Expressionism and Grand Guignol. When I discovered that Schönberg had been heavily influenced by Grand Guignol, the project really began to make sense to me. Grand Guignol was a French theatrical movement in the late 19th Century characterized by the grotesque and the macabre, set in a working class milieu. Decadent yearnings, guilt, and graphic horrors, such as decapitation and amputated body parts, and altered states of consciousness brought on by drugs or hypnosis, were common themes. Even the guillotine, which I incorporated for the “dick-apitation”, was often featured in Grand Guignol!”

Your Pierrot Lunaire follows the same structure of one by Schönberg, though the main difference is Pierrot’s gender. Why did you choose of making a female Pierrot who plays and wants being a man?

“I was intrigued by the fact that in the late 19th Century and early 20th Century, the Cult of Commedia turned Pierrot into a female character. In the 16th Century, Pierrot was a male character who mourned the loss of his wife. As he evolved, he became a powerless, unmanly, brooding, manipulative and obsessively passionate figure, isolated and prone to jealousy and violence. This apparently translated into females playing the role! This cross-gendered role playing gave me the idea to apply the Schönberg piece to a true story that has become a kind of urban legend in Toronto. In the late seventies, a young woman who lived as a man was found out to be a “gender impostor” by his girlfriend’s wealthy father, who forbade him from ever seeing his daughter again. Desolate and enraged, he hired a cab, drove to the outskirts of town, murdered the cab driver and cut off his genitals, and crazy-glued them to his vagina. He then went to show his “real” cock to his girlfriend and her father. It seemed to me like the perfect story for Pierrot Lunaire”.

Susanne Sachsse, still image from Pierrot Lunaire by Bruce LaBruce
Susanne Sachsse, still image from Pierrot Lunaire by Bruce LaBruce

The gender in the story represents the personal tragedy of Pierrot and also an artifice, emphasized by the chapter of movie titled “the dandy”, concerning Pierrot. Why did you use this archetype, is it due to the attitude having both Pierrot and the dandy who follow and/or embody an artificial ritual which becomes lifestyle (oriented to externality in order to be recognized in the way one presents oneself, appear and it does not concern the way of being) or does it arise from other?

“The Dandy archetype is a performative interpretation of masculinity with a feminine edge. “Pure” masculinity is supposed to be natural, unaffected, and unconscious. The Dandy, who is very consciously presenting an image, is already “betraying” this “pure” masculinity. The fastidiousness and theatricality of the Dandy image also go against traditional ideas of masculinity. My film is very much about the performance of gender. Pierrot, a biological female, performs masculinity in his everyday life, and on stage performs a Deitrich-type character – a female performing as a male. So there is layer upon layer of gender performance. The father performs his masculine drag on stage (in Pierrot’s mind), and even Columbine performs femininity, the character played by two different actresses. The male dancers at the burlesque house also perform their masculine drag for Pierrot, a woman posing as a man pretending to be interested in men as sex objects, but actually really wanting to become them and to possess their penises! It’s very complex!

If the dandy would correspond to this artificial image, he would be an empty container of elegance, a mere surface justifying and being the necessary and sufficient condition for its existence, do you agree with that and more specifically what do you think about the archetype of dandy?

“I like this contradiction, that the Dandy performs a kind of “feminized masculinity”. Pierrot in my movie is identified as a “butch dandy”, i.e., he is a biological female performing a more masculine version of the feminized male, perhaps overcompensating for his biological lack as a male. Of course with so many layers of artifice and performance, ultimately one runs the risk of peeling back all the layers to find nothing beneath – an emptiness or void”.

To which extent the stereotypes, misunderstandings, repressions of behavior and frustrations does arise from the paradigm of gender?

“Gender can be very unimaginative and traditional. Obviously even people who are transgendered often succumb to traditional gender stereotypes: the trans-female who tries to be even more feminine than a “real” woman, to outperform her, or the trans-male who overcompensates with macho behavior and a super-swaggering masculinity that can even be hostile to women. But there are also transgendered people who more imaginatively balance masculinity and femininity, or who transcend both by becoming something completely other”.

 

still image from Pierrot Lunaire by Bruce LaBruce
still image from Pierrot Lunaire by Bruce LaBruce

Do you think which is possible to go beyond gender in the human interaction without being marginalized? (it is not about to break of superstructures, it’s about to make them more flexible)

“I’m not always convinced that marginalization has to be such a negative state. If one celebrates difference and uniqueness, one necessarily exists as a kind of outsider. One is going against the grain, being a nonconformist in a conformist world. The most mistrusted people in the world are those who don’t present a recognizable or reassuring image of gender. They are considered pariahs”.

Do you think the genderization of society, human relationships is a easier way to control the masses, though it makes the individual less free?

Well, for me it signifies more a lack of imagination, or even laziness . It’s much easier for parents to impose certain strict gender configurations onto their children, and it’s easier to get by in the world if one conforms to predefined roles. Sometimes it’s also a matter of going against nature or biology, which could be construed as a kind of freedom. But not everyone has the “stomach” for it!

Does the transgender or all the gender neutral approaches and individuals featuring in the contemporary times (as it is evidenced in the life and work of Justin Vivian Bond) represent the freedom, the emancipation of an individual from a genderizing society which divides and creates categories, ghettos by using gender?

“I find artists like Justin Vivian BondVaginal Davis and Zachary Drucker really inspiring because they present such a complex and individualistic and fluid expression of gender. These are people who are unique; they are their own category. Their personae challenge all sorts of conceptions and misconceptions about both masculinity and femininity, and throw into doubt their mutual exclusiveness”.

Gender is not sex, another issue featuring in the film, considered as strictly connected to love, the love of Pierrot for Columbine, a romantic vision, is this idea part of you?

“Love and romance always present the opportunity to transcend gender. One can form a romantic attachment to not only a person, but also to an idea, a movement, an object. If love is blind, then it can be blind to gender. It’s a transcendental force”.

What are your forthcoming projects?

I am developing several film projects, including Ulrike’s Brain, a kind of sequel to my movie The Raspberry Reich, having to do with feminist revolutionaries. I will also be releasing my own perfume later this year, as a kind of performance. It is called “Obscenity”.

 

GENDER, DANDISMO, AMORE & LIBERTÀ: UNA CONVERSAZIONE SEMPLICE CON BRUCE LABRUCE

 

L’ uscita di “Pierrot Lunaire”, nuova pellicola di Bruce LaBruce, insignita del premio della giuria durante l’ ultima edizione del Festival Internazionale del Cinema di Berlino, è stata la felice occasione per parlar con lui di gender, dandismo, amore e libertà. Il suo film reinterpreta l’ opera di Schönberg, che si unisce a una storia vera, enfatizzata da una meravigliosa fotografia che dipinge quella estetica queercore che ha reso famoso il brillante regista canadese, condita da suggestioni espressioniste. È un avvincente dramma che dà vita a plurime riflessioni riguardo al gender, alla libertà di costruirsi la propria dimensione e molto altro. Una formidabile conversazione, racchiusa nell’ intervista che segue, come sempre accade quando parlo con lui, piacevole interludio in cui splendono idee e visioni, quelle idee libertine e libertarie, preziose, profonde parole che svelano un modo di pensare che condivido e celebro.

Come nasce Pierrot Lunaire?

“Sono stato avvicinato dall’ attrice Susanne Sachsse e dal direttore d’ orchestra Premil Petrovic nel 2011 per dirigere una versione teatrale del Pierrot Lunaire di Schönberg’s con Susanne nei panni di Pierrot e Premil che dirigeva la musica. Abbiamo allestito la produzione presso il Teatro Hau a Berlino, nella bel vecchio Teatro Hebbel Am Ufer, mi ha davvero rallegrato il modo in cui è stato prodotto. Avevo un po’ di documentazione di due delle quattro performance, che mi ha dato l’idea di trasformare ciò in una pellicola sperimentale. Così ho ottenuto i finanziamenti dall’ Ontario Arts Council in Canada e il mio produttore Jurgen Bruning ha ottenuto del denaro da Medienboard a Berlino sicché abbiamo potuto girare ulteriori scene da unire al filmato dello spettacolo per realizzare il film”.

Susanne Sachsse, still image from Pierrot Lunaire by Bruce LaBruce
Susanne Sachsse, still image from Pierrot Lunaire by Bruce LaBruce

 

L’ estetica queercore – che è un leitmotiv della tua opera – si unisce adesso a suggestioni espressioniste, ciò deriva dal tema del film o invece dipinge soltanto l’ attuale dimensione del tuoi iter creativo?

“Sono stato sempre attratto dall’ espressionismo tedesco, e la mia interpretazione di Pierrot Lunaire mi ha offerto la possibilità di esplorare l’ estetica. Ho usato i paradigmi del cinema muto – la recitazione oltremodo capace di generare emozioni, gli inter-titoli, il melodramma – abbinato ai gesti dell’ espressionismo tedesco e del Grand Guignol. Quando ho scoperto che Schönberg è stato pesantemente influenzato dal Grand Guignol, il progetto ha davvero iniziato ad avere un senso per me. Il Grand Guignol era un movimento teatrale francese della fine del 19° secolo, caratterizzato dal grottesco e dal macabro, allestito in contesto da classe operaia. Decadenti desideri, il senso di colpa e crudi abomini come la decapitazione e l’ amputazione di parti del corpo, e stati di coscienza alterati derivanti dalle droghe o dall’ ipnosi erano temi comuni. Anche la ghigliottina, che ho incorporato per la “dick-apitation” (“decapitazione del cazzo”), era spesso protagonista del Grand Guignol!”

 

Il tuo Pierrot Lunaire segue la medesima struttura di quello di Schönberg, benché la principale differenza sia il gender di Pierrot. Perchè hai scelto di realizzare una versione femminile di Pierrot che recita la parte dell’ uomo e vuole esser uomo?

“Sono stato intrigato dal fatto che alla fine del 19° secolo e l’ inizio del 20° secolo il culto della Commedia dell’ Arte aveva trasformato Pierrot in un personaggio femminile. Nel 16° secolo Pierrot era un personaggio maschile che piangeva la perdita della moglie. Quando si è evoluto, è divenuto una figura inerme, effeminata, pensierosa, manipolatoria ed ossessivamente appassionata, solitaria e prona alla gelosia e alla violenza. Questo è stato tradotto in donne che recitavano il ruolo! L’ interpretazione di questo ruolo cross-genderizzato mi ha dato l’ idea di applicare l’ opera di Schönberg a una storia vera che è divenuta una sorta di leggenda metropolitana a Toronto. Alla fine degli anni Settanta una giovane donna che viveva come un uomo è stata scoperta di essere “un impostore nel genere” dal benestante padre della sua ragazza che gli ha proibito di vedere sua figlia nuovamente. Afflitto e infuriato ha chiamato un taxi, si è diretto nella periferia della città, ha assassinato il tassista e gli ha tagliato i genitali e li ha follemente incollati alla sua vagina. Poi si è recato a mostrare il suo “vero” cazzo alla sua ragazza e al padre di lei. Mi sembrava la storia perfetta per Pierrot Lunaire”.

Susanne Sachsse, still image from Pierrot Lunaire by Bruce LaBruce
Susanne Sachsse, still image from Pierrot Lunaire by Bruce LaBruce

Il gender nella storia rappresenta la tragedia personale di Pierrot e anche un artificio, enfatizzato dal capitolo del film intitolato “il dandy” che riguarda Pierrot. Perchè ti sei avvalso di questo archetipo, è dovuto al fatto che sia Pierrot sia il dandy seguono e/o racchiudono in sé un rituale artificiale che diventa uno stile di vita(orientato all’ esternalità al fine di essere riconosciuti nel modo in cui uno si presenta, appare e non riguarda il modo in cui si è) o deriva da altro?

“L’ archetipo del dandy è una interpretazione performativa di mascolinità con una punta femminile. La “pura” mascolinità si presume esser naturale, spontanea e inconsapevole. Il dandy, che sta presentando molto consapevolmente un immagine, sta già tradendo questa mascolinità “pura”. La meticolosità e la teatralità dell’ immagine del dandy va anche contro l’ idea tradizionale di virilità. Il mio film riguarda molto la messa in scena del gender. Pierrot, una donna dal punto di vista biologico, inscena la mascolinità nella sua quotidianità e sul palcoscenico recita un personaggio alla Dietrich – una donna che si esibisce come un uomo. Così c’è  una stratificazione della rappresentazione del gender. Il padre rappresenta il suo travestimento maschile sul palco (nella mente di Pierrot) ed anche Colombina, inscena la femminilità, il personaggio interpretato da due diverse attrici. I ballerini alla casa del burlesque inscenano anche il loro travestimento da uomo per Pierrot, una donna che si atteggia da uomo, finge di essere interessata agli uomini come oggetti sessuali, ma allo stato attuale vuole solo essere come loro e possedere i loro peni! È una situazione molto complessa!”

Se il dandy corrispondesse a questa immagine artificiale, sarebbe un vuoto contenitore di eleganza, una mera superficie che giustifica ed è la condizione necessaria e sufficiente per la sua esistenza, sei d’ accordo e più specificamente che ne pensi dell’ archetipo del dandy?

“Mi piace questa contraddizione, che il dandy rappresenti una sorta di “virilità femminilizzata”. Pierrot nel mio film è identificato come “un dandy mascolinizzato”, esempio, è biologicamente donna che rappresenta una versione più maschile dell’ uomo femminilizzato, forse per sovracompensare la sua deficienza biologica come uomo. Naturalmente con molteplici strati di artificio e rappresentazione, in ultimo uno corre il rischio di rimuovere tutti gli strati per trovarci dietro nulla – un vuoto o lo spazio”.

In che misura gli stereotipi, le incomprensioni, le repressioni del comportamento derivano dal paradigma del gender?

“Il gender può essere molto privo di fantasia e tradizionale. Ovviamente anche le persone che sono transgenderizzate sovente soccombono dinanzi ai tradizionali stereotipi di genere: la trans-femminile che prova ad essere ancora più femminile di una “vera” donna, di superarla, o il trans-maschile che sovracompensa con il comportamento da macho e una super-spavalda virilità che può risultare anche avversa alle donne. Ma ci sono anche altre persone transgenderizzate che con più fantasia bilanciano virilità e femminilità o trascendono entrambe per diventare completamente qualcos’ altro”.

Susanne Sachsse, still image from Pierrot Lunaire by Bruce LaBruce
Susanne Sachsse, still image from Pierrot Lunaire by Bruce LaBruce

Pensi che sia possibile andare oltre il gender nella interazione senza essere marginalizzati? (non è una questione di rompere le sovrastrutture, ma di renderle più flessibili)

“Non sono sempre convinto che la marginalizzazione debba essere una condizione del tutto negativa. Se si celebra la differenza e l’ unicità, si esiste necessariamente come una sorta di outsider. Si va contro il grano, si è anticonformista in un mondo conformista. Le persone più guardate con diffidenza al mondo sono quelle che non presentano una riconoscibile o rassicurante immagine di genere. Sono considerati dei reietti”.

Ritieni che la genderizzazione della società, delle relazioni sia un modo più facile per controllare le masse, anche se rende l’ individuo meno libero?

“Bene, per me equivale più a una mancanza di immaginazione o anche pigrizia. È molto più facile per i genitori imporre alcuni strette configurazioni di gender nei bambini ed è più facile cavarsela nel mondo conformandosi a ruoli predefiniti. Qualche volta è anche un problema di andar contro la natura o la biologia che potrebbe esser costruito come una sorta di libertà. Ma non tutti hanno “lo stomaco” per fare ciò!

Il transgender o tutti gli approcci e individui neutrali al gender protagonisti della contemporaneità (come si evince nell’ opera e nella vita di Justin Vivian Bond) rappresenta la libertà, l’ emancipazione dell’ individuo da una società genderizzante che divide e crea categorie, ghetti avvalendosi del gender?

“Trovo che artisti come Justin Vivian Bond, Vaginal Davis e Zachary Drucker siano davvero di grande ispirazione perché presentano un espressione del gender estremamente complessa, individualistica e fluida. Queste sono persone che sono uniche, sono la loro stessa categoria. La loro personalità cambia ogni sorta di concezione e idee sbagliate riguardo alla virilità e femminilità e mette in dubbio la loro esclusività reciproca”.

Il gender non è il sesso, un’ altra questione protagonista della pellicola, considerata strettamente legata all’ amore, all’ amore di Pierrot per Colombina, una visione romantica, questa idea fa parte di te ?

“L’ amore e la storia d’ amore offrono sempre la possibilità di trascendere il gender. Si può creare un attaccamento romantico non soltanto verso una persona, un’ idea, un movimento, un oggetto. Se l’ amore è cieco, può quindi esser cieco al gender. É una forza transcendentale”.

Quali sono i progetti che hai in cantiere?

“Sto sviluppando diversi progetti cinematografici, che includono Ulrike’s Brain, una sorta di sequel del mio film The Raspberry Reich che ha a che fare con le rivoluzionarie femministe. Lancerò anche il mio profumo nell’ arco di quest’ anno come una sorta di performance. È chiamato “Obscenity”.

Bruce LaBruce
Bruce LaBruce

www.brucelabruce.com

“THE BEARD CLUB”: THE SOCIAL POLICY OF BEARD ON FILM

Beardsley, beard shampoo and conditioner
Beardsley, beard shampoo and conditioner

The beard today is a genuine male trend which has developed during the last years and produced the rise of many specific products for the beard care as shampoos, conditioners, creams, lotions and oils, created by brands as Beardsley. Beyond the rise of new consumptions and marketing connected to the beard, it stays the social policy of beard. This is a wider issue concerning religion, culture, gender – as it shows the “bear”, stereotype of beard and hairy man coming from gay culture -, identity and much other which has successfully explored on film by Laura J. Lukitsch, filmmaker who made “The beard club”. The interesting documentary film results from a work lasted 5 years spent travelling in twelve cities, five countries, from Italy to India and crossing United States. The filmmaker visited barbershops, bathrooms, pubs and various male meeting places and interwiewing with many people (religious men, ZZ Top, activists, a bearded woman and a young Arab graphic novelist) for understanding the men’s relationship with their beard and discovering the decision to shave or not to shave is not so private or individual as one could think about.

“THE BEARD CLUB”: LE POLITICHE SOCIALI DELLA BARBA SU PELLICOLA

Beardsley, beard shampoos, conditioner, oil and lotion
Beardsley, beard shampoos, conditioner, oil and lotion

La barba è un autentico trend maschile contemporaneo che si è consolidato negli ultimi anni ed ha portato alla nascita di molteplici prodotti specifici per la cura della barba quali shampoo, balsami, creme, lozioni ed oli, creati da marchi quali Beardsley. Al di là della nascita di nuovi consumi e il marketing connesso alla barba, resta la questione della politica sociale della barba. Questa è una problematica più ampia inerente la religione, la cultura, il gender – come si evince dall’ “orso”, stereotipo di uomo barbuto e peloso proveniente dalla cultura gay -, l’ identità e molto altro che è stata felicemente esplorata su pellicola da Laura J. Lukitsch, regista di “The beard club”. L’ interessante documentario nasce da un lavoro di cinque anni, trascorsi viaggiando in dodici città, cinque stati, dall’ Italia all’ India e attraversando gli Stati Uniti. La regista ha visitato i negozi dei barbieri, bagni pubblici, pub e diversi luoghi di aggregazione maschile e intervistato varie persone (ortodossi, gli ZZ Top, attivisti, una donna barbuta e un giovane autore arabo di graphic novels e altri) per comprendere la relazione degli uomini con le loro barbe e scoprire che la decisione di farsi o non farsi la barba non è poi così privata come si potrebbe pensare.

www.beardclub.com

ENCOUNTERS & OLFACTIVE EXPERIENCES AT ESXENCE

Dhaer Bin Dhaer and me, photo by N
Dhaer Bin Dhaer and me, photo by N

Olfactive experiences and nice encounters featured in my day at Esxence, event focused on  artistic perfumery and its culture which was held in Milan at the Triennale Design Museum. Dhaer Bin Dhaer, nice and fun Dubai sultan who created the scent Tola, has been one of the first people I met. The scents he made were showcased along with many objects as a weird mask and the scarves that emphasized on their oriental charm and warm suggestions reminding the desert and made me think about the “Sheltering sky”, celebrated movie by Bernardo Bertolucci (and more specifically about a scene featuring John Malkovich and Amina Annabi and its moving soundtrack by Ryuichi Sakamoto). The packaging of perfumes is very catchy, including also a dropper, successful way to depict a gesture and a kind of fetishism connected to the scent which makes concrete also a smart marketing choice.

The weird masks by Tola, photo by N
The weird masks by Tola, photo by N

A playful, ironic and provocative, pop mood, connected to the olfactive libertinage shines in Etat Libre D’ Orange, French brand created by the brilliant Etienne De Swardt, including unusual fragrances as “Don’t get me wrong baby I don’t swallow”, “Charogne”(a scent I experienced a long ago, for a long time), “Secretions magnifiques”, the scent reinterpreting the scent of sperm, created by one of my favorite noses, Antoine Lie(who also made “Sulphur” by Nu-be), “Archives 69”, inspired by “Drencula”, erotic novel on vampires by Boris Vian, the first trans-scent “Afternoon of a faun”, created by the eclectic artist and beloved friend Justin Vivian Bond and last but not the least “Cologne”, a nice scent. This new perfume, which will be released on May, represents something being unexpected, considering the outrageous attitude of brand. Etienne told me “it was a way to break the rules and sometimes we break our own rules”. After the decadence now it shines the nice and its freshness embodied in this scent.

Etat Libre D' Orange, photo by N
Etat Libre D’ Orange, photo by N

 

Etat Libre d' Orange, photo by N
Etat Libre d’ Orange, photo by N

Nevertheless the freshness is the core of Eau d’ Italie,  Positano brand, producing a series of fragrances, created by Sebastian Alvarez Mureno, evoking the freshness of sea and Mediterranean visions. The combinations giving rise to its alchemies are many, some are enriched also of spicy, woody notes or red fruits as “Graine de Joie”, the new fragrance, but all the ones have in common the freshness. A refined freshness which makes this scent a passé-partout, appreciated by people who don’t like aggressive and intense smells, being all of these scents extremely delicate.

Eau d' Italie, photo by N
Eau d’ Italie, photo by N

 

Eau d' Italie, photo by N
Eau d’ Italie, photo by N

It was fun to see again the Australian milliner Naomi Goodsir featuring in Exsence as brand of fragrances as the caressing “Cuir Velours”, joining tobacco, rum, cistus labdanum, incense and fleur d’ immortelle and “Or dù Serail” which embodies tobacco along with ambery, woody and musky notes.

Naomi Goodsir parfums, photo by N
Naomi Goodsir parfums, photo by N

 

Naomi Goodsir and me, photo by N
Naomi Goodsir and me, photo by N

 

The pleasant interlude at the Triennale Design Museum ended with a Parisian brand being the parfume history, Caron.

Caron, photo by N
Caron, photo by N

 

 

INCONTRI & ESPERIENZE OLFATTIVE AD ESXENCE

Mustafa Sabbagh and Tola, photo by N
Mustafa Sabbagh and Tola, photo by N

Esperienze olfattive e simpatici incontri sono stati i protagonisti della mia giornata a Esxence, evento dedicato alla profumeria artistica, alla sua cultura che si è tenuto a Milano presso il Museo del Design della Triennale. Dhaer Bin Dhaer, il simpatico e buffo sultano di Dubai che ha creato il profumo Tola, è stato una delle prime persone che ho conosciuto. I suoi profumi erano esposti insieme a diversi oggetti quali una insolita maschera ed i foulard che enfatizzavano il loro fascino orientale e calde suggestioni che ricordavano il deserto e mi hanno fatto pensare a “Il tè nel deserto”, celebre film di Bernardo Bertolucci (più specificamente a una scena del film con John Malkovich e Amina Annabi ed anche alla struggente colonna sonora di Ryuichi Sakamoto). Il packaging dei profumi è molto accattivante, comprensivo anche di un contagocce, felice modo di ritrarre un gesto e una sorta di feticismo legato al profumo che concretizza anche una intelligente scelta di marketing.

Tola, photo by N
Tola, photo by N

 Un giocoso, ironico e provocante mood pop, legato al libertinaggio olfattivo splende in Etat Libre D’ Orange, brand francese creato dal brillante Etienne De Swardt che comprende insolite fragranze come “Don’t get me wrong baby I don’t swallow”, “Charogne”(profumo da me sperimentato tanto tempo fa, per lungo tempo), “Secretions magnifiques”, fragranza che reinterpreta l’ odore di sperma, creata da uno dei miei nasi preferiti, Antoine Lie (che ha anche realizzato “Zolfo”e altre fragranze di Nu-be), “Archives 69”, che si ispira a “Drencula”, racconto erotico sui vampiri di Boris Vian, il primo profumo trans “Afternoon of a faun”, creato dall’ eclettico artista e amico molto caro Justin Vivian Bond ed ultimo ma non meno importante “Cologne”, una fragranza carina. Questo nuovo profumo, che sarà distribuito a maggio, rappresenta qualcosa di inaspettato, considerando l’ attitudine provocatoria del marchio. Etienne mi diceva che: “era un modo per rompere le regole e talvolta abbattere le nostre stesse regole”. Dopo la decadenza adesso splende il carino e la sua freschezza, racchiusa in questo profumo.

Etat Libre D' Orange, photo by N
Etat Libre D’ Orange, photo by N

 

Etienne de Swardt and me, photo by N
Etienne de Swardt and me, photo by N

 

Ciònondimeno la freschezza è il cuore di Eau d’ Italie, brand di Positano, che produce una serie di fragranze create da Sebastian Alvarez Mureno che evocano il mare e visioni mediterranee. Le combinazioni che danno vita alle sue alchimie sono varie, alcune arricchite da note speziate, verdi o frutti rossi come “Graine de Joie”, la nuova fragranza, ma tutte hanno in comune la freschezza. Una raffinata freschezza che rende questi profumi un passé-partout, apprezzati da persone che non gradiscono odori aggressivi e intensi, essendo queste fragranze oltremodo delicate.

Eau d' Italie, photo by N
Eau d’ Italie, photo by N

 

Sebastian Alvarez Mureno, photo by N
Sebastian Alvarez Mureno, photo by N

 

É stato divertente rivedere la designer di cappelli Naomi Goodsir protagonista di Exsence nelle vesti di brand di profumi quali il carezzevole “Cuir Velours”, che unisce tabacco, rum, ciste labdano, incenso e fiori di luce e “Or dù Serail” che racchiude in sé tabacco unitamente a note ambrate, verdi e muschiate.

Naomi Goodsir, photo by N
Naomi Goodsir, photo by N

 

Naomi Goodsir, photo by N
Naomi Goodsir, photo by N

Il piacevole intermezzo al Museo della Triennale si è concluso con un marchio parigino che è la storia del profumo, Caron.

Caron, photo by N
Caron, photo by N

 

The journalist and Ermano Picco and me, photo by N
The journalist and Ermano Picco and me, photo by N

 

 

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MUSTAFA SABBAGH & NU-BE AT ESXENCE: OLFACTIVE DIALOGUES BETWEEN ART AND DESIGN

Mustafa Sabbagh, photo by N
Mustafa Sabbagh, photo by N

It featured during the latest edition of Esxence, event focused on the artistic perfumery which was held in Milan at the Triennale Design Museum, a smashing sensorial conversation about feelings, scents, art and design which was moderated by the journalist and expert Ermano Picco. Here the brilliant photographer Mustafa Sabbagh talked about the idea of fragrance he considered as scent. “The scent is ancestral and is connected to mind and belly”. Thus he said during this pleasant interlude where I appreciated his great genuineness, spontaneity and exhaustive synthesis. He also answered to the question regarding the eventual gender of smell, saying :“it’s something connected with the feeling, it’s not connected to the seeing which gives rise to a code of behaviour where the gender is a moralistic and classifying standard”. He also considered “Wodaabe- Herdsmen of the Sun” the documentary film by Werner Herzog on the Wodaabe tribe where the men, also by suffering, beautified them in order to be chosen as husbands by the women. Mustafa also talked about “the perfumery industry, which succeeded to take out the smell in order to feel, give emotions, is changing the cultural concept of perfume. The vibrant artist recently made “Come closer”, a suggestive video talking about the overwhelming experience of Nu-be, a series of scents depicting the Sadean primordial soup, a genuine lifestyle and telling about the violent action caught on film made to get Nu-be. Francesca Gotti, designer of Nu-be, considered this work as “a creative ménage a trois”, where Nu-be is in the center of a fight: “to break the case for entering into this experience”. The video ends with the image of a forest which – Francesca said – is an invitation to the voyage, to a new being as it asserts John Berger”. The sensual, sensorial perception of smell by Mustafa was enriched by other precious reflections. Big truths, consciousnesses: “I am in love with the skin, it’s a diary”; “I smell people”; “we can lie with smells, the one which wins is the truth of its own being”. These words come from the one who is “a nomadic mind and a free spirit”, a clever individual and a fine artist. Passion, passion and again passion is what shines in his work. The rarefied atmospheres he depicted talk about timeless stories under the sign the grotesque where the erotic, sensual element and the nudity is just means to subvert the conventional standards of ethic and aesthetics. “I love what makes me scared”. Thus Mustafa spoke, telling: “if you dream, you dream perfection, if you live, you love imperfection”. The conversation focused on other ideas concerning the smell, which is connected to memory and it is not necessarily connected to flowers. There are other scents that are powerful means able to evoke images and memories, as the smell of oil – as Mustafa said – or the one coming from the hospital. It was a successful happening to celebrate, discover and enjoy the olfactive design, art, sense and feelings.

MUSTAFA SABBAGH & NU-BE A ESXENCE: DIALOGHI OLFATTIVI TRA ARTE E DESIGN

Ermano Picco, photo by N
Ermano Picco, photo by N

È stata protagonista dell’ ultima edizione di Esxence, evento dedicato alla profumeria artistica che si è tenuto a Milano presso il Museo del Design della Triennale, una formidabile conversazione su sensazioni, odori, arte e design che è stata moderata dal giornalista ed esperto Ermano Picco. Ivi il brillante fotografo Mustafa Sabbagh ha parlato dell’ idea di profumo da lui presa in considerazione nelle vesti di odore. “Il profumo è ancestrale ed è legato alla mente e alla pancia”. Così ha detto durante questo piacevole interludio in cui ho apprezzato la sua grande genuinità, spontaneità ed esaustiva sintesi. Ha risposto anche al quesito inerente l’ eventuale gender dell’ odore affermando che:“è qualcosa collegato al sentire, non è connesso al vedere che dà vita a un codice comportamentale in cui il gender è uno standard moralistico e classificatorio”. Ha anche preso in considerazione “Wodaabe-I Pastori del Sole”, il film documentaristico di Werner Herzog sulla tribù Wodaabe in cui gli uomini, anche soffrendo, si abbelliscono per essere scelti dalle donne come mariti. Mustafa ha anche parlato dell’ “industria  dei profumi che ha il merito di tirar fuori gli odori per sentire, dare emozioni, sta cambiando il concetto culturale del profumo. Il vibrante artista ha recentemente realizzato “Come closer”, un suggestivo video che parla dell’ irresistibile esperienza di Nu-be, una serie di fragranze che dipingono il sadiano brodo primordiale, un autentico stile di vita e raccontano l’ azione violenta catturata su pellicola per avere Nu-be. Francesca Gotti, designer di Nu-be, ha considerato quest’ opera “un amplesso creativa a tre”, in cui Nu-be è nel mezzo di una lotta: “rompere il guscio per accedere a questa esperienza”. Il si conclude con l’ immagine di una foresta che – diceva Francesca – è un invito al viaggio, a un nuovo essere come afferma John Berger”. La percezione sensuale, sensoriale dell’ odore di Mustafa è stata arricchita da altre preziose riflessioni. Grandi verità, consapevolezze: “sono innamorato della pelle, è un diario”; “annuso la gente”; “non possiamo mentire con gli odori, chi vince è la verità del proprio essere”. Queste parole provengono da chi è un “nomade di testa e uno spirito libero”, individualità di fine ingegno e raffinato artista. Passione, passione e ancora passione è ciò che splende nel suo lavoro. Le atmosfere rarefatte da lui ritratte narrano storie senza tempo all’ insegna del grottesco in cui l’ elemento erotico, sensuale e la nudità sono soltanto mezzi per sovvertire i parametri convenzionali di etica ed estetica. “Amo ciò che mi fa paura”. Così ha detto Mustafa, sottolineando: “se sogni, sogni la perfezione, se vivi, ami l’ imperfezione”. La conversazione si è rivolta ad altri concetti inerenti l’ odore che è connesso al ricordo e non richiama necessariamente i fiori. Ci sono altri profumi che sono mezzi poderosi, capaci di evocare immagini e ricordi, come l’ odore della benzina – diceva Mustafa – o quello dell’ ospedale. Un felice happening per celebrare, scoprire e apprezzare il design olfattivo, l’ arte, il senso ed i sensi.

Francesca Gotti, photo by N
Francesca Gotti, photo by N

Me and Anna Porcu, photo by N
Me and Anna Porcu, photo by N
Antonio Gardoni, creator of  Bogue-Profumo (olfactive experience under the sign of  sartorialism I will tell about soon), photo by N
Antonio Gardoni, creator of Bogue-Profumo (olfactive experience under the sign of sartorialism I will tell about soon), photo by N
The jewelry designer Milena Altini and me, photo by N
The jewelry designer Milena Altini and me, photo by N

 

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